( PDF ) A poetica autobiografica na arte contemporanea

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FICHA CATALOGRÁFICA ELABORADA PELA

BIBLIOTECA DO INSTITUTO DE ARTES DA UNICAMP

Rovina, Márcia Regina Porto.

R769p A Poética Autobiográfica na Arte Contemporânea / Márcia

Regina Porto Rovina – Campinas, SP: [s.n.], 2008.

Orientador: Prof. Dr. Marco Antonio Alves doValle.

Dissertação(mestrado) - Universidade Estadual de

Campinas,

Instituto de Artes.

1. Autobiografia. 2.Desenho. 3. Processo criativo. 4.

Memória. 5. Ficção. I. Valle, Marco Antonio Alves do. II.

Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Artes. III.

Título.

(em/ia)

Título em inglês: “The Autobiography Poetic in the Contemporary Art.”

Palavras-chave em inglês (Keywords): Autobiography ; Drawing ; Creative process ;

Memory ; Fiction.

Titulação: Mestre em Artes.

Banca examinadora:

Prof. Dr. Marco Antonio Alves do Valle.

Profª. Drª. Luise Weiss.

Profª. Drª. Maria Celeste de Almeida Wanner.

Prof. Dr. Carlos Roberto Fernandes (suplente)

Prof. Dr. Francisco Antônio Ferreira Tito Damazo (suplente)

Data da Defesa: 01-08-2008

Programa de Pós-Graduação: Artes.

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À minha família e, sobretudo ao meu filho Pedro.

vii

Steidl and Staeck. Beuys in América, 1997, p.150.

Agradecimentos

Ao artista e orientador Professor Dr.

Marco Antonio Alves do Valle pelo

apoio, estímulo e pela pronta atenção

no decorrer da minha pesquisa e na

elaboração desta dissertação.

RESUMO

Esta dissertação trata da relação da autobiografia como poética na arte

contemporânea, onde o artista é o narrador e sujeito de sua produção. Tendo

como ponto de partida a relação estreita que alguns artistas fazem entre sua

autobiografia e seu trabalho, o gênero autobiográfico na literatura moderna

propiciou uma reflexão sobre sua influência nas artes visuais na década de

setenta, seus procedimentos e construção de linguagem. Para análise dos

processos criativos foram escolhidos três artistas contemporâneos que

apresentam um caráter confessional em sua poética e usam a linguagem do

desenho em sua trajetória. As questões teóricas, processuais e poéticas

estudadas são relacionadas com meu processo artístico, resultando numa análise

reflexiva sobre a minha produção dos últimos dez anos.

Palavras-chave: Autobiografia, Desenho, Processo Criativo, Memória, Ficção.

ABSTRACT

This dissertation is on the relation of autobiography as poetic in

contemporary art, where the artist is the narrator and subject of your production.

The starting point is the strait relation that some artists do between their

autobiographies and their works; the autobiographic literary gender propitiated a

reflection about its influence at the visual arts in the seventies, its procedures and

language construction. To analysis of creative process were chosen three

contemporary artists who show a confessional character in their poetic and use the

language of drawing in theirs trajectory. The theoretical questions, process and

poetics studied are associated with my artistic process, as a result a reflexive

analysis about my production at the last ten years.

Key words: Autobiography, Drawing, Creative Process, Memory, Fiction.

xiii

SUMÁRIO

1 INTRODUÇÂO 1

2 CAPÍTULO I: A POÉTICA AUTOBIOGRÁFICA 4

2.1 Origem da Pesquisa 4

2.2 A Autoria e a Escrita de Si 11

2.3 Ficção e Realidade 18

2.4 O Narrador e o Leitor 33

3 CAPÍTULO II: ARTISTAS AUTOBIOGRÁFICOS CONTEMPORÂNEOS 41

3.1 Louise Bourgeois 47

3.2 Tracey Emin 57

3.3 Wonsook Kim 64

3.4 Semelhanças e Diferenças 71

3.4.1 Narrativa e texto 71

3.4.2 Memória e Infância 73

3.4.3 Poética Autobiográfica 75

4 PROCESSO CRIATIVO DE UMA AUTOBIOGRAFIA FICCIONAL 78

4.1 O Reencontro com Celeste 78

4.2 Os Sonhos e a Idéia 79

4.3 O Desenho e a Ambiência 104

4.4 Outras Referências 110

5 CONCLUSÃO 118

6 REFERÊNCIAS 120

INTRODUÇÃO

Esta pesquisa de mestrado tem como objetivo relacionar a

autobiografia como poética nas artes visuais, especificamente na arte

contemporânea, apresentando paralelamente reflexões do meu trabalho que foi o

gerador desta busca de um “encontro” de uma produção intuitiva com um

discurso teórico.

Nesta poética o autor acumula as funções de narrador e sujeito. Ele

arquiva, seleciona e interpreta dados da memória. Com esta constante

construção de lembranças segue uma constante construção identitária. Pode o

autor ser objeto de seu próprio texto? Cultivar ou destruir rastros e vestígios faz o

autor lidar com o limite da vida real e fictícia. Interessa-me artistas que colocam

em dúvida a autenticidade de uma poética autobiográfica.

Sendo um tema de discussão teórica recente na História da Arte, se

fez necessário uma pesquisa no gênero autobiográfico na literatura moderna e

suas influências nas artes visuais na década de setenta. Discutindo as relações

entre narrador, sujeito, obra, e autoria.

Por ser uma narrativa em primeira pessoa, o processo de criação

autobiográfico faz do leitor parte fundamental da obra. Sem a presença e ou

participação deste não haverá trabalho. É nesta relação com o outro que

ocorrerão os desdobramentos necessários para que esta escrita do “eu”

perpasse a escrita de uma memória coletiva

. Portanto um aspecto discutido na

dissertação é a relação deste conjunto de obras visuais com o observador.

A dissertação se relaciona com o trabalho de três artistas que foram

escolhidas por terem em suas obras um caráter confessional independentemente

de assumirem o termo autobiografia em suas poéticas. Elas são Louise

Bourgeois, Tracey Emin e Woonsook Kim.

As análises biográficas, os próprios textos das artistas relatando suas

vidas, são costurados com seus procedimentos técnicos e poéticos visto que aqui

arte e vida

seguem amalgamadas seja questionando, priorizando, negociando,

alimentando ou negando fatos que resultarão numa rede de possibilidades

interpretativas.

Através desta poética arte e vida abordo a linguagem do desenho que,

por seu poder de incompletude e instabilidade, aproximou-me da poética

autobiográfica. Desenhar é um ato de intimidade. Através de anotações e

registros, o desenho traz a marca do dinamismo, segue o fluxo da vida. Relaciono

o potencial narrativo que o desenho me oferece aos desenhos das artistas

escolhidas, bem como o uso de textos em suas obras, formando uma linguagem

híbrida nesta combinação texto e imagem.

É a soma deste fazer cotidiano que torna o todo relevante. O desenho

indagando formas de arquivamento da memória. O volume de papéis

A expressão “memória coletiva” faz referência a Assmann Jan. Collective Memory and Cultural

Identity New German Critique, no 65, Cultural History/Cultural Studies - Spring – Summer, 1995.

p. 126.

O rompimento dos limites entre arte e vida foi uma atitude tomada pelo grupo Fluxus no início

dos anos sessenta. Utilizando-se de várias formas de arte, este grupo priorizava o processo ao

produto. Seu próprio nome denota seus objetivos em “escoar”, “fluir” experimentações que não se

limitavam ao objeto final, mas à atitude e presença de artista.

obsessivamente trabalhados como diários não cronológicos buscando justamente

em sua aparente incoerência temporal, a fragilidade das lembranças como seu

grande poder de reconstrução e resistência à ordem de uma memória coletiva.

O caráter confidencial de uma escrita de si

é arrombado,

abandonando seu aspecto de relato secreto dirigindo-se ao caminho oposto, que

torna uma soma de intimidades um grande e rico panorama de estudos da

coletividade. Portanto, aqui não há constrangimentos em relatos na primeira

pessoa, por certo eles são alicerçadores desta pesquisa.

Expressão utilizada por Foucault em: FOUCAULT, Michel. A Escrita de Si. In: Ditos e Escritos V,

p. 3-23. Rio de Janeiro: Forense Universitária, 2006.

I - A POÉTICA AUTOBIOGRÁFICA.

Origem da pesquisa

O texto que apresento teve origem através da leitura do livro Joseph

Beuys de Alain Borer

quando o autor, tecendo um comentário sobre a construção

da “lenda Beuys”, argumenta sobre se os fatos de sua biografia são “verdadeiros”

ou “falsos” conclui que “a lenda tem o status temporário de verdade ou assume o

seu lugar; mas a lenda de Joseph Beuys deve ser tomada aqui por seu “efeito de

verdade’, indispensável a qualquer análise de sua obra, e como tal deve ser

louvada: ela é assim, “verdadeira”, da mesma forma que uma sociedade tradicional

admite a escolha daquele que se declara xamã”. Seguidamente o autor apresenta

um texto da primeira biografia de Beuys escrita pelo próprio artista em parceria

com Heiner Stachelhaus, na qual Beuys, a favor da criação da lenda, muda seu

local de nascimento.

Este ponto me chamou a atenção, pois Beuys põe a história de sua vida

a serviço desta arte ampliada. E, se para isso seja necessário reorganizá-la, recriá-

la cuidadosamente, ele o faz construindo e afirmando uma identidade.

Convém recordar o fato narrado por Beuys de sua experiência num

acidente aéreo sem pára-quedas sobre a Criméia como piloto alemão na Segunda

Guerra Mundial, em que ele é resgatado por nômades Tartãs que besuntam seu

corpo com gordura e o envolvem com feltro aquecendo-o e salvando sua vida. Este

fato, com sua materialidade simbólica e da aproximação do artista com a natureza,

passa a ser referência em seu trabalho.

BORER, Alain. Joseph Beuys. São Paulo: Cosac & Naif Edições, 2001, p. 12.

Os materiais refletem suas crenças e suas experiências vitais.

Poderíamos até chamá-los de materiais autobiográficos. Desde seu próprio cheiro

até papéis não comerciais, como guardanapos e jornais, os materiais passam pela

vida cotidiana, e não somente artística. Nas mãos de Beuys a crueza destes ganha

um valor ritualístico de retransmissão ao receptor; ele os decifra.

Borer compara a lenda Beuys a um xamã, um curador, um feiticeiro.

Aquele que é. O papel de guru foi cultivado pelo artista, tanto que sua obra, após

sua morte, tem sido vista mais como relicário do que arte.

Mas para Marco do

Valle:

Beuys não vive o caminho da fé porque no caminho

da fé, antes de tudo, eu acredito e sigo pela vida acreditando,

ou seja, é o fato de acreditar que valida o caminho. Beuys não

segue uma verdade, ele procura a verdade. Ele não é

verdadeiro, ele procura ser verdadeiro. Como sujeito e artista,

é um construtor de seu percurso, como se pudesse descobrir e

ensinar ao mesmo tempo enquanto vive. Não é um xamã, mas

se utiliza rituais simbólicos e perfomáticos no que é mais uma

apresentação do que uma representação. Beuys é menos ator

e mais atuador de si (Valle, 2008, entrevista)

Na colocação de Marco do Valle Beuys é um homem que pensa e atua

na construção de sua vida e, se sua história de vida é aceita como verdadeira será

mais por seu caráter fabuloso, do que por seu caráter divino.

A arte como redentora política da vida. Os desejos de Beuys com a

arte iam muito além da estética. Sua obra era a obra em ação. Ela exigia sua

presença, sua fala e a presença do outro. Para desenvolver esta comunicação

direta com o público, Beuys desenvolve uma pedagogia que resulta de sua

Entrevista dada pelo Prof. Dr. Marco Antonio Alves do Valle, em 09. 06.2008.

aproximação com o filósofo Rudolf Steiner, criador da Antroposofia, que em

grego quer dizer “conhecimento do ser humano”, uma visão holística do homem.

Esta doutrina vê a possibilidade de compreensão do homem nos seus

aspectos físico (biológico), anímico (psíquico) e espiritual no desenvolvimento

dos setênios, antiga concepção grega na qual a vida humana é dividida em

períodos de sete anos que Steiner aplica na pedagogia.

Para Steiner a verdadeira cura, a transformação do mal em bem,

dependerá da capacidade da verdadeira arte de fornecer às almas e corações

humanos um caminho espiritual.

1. Rudolf Steiner

O Reinode Angeloi 3, 1924

Pastel s/ papel preto

93 x 146 cm

Coleção de Rudolf Steiner,

Suíça

Beuys não fica somente impressionado com os textos criados por

Steiner, mas especialmente na sua forma didática em apresentar suas falas. Ele

usava uma lousa como suporte e, através de desenhos e esquemas, elucidava

seus pensamentos e falas sobre sua obra que buscava a transformação do

sujeito.

2. Performance de Joseph Beuys, 1978. 3. Performance de Joseph Beuys, 1978.

Deste forte impacto surgem trabalhos que foram expostos

recentemente na Austrália (2007) numa exposição intitulada Joseph Beuys &

Rudolf Steiner: Imaginação, Inspiração, Intuição na National Gallery of Victoria.

A exposição reúne trabalhos feitos a carvão sobre quadro-negro para

comunicar idéias ou mensagens transformadoras ao público. “Os desenhos de

Steiner são de 1920 para ilustrar suas leituras ao público, enquanto Beuys

adaptou o formato como um importante elemento em suas performances e

interações com as audiências a partir dos anos sessenta”.

Borer aproxima os quadros negros de Beuys “às Black Paintings de Ad

Reinhardt (de década de 60) ou ao Quadrado negro sobre fundo branco de

Malevitch (1915), como se começando do zero, Beuys estivesse voltando aos

limites extremos da pintura – o monocromo”.

Mas logo em seguida ele reforça o

caráter didático deste trabalho de Beuys que, através desta “pedagogia criativa”

apresenta-nos sua grande paixão em ser um mestre.

NATIONAL Gallery of Vitória. Joseph Beuys & Rudolf Steiner, Imagination,

Inspiration, Intuition. Austrália, 26 out. 2007. Disponível em: <

http://www.ngv.vic.org.au/beuysandsteiner/ >

BORER, Alain. Joseph Beuys. São Paulo: Cosac & Naif Edições, 2001, p. 13.

“Ser um professor é meu grande trabalho de arte”.

Neste ato sua voz

e seu corpo comunicam sua arte. Estes quadros negros apresentam-se agora

para nós como um diário gráfico, registros de pensamentos e trocas feitos em

tempo real com a audiência. Este tipo de desenho anotativo ecoa atualmente nos

desenhos contemporâneos criando uma linguagem híbrida de imagem e texto,

como nos trabalhos do artista londrino Simon Evans que participou da 27

Bienal

Internacional de São Paulo. Como foi escritor antes de se dedicar às artes

visuais, o artista faz referência à literatura através de seus desenhos e colagens

com materiais do dia-a-dia. Com irreverente senso de humor “seus trabalhos

fazem comentários sobre relacionamentos pessoais, saúde, carreira,

ansiedades”.

____

4. Simon Evans

Diagrama de uma interação com um corpo diferente, inquietação amarela, 2004.

Corretivo, nanquim e fita adesiva s/ papel

27.3 x 41.3 cm

SHARP, Willoughby. Beuys in Conversation with Willoughby Sharp. Artforum, 1969, no 4, p. 44.

SÃO PAULO, 27a Bienal Internacional de. Simon Evans. São Paulo, 2006. Disponível em:

<http://diversao.uol.com.br/27bienal/artistas/simon_evans.jhtm

Na obra Beuys a repetição de temas e materiais acaba por criar um

sistema simbólico de valor ritualístico de retransmissão ao receptor.

O antropólogo Aldo Natale Terrin (Terrin, 2004, p.12) diz que o rito

constitui o “verdadeiro ordenador da experiência do sentido”

e propõe uma

ampliação de seu significado em assumir diferentes leituras, entre elas, as das

performances do pós-moderno. Ele recorre ao conceito de performance dizendo

que a experiência ritualística se dá primeiramente através do corpo. A

possibilidade de se expressar inteiramente abre caminho para uma visão

holística que é também um desejo da pós-modernidade.

Em tempos de fragmentação a repetição simbólica cria um certo

ordenamento, um sistema organizado de sensações tão abstratas quanto

caóticas. A criação de um ritual, de performances cotidianas, de outras

realidades, tanto no que diz respeito ao objeto estético criado quanto ao uso do

próprio corpo do artista metamorfoseado, tem sido uma opção para localizar a

existência e produção da obra e do artista.

Esta leitura desdobrou-se em algumas perguntas tais como: como se

conceitua a autoria numa sociedade em que o sujeito está em crise? Quais as

relações entre a escrita de si e a pós-modernidade? Quando este sujeito é o

narrador de sua própria obra? Quais os limites entre realidade e ficção nas

poéticas autobiográficas? Qual o paralelo do “boom” de performances com as

poéticas autobiográficas na arte pós-moderna?

Não sei quantas almas tenho.

Cada momento mudei.

Continuamente me estranho.

Nunca me vi nem acabei.

De tanto ser, só tenho alma.

Quem tem alma não tem calma.

Quem vê é só o que vê,

Quem sente não é quem é,

Atento ao que sou e vejo,

Torno-me eles e não eu.

Cada meu sonho ou desejo

É do que nasce e não meu.

Sou minha própria paisagem;

Assisto à minha passagem

Diverso, móbil e só,

Não sei sentir-me onde estou.

Por isso, alheio, vou lendo

Como páginas, meu ser.

O que segue não prevendo,

O que passou a esquecer.

Noto à margem do que li

O que julguei que senti.

Releio e digo : "Fui eu ?"

Deus sabe, porque o escreveu

Fernando Pessoa

A Autoria na escrita de si.

O artista na modernidade rompe com padrões estabelecidos rumo a

uma pesquisa individual independente de regras e temas impostos por um único

estilo.

Gombrich (Gombrich, 1999, p.364) já aponta um rompimento na obra

de Parmigianino, Madona do colo longo (1534-40) onde o autor, contrariando

todas as regras renascentistas, “alongou as proporções do corpo humano de um

modo estranhamente caprichoso”, deixando claro que esta foi uma escolha e não

um “efeito por ignorância ou indiferença” (Gombrich, 1999, p.366). Esse

descontentamento com o padrão faz com que o artista percorra outros caminhos

solitariamente. Esta atitude amplia consideravelmente as possibilidades técnicas

de cada linguagem tanto quanto deposita nas mãos do artista uma liberdade

onde “ele é seu único juiz (ou quase) sobre o quê e como fazer (...) O subjetivo é,

agora, senhor. O singular predomina sobre o coletivo e aspira a tornar-se

universal”.

A noção de autor neste contexto ganha importância porque o artista

deseja uma unidade de si com seu objeto criado. O foco está no sujeito e no

desenvolvimento de seus processos de individuação.

A modernidade, caracterizada como uma ordem

pós-tradicional, ao romper com as práticas e preceitos pré-

estabelecidos, enfatiza o cultivo das potencialidades

individuais, oferecendo ao indivíduo uma identidade "móvel",

mutável. É, nesse sentido, que, na modernidade, o "eu"

torna-se, cada vez mais, um projeto reflexivo, pois aonde

não existe mais a referência da tradição, descortina-se, para

o indivíduo, um mundo de diversidade, de possibilidades

abertas, de escolhas. O indivíduo passa a ser responsável

por si mesmo e o planejamento estratégico da vida assume

especial importância (Paralva Dias, 2005, vol.17).

Esta responsabilidade em enfrentar a construção de si gera

insegurança colocando a noção de identidade em crise na pós-modernidade.

Joel Birman

(Birman, 1999, p.172)

diz que a crise da filosofia do sujeito se

encontra no “purgatório”, no “limbo da história” como algo ultrapassado, a favor

do novo sujeito “fora-de-si”, totalmente exposto, iluminado. Estamos no auge do

corpo exibido, do excesso de luz que Jean Baudrillard (Braudrillard, 1990, p.51)

chamou de “A brancura operacional” onde ou o homem perdeu a própria sombra

ou se tornou transparente. Muita fonte de luz neutralizando a forma.

Neste panorama a escrita de si não se remeteria ao discurso da vida

de seu autor rumo ao encontro de sua identidade, mas apresentaria seus

deslocamentos contínuos, suas fugas constantes tornando-o um ser múltiplo e

transitório, e seria, na incompletude de seu discurso fractal e contaminado, que

se iniciaria uma constante negociação consigo mesmo. Como fica a questão da

autoria neste processo em que o resultado é uma colagem de subjetividades?

Em seu texto “O que é um autor?”

Foucault comenta, sobre o

apagamento deste autor. A autoria não estaria relacionada somente ao nome

próprio. “A função autor é característica do modo de existência, de circulação e

de funcionamento de alguns discursos no interior de uma sociedade” (Foucault,

2000, p.46). E é esta maneira com que o discurso é apropriado numa

determinada cultura que ganhará status de autoria. Neste espaço vazio entre a

diluição do autor e este conjunto de obras criado por ele, que representaria a

própria autoria, Foucault sugere uma atenção “as funções livres que esse

desaparecimento deixa a descoberto” (Foucault, 2000, p.41). Penso essas

FOUCAULT, Michel. O que é um autor? Lisboa: Vega,2000.

funções como a idéia que este autor faz de si, de sua existência e da existência

de sua obra.

Poderíamos até pensar neste espaço de desaparecimento do autor

nas artes visuais, visto que Foucault amplia seu conceito de autor para além do

autor de um texto, que a experiência do sujeito artista na contemporaneidade

pode estar nessa ausência, nesta névoa de realidades superpostas. O

apagamento do autor se transformaria no espaço de existência de um trabalho

autobiográfico contemporâneo ficcional.

Este texto foi apresentado por Foucault em 1959 e, segundo Teixeira

Coelho, ele:

Recusava noções clássicas utilizadas pela

história das idéias que assumiam a tese da autoria e que

incluíam, entre outras o postulado da unidade da obra e da

originalidade criadora. A procura de unidade de uma obra,

de sua coerência interna, seria uma violência imposta do

exterior ao texto (literário, cinematográfico, etc.) – em outras

palavras, uma camisa de força vestida sobre um texto, e

sobre quem o gerou, com um intuito redutor e manipulador

ou magnificante e prestidigitador (Coelho, 2005, p.148).

Romper com a noção clássica de autor seria uma forma de resistência

contra a captura em relacionar o artista diretamente a seu texto. Coelho

pergunta, surpreendido, como esta morte do autor tenha se sustentado por tanto

tempo. Para um sujeito pós-moderno fragmentado, transferir a autoria para os

processos de linguagem (“função-autor”) é tentador. Pollock com sua pintura de

ação, de dripping, mostra que “sem acaso, não há existência” (Argan, 1996,

p.532). Ele se mantém motivado num processo, não de projetos totalmente

controlados, mas no efeito inesperado que sua técnica proporcionava, como o

fluxo da vida. Este fluxo e este acaso ocorriam em sua vida, ou melhor, foi sua

vida que o levou a este processo. Para Coelho “o autor volta à cena” nas

primeiras décadas de noventa.

A viagem seguirá agora, (...) mais livre dos

pesadelos com a unidade e coerência da obra e do autor e

sobre todo o cenário se poderá voltar um olhar mais

abrangente e vagabundo, mais divertido. Mas de um modo

ou de outro, com a visão de linhas paralelas ou não, a

viagem continuará a ser feita no trilho da autoria (Coelho,

2005, p.158).

Certamente o conceito de autoria passa por transformações neste

período de hipertexto e “second life”, mas é justamente este questionamento,

este desconforto da descontinuidade e liberdade que motiva o artista

autobiográfico.

Etimologicamente, o termo autor “reúne as acepções grega e latina de

criador”, “autoridade” e “aumentar” (aquele que traz alguma coisa a mais),

formando um sistema semântico onde a autoridade do autor se apóia sobre sua

qualidade de originalidade, concluindo-se então, que aquele que copia não é

autor.” Sendo o autor um criador e não um copista, o “eu” autobiográfico pode se

permitir a jogar neste lugar “descoberto” com outras infinitas possibilidades de

“se ter sido”.

A obra As Confissões do filósofo iluminista Jean Jacques Rousseau de

1770 é considerada fundadora do gênero autobiográfico literário.

A grande inovação de Confissões é sua tentativa

de oferecer ao leitor um eu transparente através do qual

fosse possível enxergar os conflitos internos e as

verdadeiras motivações de seu protagonista. Rousseau, por

um lado, não tentava esconder seus segredos mais vis, mas

por outro lado deixava claro que sua intenção de sinceridade

absoluta é inatingível. Rousseau é marcado também por um

individualismo que hostiliza o mundo em que vive, repleto de

hipocrisias, mas ao mesmo tempo se mostra como um

homem comum, que erra e sofre como todos os demais (Puc

Rio, Certificação Digital No 0519850/CA).

Toda esta certeza da auto-imagem encontrada em Rousseau está bem

distante do que apresenta o escritor argentino Jorge Luis Borges em seu conto

Borges e eu de 1985, em que narrador e autor se confundem. O

autoquestionamento substitui a afirmação da auto-imagem. Não há respostas

nem formação identitária coerente. A transparência aqui se faz na intuição e na

incerteza como se a auto-imagem soubesse que a busca de seu lugar de

existência é utópica ou pertence a um não-lugar.

Ao outro, a Borges, é que acontecem as coisas.

Eu caminho por Buenos Aires e demoro-me, talvez já

mecanicamente, na contemplação do arco de um saguão

e da cancela; de Borges tenho notícias pelo correio e vejo

o seu nome num trio de professores ou num dicionário

biográfico. Agradam-me os relógios de areia, os mapas, a

tipografia do século XVIII, as etimologias, o sabor do café

e a prosa de Stevenson; o outro comunga dessas

preferências, mas de um modo vaidoso que as converte

em atributos de um ator. Seria exagerado afirmar que a

nossa relação é hostil; eu vivo, eu deixo-me viver, para

que Borges possa urdir a sua literatura, e essa literatura

justifica-me. Não me custa confessar que conseguiu

certas páginas válidas, mas essas páginas não me podem

salvar, talvez porque o bom já não seja de alguém, nem

sequer do outro, mas da linguagem ou da tradição.

Quanto ao mais, estou destinado a perder-me

definitivamente, e só algum instante de mim poderá

sobreviver no outro. Pouco a pouco vou-lhe cedendo tudo,

ainda que me conste o seu perverso hábito de falsificar e

magnificar. Espinosa entendeu que todas as coisas

querem perseverar no seu ser; a pedra eternamente quer

ser pedra, e o tigre um tigre. Eu hei-de ficar em Borges,

não em mim (se é que sou alguém), mas reconheço-me

menos nos seus livros do que em muitos outros ou no

laborioso toque de uma viola. Há anos tratei de me livrar

dele e passei das mitologias do arrabalde aos jogos com o

tempo e com o infinito, mas esses jogos agora são de

Borges e terei de imaginar outras coisas. Assim, a minha

vida é uma fuga e tudo perco, tudo é do esquecimento ou

do outro. Não sei qual dos dois escreve esta página

(Borges, 2000, p.).

Há limite entre o espaço da existência do homem, do artista e o

espaço da obra? A questão não é mais o espelho, o reflexo, mas essa mescla

de vozes internas criando infinitos ecos inomináveis. O que poderia causar um

imenso desconforto, em Borges soa resignação. Questiona a autenticidade deste

autor e narrador, mas não responde.

A produção cultural contemporânea sofre a perda dos especialistas, “já

que eles estão subordinados atualmente a multidisciplinaridade, ou à interface.

Cocchiarale (Cocchiarale, 2006, p.18) diz que a identidade não pode ser mais

comparada com uma planta com sua raiz por estar em rede, aberta à múltiplas

possibilidades.

Pensando a autobiografia aberta em rede e constantemente

contaminada, cairemos, inevitavelmente naquele limite entre ficção e realidade.

“Uma autobiografia não é quando alguém diz a

verdade sobre a sua vida, mas quando diz que a diz”.

Philippe Lejeune

Ficção e Realidade

A escritora espanhola Rosa Montero em seu livro A Louca da Casa

no qual combina fatos de sua vida pessoal a ficções, diz que o leitor pode

escolher entre aquilo em que deseja acreditar e aquilo em que não quer

acreditar, porque a vida imaginária é tão real quanto a real.

A partir dos anos setenta há um crescimento entre artistas visuais que

priorizam as poéticas autobiográficas. Essa expansão da narrativa em primeira

pessoa segue paralelamente à crise que gerou modificações profundas no

gênero autobiográfico literário. Para além de uma autobiografia tradicional que se

documenta numa fechada e determinada classe social e política, a crítica literária

dos anos cinqüenta do século XX amplia seu foco para os grupos minoritários

cujos trabalhos apontavam necessidades de mudanças sociais onde o

protagonista está inserido nas questões identitárias de seu tempo.

Estes grupos deixam rastros de comportamentos que nos

impressionam por não apresentarem ou reforçarem generalizações antes tão

confortáveis.

Evidentemente o artista sempre falou de si através de suas escolhas,

mas fazendo uma relação mais estreita entre autobiografia e pós-modernidade

podemos observar que a autobiografia tradicional literária tinha o compromisso

de contar a “verdade”, ser coerente e una. A crise do sujeito na pós-

modernidade, sua fragmentação e assumida pluralidade colocam o discurso da

“verdade” autobiográfica em crise. As possibilidades de auto-representação são

MONTERO, Rosa. A Louca da Casa. Rio de Janeiro: Ediouro, 2004

inúmeras. Não há reprodução de uma vida, mas um constante estado de

recriação desta, tornando o limite entre autobiografia e ficção quase indistinto.

5. Friedl Kubelka

Retrato do Primeiro Ano, 1972-1973

38 x 38 cm

Generali Foundation, Viena

O olhar agora pode

voltar-se ao doméstico. Este

mundo privado visto antes como

feminino, descontínuo e

puramente pessoal, permite que a

autobiografia se abra para outras

formas de expressão como as

artes plásticas.

A riqueza de conexões

possíveis da atualidade e a ida da

arte para o espaço da vida nos

abrem infinitos desdobramentos

poéticos.

A fotógrafa inglesa

Friedl Kubelka tira fotos de si

mesma por todo ano de 1972 num

processo que vem sendo repetido

a cada cinco anos. Neste ato

ritualístico ela questiona sua

própria identidade através do

tempo. Kubelka altera poses

incansavelmente construindo um

arquivo pessoal e uma

autobiografia visual.

6. Friedl Kubelka

Da Série 6, 1997-1998

38,5 x 52 cm

7. Friedl Kubelka

Retrato de Louise-Anna Kubelka

Um ano, 1972

50 x 63 cm

8. Friedl Kubelka

Retrato de Louise-Anna Kubelka

Onze anos,1972

50 x 63 cm

Antigamente as vitrines dos fotógrafos surtiam grande curiosidade nas

pessoas que caminhavam pelas ruas. Eram expostas festas de casamento,

cerimônias de batizados, noivados e registros dos familiares em toda sorte de

situação. Apesar destes momentos aparentemente serem de foro íntimo, a

exposição ocorria com orgulho, e funcionava como um encontro social, sem

contato físico, só imagem. Estas vitrines já estimularam sonhos, recriação de

enredos, cobiça e muitas emoções tanto quanto o número de suas imagens.

O trabalho de Kubelka apresentado didaticamente como um

arquivamento de vidas, nos retira este olhar do voyeur substituindo-o pelo olhar

do pesquisador diante de um registro obsessivo do tempo, o qual agregará um

novo significado. O trabalho fala de saturação, a repetição como estratégia, um

meio de criação. A reflexão se faz no ato desta disciplina em reafirmar uma

existência.

Este projeto da artista se estendeu num formato semanal com fotos de

sua filha e de sua mãe. Em 1998 ela completa o trabalho de sua filha Louise Anna

do nascimento até a idade adulta (dezoito anos).

Kubelka cria uma estrutura do tempo com este grande volume de fotos,

porém a artista diz que esta estrutura dá a forma para a informação mais que

enfatizar sua autenticidade. A fotografia questiona este registro físico e formal do

tempo mostrando que sua aparência não dá conta de autenticar uma vida. Com

isto a artista questiona a veracidade de seu trabalho autobiográfico tencionando e

ampliando as relações destas mulheres em constante transformação. O assunto

não é mais sobre esta família de mulheres, mas sobre a mulher e seu documento,

o documento e a “verdade”, a imagem e o tempo, o tempo e a lembrança de se ter

sido.

Relacionar o tempo com a própria vida e com o uso do próprio corpo

tem sido um tema freqüente na arte contemporânea. O artista francês Roman

Opalka decide em 1965 iniciar um processo de contagem do um ao infinito através

da pintura.

Ele pinta uma seqüência de números para representar a passagem do

tempo. Ele já passou mais que a metade de sua vida neste processo que só

terminará com sua morte. As telas são sempre do mesmo formato variando

apenas o tom de cinza que cobre o fundo o qual ele iniciou com um tom mais

baixo que vem clareando com 1% de branco a cada mudança de tela. Ele grava

sua voz contando os números e ao final se fotografa em frente da tela. Tanto sua

tela quanto sua própria imagem vão embranquecendo com o tempo,

apresentando a vida como um esfumato.

9. Roman Opalka

Dos anos setenta aos noventa

Cinza é preto e branco.

Cinza expressa a unidade entre movimento e cores.

Cinza exclui dualismos e faz com que o todo se manifeste.

Cinza é universal.

Carrega todas as cores e a imagem do espectro de cores em movimento.

Mas cinza é neutro: eu o preencho com o

conteúdo da minha vida.

Cinza não é uma cor simbólica, tem se

tornado pra mim a cor do movimento

invisível.

Contra esse fundo cinza está minha vida: o

oposto das cores frias e indiferentes.

É a cor do meu sacrifício pictórico,

demonstrando o conceito que se desdobra,

seu movimento e tempo.

Nos pólos opostos, nos limites extremos,

do preto no primeiro quadro ao branco

sobre branco existe o “sfumato” da

existência: cores podem se tornar

mortalmente emocionais.

O esfumato criado nas telas de Opalka, chamado por ele de “esfumato

da existência”, acompanha o passar do tempo de sua vida. Este tempo é

relacionado com a elevação do tom do cinza. A cor anunciando o fim de uma vida,

gradativa e lentamente, com apenas 1% de clareamento a cada tela. O registro do

seu “sacrifício pictórico” é feito com suas fotos diante das telas onde sua imagem,

inicialmente contrastando com o fundo, vai se dissolvendo com o

embranquecimento de ambos. A perda do drama da luz e sombra, a perda de seu

volume, a perda do espaço entre o objeto criado e seu criador contrasta com os

últimos trabalhos em que ambos se confundem com a fluidez de seus limites.

10. Roman Opalka 11. Roman Opalka

Opalka pintando um dos primeiros Detalhes Detalhe, 1965

Sobre este processo de apagamento na modernidade, Marco do Valle

diz:

Podemos observar que os processos de

apagamento estão direta ou indiretamente envolvidos em

proporcionar estes questionamentos específicos sobre nossa

visão, dissolvendo-a e denunciando sua fragilidade (Valle,

1991, p.141).

Neste momento Marco do Valle está se referindo aos processos de

apagamento na modernidade, mas que aqui, num trabalho contemporâneo, a

dissolução da imagem do artista com o fundo da tela, faz referência à fragilidade

da vida.

Porém, sobre o “limite entre o moderno e o contemporâneo” no

processo de apagamento, Marco do Valle coloca:

Alguns trabalhos contemporâneos ao se debaterem

com processos de apagamento modernos produziram uma

reflexão sobre estes processos quando de sua utilização e

estabeleceram suas diferenças com este, separando pela

reflexão a negatividade dos trabalhos modernos (Valle, 1991,

p.163).

Em Opalka não há negação de si em relação à transformação física

do tempo, ao contrário, seu trabalho abre reflexões sobre o inevitável. Ele nos

apresenta o que todos nós sabemos, e, a nós cabe a perplexidade ou a

resignação.

Com a saída da arte do sistema institucionalizado dos museus para o

espaço público nos anos 50 surge a arte integrativa da performance.

Apesar de usar seu próprio corpo, o performer não representa a si

mesmo. Segundo Renato Cohen a performance se aproxima daqueles trabalhos

que se relacionam diretamente com a vida, a arte vida. Sendo seu ato natural, sua

relação com a ambiência não se dá nos lugares onde sua apresentação exigiria

um processo de rigoroso preparo, mas em lugares antes impensáveis para uma

apresentação artística. A performance deposita a importância da obra no

processo criativo.

Em 1972 a fotógrafa americana Eleanor Antin apresenta o trabalho

Entalhe: uma tradição escultórica. Ela faz uma dieta de 37 dias e registra este

processo de seu corpo tirando 148 fotos. Antin questiona o modelo de aprovação

social do corpo feminino.

12. Eleanor Antin

Entalhe: uma tradição escultórica, 1972

Fotografia

13. Eleanor Antin

Pocahontas da série Minha vida com

Diaghlev 1919-1929, 1977-1978

Fotografia, 27.5 x 20 cm

Ronald Feldman Fine Arts, New York

14- Eleanor Antin

Retrato do Rei, 1972

Fotografia 32.5 x 22.5 cm

Ronald Feldman Fine Arts, New York

Demonstrando ser um camaleão

cultural, Antin assume diversas personas

em suas performances, fotografias,

vídeos e instalações nos anos 70. Estes

personagens comentavam o imaginário

feminino e masculino. Da famosa

bailarina esquecida pela história Elianora

Antinova à figura masculina poderosa O

Rei, Antin trabalhava detalhadamente

cada persona desenvolvendo suas

necessidades físicas, emocionais e

documentais, pois também escrevia suas

biografias.

Interpretar para ela era “como se

sentisse que não tivesse um self. E não que

o houvesse perdido como uma pessoa

patética sem um self. Eu o emprestava de

outras pessoas ou as inventava. E é algo

que continuo fazendo sempre que começo a

trabalhar com personas porque foi um jeito

bom de lidar com temas como política e

sociedade que interessavam a mim. E

também por um interesse intelectual

particular que eu tinha, como o teatro e a

auto-representação”.

Antin também cria memórias

históricas fictícias. Ela diz que sempre

sonhava, quando criança, em ser como as

grandes personalidades, admirava os heróis, a vitória e o poder. Ela sentia inveja

do passado e pensava: “Como isto ousou existir sem mim?”

Em 2001 criou uma seqüência fotográfica com o título “Os Últimos Dias

de Pompéia” onde demonstra sua paixão pelo passado.

Após uma longa pesquisa sobre o tema, a série de fotografias retrata

cenas possíveis um dia antes da tragédia da erupção. São cenas teatrais onde a

artista coloca-se agora atrás da máquina fotográfica recriando cenários ricos em

referências à mitologia e história da arte.

15. Eleanor Antin

O banquete – O ultimo dia de Pompéia, 2001

Fotografia

87.5 x 145 cm

Ronald Feldman Fine Arts, New York

As cenas demonstram uma vida mergulhada no prazer, idealizada. São

imagens com cores vibrantes que pulsam com a representação de uma sociedade

hedonista muito distante do que está por vir. A artista fala que esta representação

teatral diz muito sobre seu pensamento a respeito de nossa sociedade atual.

Estranhamente após apenas alguns dias dela ter finalizado esta série,

ocorre a tragédia com as Torres Gêmeas em Nova Iorque. A relação entre os

Estados Unidos e Roma fica implícita neste trabalho. Ambas como uma grande

potência colonialista.

16. Eleanor Antin

O Último dia, 2001

Fotografia

150 x 120 cm

17. Eleanor Antin

O estúdio do artista,2001

Fotografia

115 x 145 cm

18. Eleanor Antin

O Banquete, 2001

Fotografia

121,9 x 203,2 cm

O uso da narrativa ficcional no trabalho de Eleanor Antin promove

rituais. Suas personas ganham vida em seu corpo e em seu texto que as autentica

originando, neste embate entre ficção e realidade, o que Wolfang Iser chamou de

relação triádica.

Como o texto ficcional contém elementos do real,

sem que se esgote na descrição deste real, então o seu

componente fictício não tem o caráter de uma finalidade em si

mesma, mas é, enquanto fingida, a preparação de um

imaginário (...) Decorre daí que a relação triádica do real com

o fictício e o imaginário apresenta uma propriedade

fundamental do texto ficcional. Ao mesmo tempo, fica claro o

que caracteriza o ato de fingir e, assim, o fictício do texto

ficcional. Quando a realidade repetida no fingir se transforma

em signo, ocorre forçosamente uma transgressão de sua

determinação correspondente. O ato de fingir é, portanto,

uma transgressão de limites. Nisso se expressa sua aliança

com o imaginário ( Lima, 1983, p.386).

Podemos pensar assim que uso poético da ficção oferece uma forma de

resistência aos padrões de qualquer gênero, tendo como cúmplice o imaginário

que “permite que tal acontecimento seja experimentado”. Comportando-se assim

como uma “transgressão de limites” que rompe com a “oposição entre ficção e

realidade”.

Antin tem o início de seu trabalho marcado pela formação do WAR

(Artistas Mulheres em Revolução) em 1969, que seria o grande detonador da

presença de mulheres em performances de caráter social e político. A artista

afirmou a respeito destes alter egos que “as usuais referências para a

autodefinição – sexo, idade, talento, tempo e espaço – são apenas limitações

tirânicas à minha liberdade de escolha” (Archer, 2001, p.137) Este deslocamento

de identidades procura escapar da subordinação e opressão. A filósofa

deleuzeana Rosi Braidotti propõe a figura dos sujeitos nômades como forma de

resistência à noção de identidade. A identidade de um nômade é um mapa de

subjetividades.

O narrador e o leitor

O narrador transmite experiências dos antepassados, não como

dono da verdade, mas incorpora sua própria experiência modificando a

narrativa. A entrega do narrador e do ouvinte é fundamental para que ocorra a

transmissão e, conseqüentemente, lhe dê crédito, conservando-a na memória.

De acordo com Nietzsche, enquanto o mundo

geneticamente programado dos animais garante a

sobrevivência da espécie, os humanos precisam encontrar

um significado para manter sua natureza consistente através

das gerações. A solução para este problema é oferecida pela

memória cultural (Assmann, 1995 , p.126).

Num momento de grandes velocidades e avanços tecnológicos o

cultivo desta memória poderia ficar comprometido. Mas o que se apresenta no

panorama artístico é justamente o oposto. Márcio Seligmann Silva (Silva, 2002,

p.101) diz que não podemos nos esquecer que “essa cultura da memória nasce

da resistência ao esquecimento “oficial” e a uma cultura da amnésia, do

apagamento do passado, que caracteriza nossa sociedade globalizada pós-

industrial”.

Com forte caráter histórico e político, a arte e memória cultiva, dentro

de um leque de qualidades, a sobrevivência da narrativa. Sobre a

sobrevivência da narrativa Benjamin declara que:

Narrar histórias é sempre a arte de as continuar

contando, e esta se perde quando as histórias já não são

mais retidas. Perde-se porque já não se tece e fia enquanto

elas são escutadas. Quanto mais esquecido de si mesmo

está quem escuta, tanto mais fundo se grava nele a coisa

escutada. No momento em que o ritmo do trabalho o

capturou, ele escuta as histórias de tal maneira que o dom de

narrar lhe advém espontaneamente. Assim, portanto, está

constituída a rede em que se assenta o dom de narrar. Hoje

em dia ela se desfaz em todas as extremidades, depois de ter

sido atada há milênios no âmbito das mais antigas formas de

trabalho artesanal (Benjamin, 1969, p.62).

Benjamin compara o narrador a um artesão que grava seu modo de

narrar contando a história através de suas experiências, contaminando com

sua versão pessoal o fato narrado que se desdobrará na interpretação do

ouvinte atento.

Algo envolve o leitor de Chardin: é o silêncio.

Chardin é um virtuoso do silêncio. Ele faz do silêncio uma

presença quase táctil, algo que se manifesta inequivocamente

pela qualidade da luz, pela textura da composição. (...) Uma

leitura genuína requer silêncio. A leitura, como Chardin a

representa, é um ato silencioso e solitário. Trata-se de um

silêncio vibrante de emoção e de uma solidão abarrotada de

vida. Mas a pesada cortina separa o leitor do resto do mundo

— do que é mundano ( Steiner ,2001, p. ).

George Steiner analisa o leitor a

partir de uma obra do pintor barroco

francês Chardin, Lê Philosophe Lisant,

de 1734. A leitura se faz na

cumplicidade do silêncio entre obra e

leitor. Gostaria de retornar à questão de

Foucault sobre a diluição do autor que

cria com seu desaparecimento,

lacunas, espaços a serem investigados.

Este imprescindível silêncio entre

obra e autor, obra e apreciador, vejo

como o lugar onde os envolvidos

tecerão a existência da obra.

19. Jean-Baptiste-Siméon Chardin

O Filósofo lendo, 1734

Óleo s/ tela

O apreciador cultivará, como um leitor,

a possibilidade de transpor sua

vida a outras. O tempo de permanência neste “lugar” dependerá da intensidade

estabelecida e na rede de seus desdobramentos. Já na relação autor e obra, esta

lacuna, que poderia soar como um eco eterno, vem apresentada em ruídos, vozes

que exigem uma atenção poliglota. Possibilitando a criação de enredos

“preenchendo” momentaneamente aquela lacuna. É quase uma redenção.

Ameniza a desconfortável sensação de estar só.

Para a crítica literária Nora Catelli:

O espaço autobiográfico seria equivalente à

câmara de ar que se forma entre o rosto e a máscara: não

existiria completamente neste “eu” que narra sua história, nem

na moldura que usa para narrá-la. A máscara que cobre o

rosto estaria submetida a um regime de não correspondência,

pois não mantém uma relação de semelhança com o que está

oculto. A partir deste vazio deformado impõe-se a ordem do

relato que, no máximo, só mantém com a realidade vivida uma

presunção de semelhança ou analogia (Catelli, 1991, p.17).

A metáfora da “câmara de ar” de Nora Catelli encontra eco na história

da arte na dissertação de mestrado de Marco do Valle, onde o autor analisa o

ready-made de Marcel Duchamp: “Capa de máquina de escrever” (1916, ed.

1964).

O Ready-made de Marcel Duchamp é composto por

uma “Capa de máquina de escrever em couro” própria para

revestir uma máquina de marca “Underwood” de tal forma que

ao cobri-la teria todo seu volume preenchido pela sua forma

de “paralelepípido”. Porem, Marcel Duchamp utiliza apenas a

capa, que apesar de possuir um desenho apropriado para

cobrir o volume da máquina de escrever, sozinha, não teria

nem forma nem volume fixos (...) Existe no trabalho um

ocultamento da estrutura interior, porém, esta só produz o

volume na interação com a estrutura da própria capa

costurada em forma de paralelepípedo e pela ação da

gravidade sobre esta. Portanto, não temos um volume anterior

que pudesse ter sido apagado pela capa e sim uma

interdependência interativa entre estrutura interior a capa para

produzir o volume (Valle, 1991, ps. 145 e 146).

Podemos comparar esta “estrutura interior” (máquina de escrever) e sua

relação de “interdependência interativa” com a capa, com o rosto, sua máscara e

a câmera de ar. Elas podem manter uma relação de interdependência, porém, não

de semelhança. O que permite uma rica experiência nessas trocas ocorridas neste

espaço “vazio” entre o externo e interno. Nesta lacuna estaria o atrito para

impulsionar processos de criação.

A narrativa da própria vida relaciona a memória com a “verdade”. Há um

processo de coleta e arquivamento desta memória que seleciona, organiza e

arranja esses dados.

A grande qualidade de uma narrativa autobiográfica é a de nos

transformar em voyeur do narrador/sujeito. Dando-nos a impressão de estarmos

diante da apresentação de uma vida real. Como num jogo somos atraídos por sua

versão, e nossa leitura lhe atribui várias versões.

Há artistas plásticos contemporâneos que, na busca de ordenamento

da memória cultural, apresentam seu trabalho em forma de arquivo, livraria. Mas

há artistas que colocam em cheque a segurança desta memória. Na instalação:

“Na cara do silêncio”, a artista Sigrid Sigurdsson apresenta uma série de

prateleiras com 72 escaninhos onde ela, inicialmente, depositou coleções de todo

tipo de materiais e documentos próprios, cartas, fotos, cartões postais, mapas,

etc, arranjados em textos ou desenhos organizados em livros e balcões de vidro.

Após quatro anos da fase de compilação (1989-1993), a instalação conta com 380

compartimentos, com cerca de 30.000 documentos, desenhos e objetos que são

usados pelos visitantes, que podem depositá-los em mesas, examiná-los e

recolocá-los em qualquer compartimento. Esta interatividade interfere no

ordenamento da memória, no saber arquivado.

O trabalho autobiográfico não oferece segurança neste ordenamento de

suas memórias, pois a escrita do “eu” perpassa a escrita de uma memória

coletiva. Portanto a presença do espectador (leitor) é essencial para que a obra

ocorra. Sem esta cumplicidade, todo este material simbólico apresentado por

Sigurdsson ganharia status de “verdade”.

A impossibilidade de uma coerência nos estudos das narrativas

autobiográficas pode ser o fator de escolha deste processo poético.

20. Sigrid Sigurdsson

Na cara do silêncio, 1989 -1993

Instalação

21. Márcia Porto

Série poços rasos, 2006

nanquim s/ papel

10 x 15 cm

Lembro-me muito bem de não ter planos.

Valia o

dia vivido lentamente.

Uma longa existência era certa e

segura.

A menina com babados e sua estranheza

com sua

própria voz naquele corpo,

escondia-se ao toque da

campainha.

Era preciso acreditar de imediato nas vozes.

Toda

aquela gritaria deveria ter uma razão de ser.

Celeste

Freqüentemente me pergunto, para ver, quem

sou eu – e quem sou eu no momento em que, surpreendido

nu, em silêncio, pelo olhar de um animal, por exemplo, pelos

olhos de um gato, tenho dificuldade, sim, dificuldade de

vencer um incômodo.

Jacques Derrida

22. Márcia Porto

Série as gêmeas, 2000

nanquim s/ papel

25 x 35 cm

DERRIDA, Jacques. O animal que logo sou. Trad. Maria Beatriz M. N.da Silva. São Paulo:

Perspectiva, 2002.

II ARTISTAS AUTOBIOGRÁFICOS CONTEMPORÂNEOS

Escolhas

A grande qualidade da memória é sua capacidade de reconstrução.

Quando perguntamos aos pais fatos ocorridos em nossa infância, muitas vezes não

nos identificamos com aquele personagem narrado. Essa falta de correspondência

sempre me inquietou rendendo dúvidas sobre a existência de certos momentos

vividos que vinham à mente como um vácuo.

Esta sensação não nos abandona após a infância. Já adulta comecei a

ter dúvida do objeto da minha saudade. Ela era enorme e ocupava o lugar mais

especial para mim, meu trabalho como artista. Era saudade de um espaço, de um

silêncio, de experiências de vidas que não a minha.

Esta memória nunca foi clara, muito menos linear. Percebi que ela vinha

acompanhada de outras histórias mescladas com as minhas, de coisas que ouvi,

li, imaginei. Um trabalho feito a partir das colagens de minhas partes com a de

outras mulheres.

Num certo momento fui tomada por um desconforto por realizar um

trabalho que estava intimamente ligado à minha própria vida, ou a idéia desta, e a

dúvida da veracidade desta memória visto que sempre se apresentava contaminada

pelas experiências alheias.

Após o contato com o livro de Alan Borer sobre a obra de Joseph Beuys,

comecei a pesquisar artistas que continham um tom confessional e lançavam mão

da metalingüística em sua poética, usassem o desenho como linguagem narrativa

e, fundamentalmente, fossem referências ao meu trabalho como artista.

As três artistas escolhidas são Louise Bourgeois, Tracey Emin e Wonsook

Kim. Os trabalhos e as três frases que se seguem pertencem a cada uma

respectivamente.

“Minha infância jamais perdeu sua magia, jamais

perdeu seu mistério e jamais perdeu seu drama”.

Louise Bourgeois

23. Louise Bourgeois

A criança tecida (detalhe), 2002

Tecido, madeira, vidro e aço

175 x 87.5 x 52.5 cm

Worcester Art Museum

“Não posso continuar a viver com todas as coisas

que tenho em mim”.

Tracey Emin

24. Tracey Emin

Eu consegui isso tudo, 2000

Performance

“Minha arte é sempre sobre a vida e sobre a

importância das experiências vividas”.

Wonsook Kim

25. Wonsook Kim

Moça Rio, 2001

Acrílico s/ tela, 1997

120 x 150 cm

Uma grande força expressiva une as três frases destas artistas. Seus

depoimentos professam a importância da lembrança na vida e, como veremos

adiante, em seus processos poéticos.

Bourgeois fala da vida do passado que se mantém latente no presente.

Para Emin narrar não é uma opção, mas uma necessidade. Kim fala de

experiências vividas, da poesia do cotidiano. Todas apresentam uma narrativa em

primeira pessoa em seus trabalhos e para realizá-los se voltarão à memória. Mas

o ponto de partida aqui é o que Sheila Dias Maciel fala sobre o gênero

confessional na literatura:

Muitos teóricos se perguntam se há realmente um

traço formal que separe a narração de acontecimentos

verificáveis da narração produzida pelo imaginário. Ninguém

nega, no entanto, que, tanto os gêneros confessionais,

quanto as outras formas literárias sejam duas maneiras

expressivas de se contar a experiência humana. Além disso,

existem diversas obras dentro do universo confessional que

são puramente ficcionais e se utilizam da forma

autobiográfica como um recurso a mais dentro da aventura

da linguagem ( Maciel, 2004, p. 2).

paralelo com as artes visuais, nos deparamos com artistas

onfessionais que, necessariamente não utilizam o termo autobiografia quando

lam de seu trabalho, e outros que não só o adotam, mas colocam em dúvida sua

eracidade colando estórias do imaginário pelas possibilidades transgressoras que

este lugar

autobiográfica, os dados biográficos bem

omo textos escritos pelas próprias artistas serão apresentados e relacionados

simultaneamente aos dados históricos e poéticos, pois separá-los seria incoerente

Fazendo um

oferece.

Por se tratar de uma poética

com a co

A artista francesa Louise Bourgeois nasceu em 1911 e começou a

trabalhar como artista

da arte Robert Goldw

contato com a cena

movimento.

Park, Seattle

nstrução deste processo criativo onde não há limites definidos entre a

vida e a obra. Também por esta razão, as imagens vêm ladeando o texto,

desdobrando novas interpretações que, certamente, ocorrerão a cada leitura.

Louise Bourgeois

em 1930. Casa-se com o professor americano de história

ater, e passa a morar em Nova Iorque, o que a coloca em

artística do século XX, sem, porém, aderir a qualquer

26. Louise Bourgeois

Pai e filho, 2004

Estudo para a fonte do Olympic Sculpture

Bourgeois transita entre os temas da

infância, sexualidade, medo e trauma. O livro

Destruição do Pai e Reconstrução do Pai

(Marie e Hans, 2000, p.1), apresenta o

27. Louise Bourgeois

Topiaria, IV, 1999

Aço, tecido, contas e madei

68.5 x 53.5 x 43 cm

28. Louise Bourgeois

Aranha, 1996

Aço

326 x 757 x 706 cm

percurso de sua obra plástica a partir de seus

diários e entrevistas desde 1923 até 1997. Já

na primeira página ela afirma que toda sua

obra nos últimos cinqüenta anos fora inspirada

em sua infância. Este livro-diári lue

escritos, desenhos e a palavra falada da

artista, nos oferece um enredo autobiográfico

em processo; suas discretas lacunas são

preenchidas por nossa interpretação e, quase

que inevitavelmente nos coloca como

coadjuvantes e cúmp es de suas íntimas

anotações.

Mas o uso das memórias pessoais em

seu trabalho transcende o relato em primeira

pessoa levantando questionamentos sobre as

extremidades dos nossos sentimentos,

do tensões e abrindo espaços. Os

contrastes materiais e formais, o aspecto

teatral de suas instalações nos conduz a

experiências únicas. Meu primeiro contato com

sua obra foi na 23

Bienal (1996) em São

Paulo. O primeiro choque foi a dimensão do

trabalho “Aranha”.

o, que inc

lic

geran

Caminhar por debaixo dela, me fa

encantamento. Ela representava poder e controle.

Em 1995 Bourgeois pub a

série de nove gravuras em ponta-seca intitulada “Ode à minha mãe”. Ele começa

ssim:

zia sentir um misto de medo e

29. Louise Bourgeois

Ode a minha mãe, 1995

Ponta seca

30.4 x 30.4 cm

30. Louise Bourgeois

Ode a minha mãe, 1995

Ponta seca

30.4 x 30.4 cm

lica pela primeira vez um texto referente a um

A amiga (a aranha – por que a aranha) porque minha melhor amiga era

minha mãe e ela era decidida, inteligente, paciente, tranqüilizadora, racional,

encantadora, sutil, indispensável, arr uma aranha. Ela também

sabia se defender, e a mim, recus rguntas pessoais

“idiotas”, inquis osas.

Jamais me cansarei de representá-la.

Eu quero: comer, dormir, discutir, magoar, destruir...

_ Por quê?

- Meus motivos pertencem exclusivamente a mim.

O tratamento do Medo.

Para meu gosto, a aranha é um pouco fastidiosa demais. Tem esse lado

francês de detalhista, polemista, tricoteira, de cerzimento cada vez mais perfeito e

limpo, nunca termina de cortar os fios de cabelo em quatro. Essa análise

interminável é fatigante e visualmente pode ser redutora. Tenho vontade de fugir

para a rua e respirar a plenos pulmões. Não terminam nunca as análises,

questões dentro de questões – esmiuçando.

. Apóia-se na parede

da porta, contra a porta dos

anos).

Analisar e esmiuçar é uma coisa, mas tomar uma decisão é outra (uma

opção, um julgamento de valor).

Apanhada numa teia de medo.

umada e útil como

ando-se a responder pe

itivas e embaraç

Por uma vez essa aranha admite que está cansada

(como a prostituta que espia o cliente, à sombra

A teia de aranha.

A mulher carente (Marie e Hans, 2000, p.326).

ap e

rela m

tomam, coloca-nos de mas alcançamos um

grau de angústia de prota

Esta força simbólica está pr todas as linguagens de que a

artista lança mão. apenas o

essencial, onde o foco se faz na tensão das linhas que indicarão rapidamente a

emoção narrada. Suas esculturas têm a qualidade de ampliar o espaço em torno,

como que exigindo seu lugar de existência no mundo. Elas nos atraem (por

semelha

trâns aço

tem

por a

mãe. Mas o grande mistério para ela aceitação da mãe. O que leva uma

mulher d

A artista diz: “minh viver no presente, e

quero que elas sobrevivam (Marie e Hans, 2000, p.362)”.

Em 1982 ela publica na revista Artforum a obra Abuso Infantil, que

presenta fotos de sua infância e trabalhos acompanhados de texto em forma de

O texto segue questionando a verdade da mãe sobre o cotidian

arente de sua família, pois a aranha poderosa que se esquiva dos fatos qu

uitas vezes massacram um relacionamento familiar. O assunto aparenta ser a

ção entre Bourgeois e sua mãe, mas a dimensão que seu texto e image

ntro da cena não como coadjuvantes,

gonistas.

esente em

Seus desenhos feitos como registros diários contêm

nças ou diferenças) para este campo onde a vida parece pulsar num ritmo

mais acelerado que o normal. Suas instalações criam ambiências tanto de livre

ito quanto grandes gaiolas completamente isoladas definindo tempo e esp

iferentes o qual nós, como voyers, contemplamos a cena onde a materialidade

função simbólica.

Na infância a família de Bourgeois contrata para ela uma tutora que fica

dez anos. A tutora na realidade era amante de seu pai, com a conivência d

seria a

ividir marido, filhos e casa com outra?

as reminiscências me ajudam a

diário. Neste momento Bourgeois está com 71 anos de

texto nos faz sentir que o fato ocorrido era recente.

idade e a excitação de seu

31. Louise de Bourgeois

vo que ninguém consegue

truir algo do passado para

Abuso Infantil, 1982

Bourgeois inicia o texto dizendo:

Alguns de nós somos tão obcecados pelo

passado que morremos disso. É a atitude do poeta que nunca

encontra o paraíso perdido e é de fato a situação dos artistas

que

apr

trabalham por um moti

eender. Talvez queiram recons

exorciza-lo. É que, para certas pessoas, o passado tem tal

atração e tal beleza... Tudo o que eu faço é inspirado no início

de minha vida (Marie e Hans, 2000, p.133).

32- Louise de Bourgeois

Abuso Infantil,1982

Alimentar, arquivar fotografias, escrever. A artista torna-se uma

colecionadora de materiais de sua história.

Os outros ambientes de sua expo

roupas penduradas em cabides. Perco

intensificava naquele silêncio de ausentes, me conduz

silêncio.

Sobre o uso de roupas em suas escult

contraste da passividade e atividade. Roupas serão se

sição na Bienal traziam peças de

rrendo o trabalho, seu mistério se

indo ao meu próprio

uras Bourgeois diz focar o

mpre algo mais do que

ores.

33. Louise Bourgeois

ssional que

sua poética se apresenta,

seus temas abrangem a

memória do observador.

Richard Serra comentando

sobre a origem das

poderosas formas de

Bourgeois diz:

apenas algo para se vestir. Há a sedução, os cheiros, as c

Sem título, 1996

Aço, tecido

300.3 x 208.2 x 195.5 cm

Por mais confe

parece ser somente parte da história (...) A origem da dor, o

Quanto mais a artista retoma sua própria história, mais seu trabalho nos

conduz a

as vezes estão

los autobiográficos que se apresentam como detonadores do

trabalho.

A memória alimentando um trabalho de mais de cinqüenta anos é uma

memória cultivada obsessivamente. A cada trabalho esta memória não se

apresenta arquivada como um álbum de recordações que abrimos quando

necessitamos de nostalgia, mas cada referência ao passado reabre dores que

parecem inflar com o tempo, ganhar nitidez de significações e desdobramentos.

Como que, sem ela a artista não teria voz e nem o que dizer. Este cultivo passa a

ser também uma questão de sobrevivência poética e

amenizá-lo, muito menos libertá-lo já que a liberdade

encontra na sua permanência. A perda da inocência

numa mulher de noventa e cinco anos.

Com suas sucessivas traições matrimoniais

ela como uma pessoa não confiável e inconsistente

em várias de suas obras. Uma instalação de proporç titulada: I Do

– I Undo – I Redo confirma o trauma já em sua estrutura em forma espiral. Para a

Estou ciente dos traumas de infância, mas isto

centro da inquietude permanece indecifrável, e ainda estas

esculturas desencadeiam em mim a memória de experiências

que eu gostaria muito de esquecer. (Kotik, Sultan e Leigt,

1994, p.80).

nós mesmos, mais impactante ele se torna. Com a capacidade de

dominar o espaço em torno, nos colocando dentro dele, a artista altera o tempo

desdobrando relações sutis com a história da arte que, muit

camufladas em títu

não haverá terapia capaz de

criativa, paradoxalmente, se

da infância se faz presente

, a figura paterna é vista por

. Este assunto apresenta-se

ão gigantesca in

artista a espiral representa a metáfora da consistência em seu trabalho. Sua

estrutura sugere confiança. “Eu sou consistente” (Storr, 2004, p.14).

A artista c

que ela sugere em s

humana dos pais.

ento de Jean-Louis no mesmo ano é para ela o evento mais importante

de sua vida.

Reorganizando e reconstruindo uma história, se reinventando,

Bourgeois

onstrói uma imagem de si que se sustenta na dor da traição,

eus escritos, estar em oposição às posturas de fraqueza

Seu assistente, Jerry Gorovoy diz que há seis eventos chave para seu

processo criativo: o primeiro foi à vinda de Sadie, tutora das crianças e amante de

seu pai, que ficou no convívio familiar por dez anos. O segundo é a morte de sua

mãe em 1932. O terceiro, seu casamento com Robert Goldwater em 1938; o

quarto, a mudança deles para Nova Iorque. A adoção de Michel em 1940 seguido

do nascim

Para Bourgeois trabalhar com a memória é importante para controlar o

passado e até alterá-lo. Esta viagem à memória não só alimenta sua arte, mas lhe

dá o poder de recriar sua própria história. Ela diz dar significado e forma para a

frustração e o sofrimento. Reorganizar e reconstruir uma identidade.

Expondo sua história em seus desenhos e esculturas, Bourgeois nos

transforma em leitores acompanhando cada cena, cada capítulo. Mesmo sem

linearidade somos tomados pelo enredo de suas metáforas de coragem e medo.

reinventa também a nós.

Pergunto se estas memórias, que funcionam como disparadores em

seu processo criativo, entrariam em negociação com a mulher, a criança e a

artista Bourgeois, onde esta última, com ares de vencedora, cultiva esta memória

diariamente, tendo plena certeza do rico alimento de emoções que lhe será

izar

zar. Esse processo num moto contínuo na obra da artista

de, que com sua inteligência e beleza

o Sultão Shariman narrando suas lindas histórias de amor.

servido.

pode ser ilustrado com o mito de Sheraza

onquistou o coração d

34. Louise Bourgeois

Rejeição,

Tecido,

Esquecer para Bourgeois seria perdoar? Armazenar e reorgan

armazenar e reorga

2001

chumbo e

aço

Louise nos mostra uma relação mais complexa entre o tempo e o

esquecimento. Percorre trilhas novas em traumas antigos. Sua poética está

estruturada na repetição, na doença eterna. Buscar a “cura” seria proclamar o fim

de sua art

Tracey Emin

Lendo o livro Arte Atual (Riemschneider e Grosenick, 2001, p.45)

encontrei uma imagem que me chamou muita atenção. É uma barraca azul tipo

ado com costura as datas 1963-1995. E

pos de letras e estampas. O

trabalho é da artista Tracey Emin que

s, mais parentes com quem ela dormiu

crianças que ela abortou,

35. Tracey Emin

Todos com quem eu dormi 1963-1995

(detalhe),1995

Tenda com aplicações, colchão e

iluminação

122 x 245 x 215 cm

Vejo as “lacunas” da artista preenchidas pelas recordações tantas vezes lidas e

relidas e com total capacidade de promover novas transformações formais.

iglu que do lado de fora apresenta aplic

por dentro uma lista de nomes aplicados com vários ti

título: “Todos com quem eu dormi”. Este

borda os nomes de seus parceiros sexuai

junto quando criança, seu irmão gêmeo e de duas

somando 102 nomes ao total.

O que me levou a Beuys foi sua atitude de interferir em seu texto

biográfico. À Louise Bourgeois sua obsess o à infância. Agora sou pega por uma

imagem que, depois do impacto causado p

tão íntimos conduziu-me a outra questão stes

acontecimentos.

Após refletir sobre minha própria juventude, passei a pensar neste

corpo exibindo suas “experiências”, através de um outro objeto, e no efeito que

isso nos causa. Interessou-me a forma como ela conduzia a narrativa disparando

36. Tracey Emin

Todos com quem eu dormi 1963-1995, 1995

Tenda com aplicações, colchão e iluminação

122 x 245 x 215 cm

or ela compartilhar e revelar momentos

que é questionar a veracidade de

na imaginação do espectador estórias particulares a partir daqueles nomes. Foi

m misto de atração e repulsão.

uso destes nomes fez-me lembrar dos nomes próprios de ruas que

funcionam como um registro de personalidades históricas, que uniformizam um

sistema de linguagem ao mesmo tempo em que esta nomeação ativa a memória

e identidade cultural de uma cidade.

la coleciona, organiza e arranja este material num objeto que remete

ao mesmo tempo à juventude e suas aventuras, bem como a uma sensação forte

de nomadismo. Uma nômade que carrega consigo suas histórias e as exibe em

público. A filósofa Rosi Braidotti (Braidotti. 2002,12-21) usa do mito do sujeito

nômade mo possibilidade de criação de novas formas de subjetividade

feminista. Não mais a noção de identidade, mas o nomadismo como devir, com

deslocamentos contínuos propiciando rupturas dos papéis. Contrário ao

pensamento essencialista, onde o mundo começa consigo, o nômade lê mapas

invisíveis e cria vínculos descontínuos.

a artista americana Amy Cutler

temas com ar de conto de fadas às avessas.

resenta sua vivência, sua instabilidade. Na mulher em primeiro

plano podemos ver a sombra de outra segurando uma bolsinha dentro de sua

tenda. Se

Este trabalho lembrou-me um desenho d

(1974), que desenvolve alguns

Este trabalho apresenta três mulheres deitadas no chão formando três

grandes tendas com seus vestidos mágicos. Elas demonstram uma grande

capacidade de adaptação, pois duas dormem tranqüilamente. Cada qual tem

consigo sua própria trouxa de roupa, como aquelas que se faz quando se foge,

que para mim rep

rá ela mesma já partindo? Ou uma “enraizada” que na ausência de uma

trouxa de roupa quer estar ali para aprender alguma coisa, para se proteger no

sono profundo da outra? E de costas para nós uma mulher que veste um avental

doméstico e uma bolsinha banal que parece ter o destino de trilhar sozinha um

percurso já sabido, um caminho sem aventura.

ística

nômade, já que “sua vida é um objeto ready –made” (,Riemschneider e Grosenick,

2002, p. 140) seu ponto de partida é sua vida. Mas devemos nos lembrar que ela

“quer” que acreditemos que seu trabalho

37. Amy Cutler

Acampamento, 2002

Gouache s/ papel

118.1 x 120.7 cm

Soa contraditório dizer que a poética de Emin tenha caracter

apresenta sua vida e, justamente

aqueles momentos que, negociando com a memória, desejamos reconstruir,

simular outras versões ou simplesmente apagar.

Tracey é uma figura polêmica. Suas aparições públicas costumam vir

recheadas com um comportamento e declarações bombásticas paralelamente a

trabalhos que a mostram vulnerável. Sentimentos de frustração, dor e compaixão

se mesclam a um inflamado discurso feminista contemporâneo.

Tracey Emin (1963) é uma jovem artista britânica do chamado YBAs, e

da “Sensation Generation”. Seu trabalho narra uma juventude conturbada,

somada ao abandono da família pelo pai por outra mulher.

O texto em seu trabalho se entrelaça à forma arquivando sua história

pessoal em processos catárticos. Numa clareza e determinação em explorar sua

intimidade ela gera uma tensão no espectador que vai da incredulidade ao

fascínio voyeurístico.

Como Bourgeois, Emin tem uma “perícia em ilustrar o não retratável em

suas instalações, histórias, desenhos, esculturas, bordados e filmes”

iemschneider e Grosenick, 2002, p.140). E como Bourgeois, sua infância é um

ma recorrente.

Ao observar seu trabalho lidamos com nossas partes que estão

do filósofo Jean Baudrillard, o jornal Folha de São

aulo

, apresentou-o como o “último iconoclasta”. Mas constata que nessa sua

mpeza ele encontrou, atrás das máscaras, apenas o vazio. Fiquei pensando

essa limpeza das máscaras e no susto que aquele ser dá, escondido há tanto

tempo, qu

Edvard Munch e Egon Schiele.

Artistas que desenharam e pintaram seus trabalhos como um diário íntimo que

possibilita

sempre camufladas.

Quando da morte

ando vem à luz. “Se o olhar é atraído pela “face do monstro”, é porque

ele já espera sofrer seus efeitos sobre seu próprio corpo (Jeudy, 2002,p.125). Foi

exatamente o que senti ao ver a barraca de Emin pela primeira vez.

Tracey diz se interessar pela obra de

discutir a representação do self.

Caderno Mais Folha de São Paulo, 2007.

A obra de Schiele é marcada por uma forte intensidade emocional. Ele

explora a sexualidade e sua produção é tão obsessiva quanto sua

existencialista. A influência expressionista está presente nes

busca

tes “auto-retratos” de

38. Egon Schiele

Homem nu ajoelhado auto-retrato,1910

Aquarela, guache e lápis preto s/ papel

60 x 42.5 cm

Tracey.

Tracey diz se interessar pela obra de Edvard Munch e Egon Schiele.

Artistas que desenharam e pintaram seus trabalhos como um diário íntimo que

possibilita discutir a representação do self.

A obra de Schiele é marcada por uma forte intensidade emocional. Ele

explora a sexualidade e sua produção é tão obsessiva quanto sua busca

existencialista. A influência expressionista está presente nestes “auto-retratos” de

Como se cada imagem

produzida oferecesse uma indicação

Minha cama, 1998

Colchão, linho, travesseiros, objetos

79 x

Turner de 1999,

mas não ganhou. Ela produz arte

autobiográfica – arte que é sobre si

mesma.

Em 1999 para o Prêmio

Turner ela expõe a instalação Minha

cama na Tate Gallery. A cama em

total desordem doméstica de um

período de dias em que a artista

passou doente sobre ela, foi levada

comida, toalhas e peças íntimas

usados naquele período.

marcas e aromas de ritos cotidianos

precisos. A vida vivida num enredo

que, bem montado, alimenta a

poesia criativa. A minha pergunta é

nesta trilha de construção identitária.

Em seu site oficial a artista

é apresentada como uma conhecida

que deveria terartista moderna

ganhado o Prêmio

39. Tracey Emin

Banho triste, 1995

Monotipia s/ papel

42 x 59.4 cm

40. Tracey Emin

de sua casa à galeria com o mesmo

jogo de lençol e restos de bebida e

211 x 234 cm

A força da materialidade

apresentada como “cena real”, o

lençol não lavado, por exemplo, traz

quem chega antes, o movimento “natural” dos fatos da vida ou a simulação de

fatos para serem vividos e elevados ao statu

Wonsook Kim

O trabalho de Wonsook Kim não s

ter

eias palavras. O tempo deste trabalho é o tempo da vida.

te é um grande mergulho na alma

bertas e claras, fluem. A simplicidade do

agens contrasta com a intensidade emotiv

Seu repertório encontra inspiraçã

om um tom autobiográfico.

Denise B. Sant’Anna termina se

s os seres que nos

a eles nigmas,

ssim como nós, por delicadeza, não os d mos

morrer” (Sant’ Anna, 2001, p.127).

A força de cada palavra aí coloc

que insiste em buscar o caminho contrário, o da superexpos

alarde. Denise nos propõe o respeito ao mist

s de arte?

eduz pela virtuosidade, pelo conceito

pessoal intenso, onde não há espaço ou pela materialidade, mas por seu cará

para adornos e m

Sua ar feminina. Suas pinceladas são

tratamento e da representação das

o em poemas e estórias que mescla

u livro Corpos de Passagem com a

cercam (e mesmo as coisas) são

não nos revelam os seus e

seguinte frase: “Todo

esfinges; mas como ardis da sutilez

a eciframos. Apenas não os deixa

ada nos põe dentro da vida corrente

ição sem limites, do

ério e o zelo por sua manutenção.

O mistério do trabalho de Kim está justamente na apare

despretensão. E é este o ponto aqui que me faz debru

nte

çar sobre o trabalho desta

rtista, as estratégias desenvolvidas na arte contemporânea que zelam pelo

istério e por sua manutenção. O mistério em Kim está na opção da ternura, da

ontemplação quase melancólica.

nas duas artistas anteriores, a infância é determinante no

trabalho de Kim. Ela nasce na Coréia em 1953 e muda-se para os Estados

Unidos em 1970 para estudar

agens

da Coréia naquela cultura, na sua relação com a mãe, o

budismo e

A ponte entre estas culturas forneceu um rico e

abundante material de inspiração (...) Eu acredito que a

versal desejo de beleza, esperança e alegria. Sou

r esse maravilhoso chamando para testemunhar a

vida(Lowly, Tim, 2000).

Como

na Universidade de Illinois.

Ela deixa um forte traço autobiográfico nas lembranças das pais

, das roupas usadas

o cristianismo. Esta conexão entre as duas culturas foi determinante

em sua poética.

verdade humana transcende a cultura e o tempo, resultando

num uni

grata po

41. Wonsoo

Com esta

ela é uma missão o outro. Voltando à frase de Denise

sobre não decifrarmos o enigma que é o outro, mas não o deixarmos morrer, o

abalho de Kim e suas declarações, celebra o desejo da alteridade, do encontro

ro. Ela parte de si para alcançar o outro. Um outro visto com um

uidado, ternura, generosidade e compaixão. Suas imagens consolam e seu zelo

maternal.

Na obra “A moça rio” vemos uma donzela em forma de rio que

emonstra dúvida em lançar o barco para sua grande aventura que, pelo título,

remete à sua vida sexual. A busca do conhecimento de si, destas reflexões e

k Kim 42. Wonsook Kim

Árvore curiosa, Menino com ramo

Óleo s/ tela Acrílico s/ tela

17.5 x 17.5 cm 165 x 120 cm

frase, quase messiânica, a artista mostra que fazer arte para

de construção de si e d

com o out

43. Wonsook Kim

A moça rio ,1997

Acrílico s/ tela

177 x 250 cm

ráticas da subjetividade. Este trabalho de Wonsook nos remete aos pensamentos

de Fouca

obra “Atravessando o rio” não vemos seu rosto, não sabemos sua

expressão, apenas de que ela vai atravessar aquele rio e ir à outra margem. A

imagem c

ult e a metáfora da navegação, onde o barco é um “pedaço de espaço

flutuante, um lugar sem lugar, que vive por si mesmo, que é fechado em si e ao

mesmo tempo lançado ao infinito do mar” (Foucault, 2001, p.421) afirmando que

nas civilizações sem barcos “os sonhos se esgotam, a espionagem substitui a

aventura e a polícia, os corsários”.

ondensa um misto de sensações numa simplicidade de tratamento. A

falta de detalhamento amplia a leitura sempre intimista.

Há uma gama de processos artísticos que foram sendo construídos e

adaptados do modernismo para nossa realidade contemporânea e que se recriam

numa rede infinita de desdobramentos.

44. Wonsook Kim

Atravessando o rio,1997

Acrílico s/ tela

177 x 250 cm

A crítica apresenta os artistas Magritte e Chagall como referências na

obra de Kim. Magritte é meticuloso nas imagens que trabalha. Desenvolveu uma

profunda pesquisa “da ambiguidade alegórica das imagens” (Argan, 1996, p. 364),

tudo pode ser qualquer coisa. Ele questiona tudo, “desvenda o absurdo do banal”

da obra de Magritte

de Kim, vemos que na obra da coreana o assunto segue para a figura humana.

ma psicológico da imagem da pessoa. Em Magritte o

o. A diferença do tratamento técnico oferece a Kim um tom mais

mocional e intimista do que conceitual.

45. Wonsook Kim 46. René Magritte

Na praia, 1992 O sedutor, 1950

Óleo s/ linho Óleo s/ tela

122 x 122 cm 38.2 x 46.3 cm

O trabalho de Chagal funde várias

fauvismo, cubismo e surrealismo. Sua cultura e vida, como o grande amor pela

sua esposa, são temas recorrentes que Argan chama de “fabulaç

(Argan, 19

através de combinações excludentes. Observando as imagens

O entorno prepara o cli

assunto é o tod

referências, expressionismo,

ão visual”

lore russo e judaico”. 96,p.473) que demonstra seu interesse pelo “folc

Em Kim esta influência existe, porém diluída.

47. Wonsook Kim

Primavera

mágica

Acrílico s/ cartão

37.5 x 60 cm

48. Marc Chagall

Promenade, 1917

Óleo s/ tela

170 x 163.5 cm

Semelhanças e diferenças

arrativa e texto

A marca de uma narrativa autobiográfica comum nas obras das três

rtistas está no uso do texto como processo de construção poética e conceitual do

trabalho. Bougeois trabalha com diários os quais ela chama de “compulsões

arinhosas”.

Escrevi diários durante toda a vida, desde que era

criança, desde que pude olhar alguém no rosto – e captar

emoções visuais e lembrar das minhas próprias (...) Mantenho

três tipos de diário: o escrito, o falado (num gravador) e meu

iário de desenhos, que é o mais importante (Marie e Hans,

2000, p.304).

Ela diz que com esta prática ela organiza sua vida, “mantém registros”.

Bourgeois arquiva a própria vida construindo uma imagem de si que pode não

Do fragmento à tentativa de se chegar a

m todo, o exercício sistematizado do diário torna-se uma estratégia no processo

criativo autobiográfico.

Faço os desenhos à noite, quando me reclino na

cama, apoiada em travesseiros. Pode haver um pouco de

música, ou simplesmente escuto o zumbido do tráfego na rua.

Mantenho preciosamente meus “diários” de desenhos. Eles

me descontraem e me ajudam a dormir. (...) Silenciosamente,

preparo minhas imagens. As imagens são pessoais: a árvore,

us galhos, uma espécie de paisagem que sobe e desce, cai

e gira e redemoinha em espirais. Especialmente lembro-me

corresponder a já existente socialmente.

da vida que l

Nova York (Marie e H

evei perto da água, tanto na França como em

ans, 2000, p.305).

intimidade descrita por Bourgeois quando da feitura destes

iários nos passa a sensação de clareza em relação aos seus sentimentos

descritos através das imagens. O diário torna-se um espelho. Como cada desenho

acompanh

pertório imagético e poético que servirá de alimento aos seus

abalhos.

Tracey es

em entrevistas em v

o texto está contido na composição, mas seus pronunciamentos são os alicerces

ue a tornaram uma celebridade.

ém do que viajando, ou aprendendo outra língua (Gargett,

2001).

Cada dec

representação de s

transitam entre a sim

seu “diário íntimo”,

O grau de

a o passar do tempo, ela diz poder vislumbrar um panorama de como

está se saindo. Atrás de cada desenho, ela escreve um texto que comenta aquele

momento. Este processo obsessivo cria um ritual cotidiano que irá oferecer à

artista um re

creve diretamente nas obras e faz pronunciamentos públicos

árias mídias. Sendo uma artista que utiliza muitas linguagens,

Eu disse que eu sinto que se você quer aprender

sobre o mundo você não se senta por aí lendo mapas todos

os dias. Eu tinha essa atitude que em vez de ir para outro

país, você simplesmente dorme com alguém. Você terá

aprendido mais sobre lugares diferentes dormindo com

algu

laração ou texto colocado pela artista não parece ser uma

ua vida, mas uma interpretação. Seus polêmicos discursos

ulação e ingenuidade. A construção de sua imagem de si, o

é o veículo público. Ela declara ter uma vida ready-made. A

argumentação de

conceitual?

Na contra-mão de Tracey está Wonsook Kim, que mantém na vida um

silêncio e discrição oriental. O tex

Todas as artistas relatam a importância da infância em suas poéticas.

as cada uma negocia diferentemente com sua memória, com seu passado.

Bourgeois

cultivo destas record

o medo da amnésia

esquecer é parte da nossa sobrevivência. E que um dos mecanismos do

eu isso pela primeira vez há mais de

um texto pode sustentar um desejo em ser uma artista

to em seu trabalho se localiza nos títulos

aparentemente simples. Para uma artista do essencial, as palavras poucas são

fortemente poéticas e, às vezes, impactantes. O título nos conduz a um mundo

quase espiritual. Nada soa a simulação, antes, é a simplicidade da apresentação

que carrega o lirismo poético. Esta simplicidade é muitas vezes comparada à

sensibilidade infantil, quase ingênua. Mas logo se nota que a ingenuidade pode

ser substituída pela palavra esperança, tão em desuso em nossos dias.

Memória e infância

alimenta a permanência de seu passado no presente. O

ações lhe serve para reparar danos do passado. Portanto há

. O neurocientista Ivan Izquierdo (Grecco, 2004,D6) diz que

esquecimento “é a repressão. Freud descrev

cem anos dizendo que estas memórias não desejadas são excluídas da

consciência (...) A outra é a extinção (..) que consiste na diminuição gradativa de

uma resposta condicionada a um estímulo. (...) Esse fenômeno foi muito estudado

na Turquia por causa dos terremotos”. O mesmo ele diz sobre a infância que

exigiria muito esforço para evocar suas lembranças. “Podemos dizer que há algo

de seletivo e proposital no nosso esquecimento”.

a questão

ão é o acreditar, mas o efeito da interpretação destes fatos ditos, verídicos.

Kim usa o tempo para celebrar a vida, resgatar o ser humano. O que

wa-Young Kim chamou de “pintor interior”. “Nosso encantamento diante das

m na sua habilidade de acordar o pintor latente em todos

ós. E nós as observamos a partir de um vínculo tão forte que nosso pintor

esperto parece pintar diante de nossos olhos” (Kim Hwa-Young, 2001, p.2).

pintura e à nossa memória cultural, que ela chama de “o retorno de nossa

espontane

Com esta análise concluímos o quanto o grupo de diários de Bourgeois

foi peça fundamental na manutenção destas lembranças em uma mulher de 97

anos.

Tracey parece questionar a cada instante a autenticidade de suas

lembranças. Sua memória transita entre a realidade e a simulação. Seu próprio

status de celebridade cultural pós-moderna lhe permite representar este

personagem sem a menor preocupação com sua autenticidade. Aqui

pinturas de Kim tem orige

Esta memória coletiva dita por Hwa-Young nos remete à história

idade”. Independentemente das referências culturais coreanas somadas

às americanas, sua poética parte de sua memória pessoal para nossa

necessidade de expressão humana.

Poética autobiográfica

ia cronológica.

início

e, por ter

valor

simbólico.

na vivida por ela. É como se a sua poética

ica fosse essa interpretação através de um alter-ego alimentado em

O trabalho de Kim parece vir ao mundo para cumprir uma missão, a da

utileza. Em sua poética autobiográfica falar de si é construir

s para disseminar a esperança humana.

suas pinceladas fluídas valorizam o desenho na narrativa,

Um trabalho autobiográfico nunca se amarra, nunca se completa. São

tantas conexões que envolvem um pequeno fato que seria reducionista uma

coerênc

Bourgeois usa a auto-representação como o ponto de atrito em seus

processos criativos. Sua poética autobiográfica é confessional. Seus diários

tornaram-se públicos quando sua obra tornou-se internacionalmente conhecida

nos anos 80. Talvez seja este um dos fatores para que sua obra não tenha sido

classificada em nenhum estilo. Por não ter seu trabalho reconhecido logo de

tido a oportunidade de conviver com muitos expoentes do modernismo,

seu processo centrou-se cada vez mais numa trilha particular, onde as exigências

de público e de mercado foram suavizadas. Descoberta internacionalmente já com

idade avançada, um conjunto de trabalhos se apresentava perpassando sua vida

com uma sedutora honestidade e de grande força matérica carregada de

Tracey transporta objetos pessoais do cotidiano para as instituições

dando status de arte ao banal, mas não qualquer objeto banal, e sim, aqueles que

fizeram parte de sua vida e hábitos. Mas a pura exposição destes objetos não nos

garante estarmos diante de uma ce

autobiográf

seus discursos, instalações e performances.

transformação pela s

com o outro. Não para criar um duplo, ma

Longe de ser piegas,

optando por encerrar o trabalho num tempo que permite uma comunicação direta

om o apreciador para um encontro de sua busca de intensidade pessoal. O

ouco uso das cores nos prende no enredo existencialista. Sua ambiência é

bidimensio

nal, lírica e tem um tempo em suspensão que identificamos como

aquele lugar tão complicado de encontrar em nossos dias.

49. Márcia Porto

As Gêm s,2000

Aguada e nanquim s/

papel

15 x 10 cm

Diante de uma imagem – por mais antiga que seja

-, o presente jamais cessa de se reconfigurar (...). Diante de

uma imagem – por mais recente, por mais contemporânea

que seja - o passado, ao mesmo tempo, jamais cessa de se

reconfigurar, porque essa imagem só se torna pensável em

uma construção da memória

Didi Huberman

DIDI-HUBERMAN, George. L’Image Survivant. Histoire de L’Art et Teps de

ntômes selon Aby Warburg, Paris: Lês “Editions de Minuit”, 2002.

III- PROCESSO CRIATIVO DE UMA AUTOBIOGRAFIA FICCIONAL

O Reencontro com Celeste

z anos minha produção começou a ser compulsiva como

unca havia sido. Foquei a linguagem do desenho por ele ter um caráter dinâmico

ue acompanhava um fazer obsessivo. Recordo-me da sensação de ansiedade e

razer que corria paralelamente à necessidade em viver a vida intensamente.

Neste processo o fazer ganhou da reflexão. Eram papéis por todos os

dos, engavetados desordenadamente.

Apresento neste capítulo o processo destes dez anos de produção e o

omento deste reencontro que tive com meu trabalho, como se, após sair de um

ésia, começasse a acreditar naquelas imagens feitas com tanta

de a arte é feita no abandono.

Na seqüência, como resultado da busca de uma fundamentação

teórica, comento os questionam

recordações que elas

a poética.

Para mim, imagem e texto formam um só corpo e é des

le deve ser visto.

Nos últimos de

estado de amn

paixão e intensidade, on

entos surgidos no embate com as imagens, as

promoveram e o paralelo entre os procedimentos técnicos e

ta maneira que

Os sonhos e a idéia

Há oito anos eu estava grávida de um menino e, durante a gestação,

uas meninas gêmeas. Eram cenas de um

otidiano mágico, um banho de banheira embaixo de uma jabuticabeira num dia

chuvoso, comer amoras numa cena em branco e preto onde só o carmim das

amoras ex

interpretação específica.

esariana. Seu pescoço vinha com as

arcas do cordão umbilical. Seria meu primeiro sufocante abraço de mãe?

momentos diferentes surgiam diante de mim. Elas estavam o tempo

todo ali, esperando que eu recordasse e as reconhecesse.

a olhá-las como se pela primeira vez e fiquei surpresa em ver

quantos pontos em comum as imagens traziam.

sonhava constantemente com d

plodia seu matiz. Mas a cada sonho as meninas apareciam em épocas

diferentes, ora crianças, ora adultas, ora adolescentes. Neste período realizei uma

série de trabalhos em pequeno formato deste duplo. Minha atitude diante deste

sonho foi somente liberar um processo de fruição intuitivo, sem lhe atribuir u

Meu menino nasceu numa c

Após o nascimento de meu filho, como sempre fazemos quando

vislumbramos o final de um ciclo, abri todas as gavetas e pastas de desenhos do

ateliê para apreciar o panorama dos últimos anos.

Encontrei diários de mais de dez anos e observei o quanto aquelas

imagens se assemelhavam às mais recentes. Inúmeras representações de

mulheres em

Comecei

50. Márcia Porto

Série La

Aguada

vanda, 2007

de nanquim s/ papel

20 x 30 cm

Vendo os desenhos comecei a perceber que a imagem de uma mulher

que, àquela época, me parecia pertencer a um grupo grande de mulheres, era a

mesma.

Procurei pelas fotos dos meus modelos e notei as semelhanças

tinham o mesmo biotipo: cabelos longos e encaracolados e corpo longilíneo.

Estavam sempre de vestidos esvoaçantes denotando um discreto, porém

freqüente, movimento. Era uma imagem recorrente.

ou para fotos, sempre foi um

es se cruzam, desencadeia um

51. Márcia Porto

Fotografias de modelos: 1992 – 2005 – 1998, respectivamente

. Todas

Trabalhar com modelo vivo para esboços

olharritual. No momento da pose, quando os

processo

ose. E este instante para mim é sagrado: a representação da imagem de

i mesmo, ou melhor, dizendo, da idéia que se faz de si. O sutil e fugaz momento

de passag

me fascinou. Era uma mulher colhendo flores

tão delica

que ela flutuava. Sua veste solta e leve

seguia como uma segunda pele harmônica.

Seu mundo decididamente não se parecia

com o meu, mas meu desejo era ir para

aquele lugar silencioso e tão cheio de

possibilidades. A imagem deste afresco

chamado de Stabiae foi minha primeira

referência na história da arte provocando

uma necessidade em criar uma vida secreta

para aquela mulher, tornando-nos íntimas e

cúmplices daquele passeio. Dando-lhe nome

e características eu me divertia pensando

sobre quem a havia pintado e por quê.

52. Donzela Colhendo Flores

século I d. C.

Detalhe de pintura mural de Stabiae

Archeologico Nazionale,

de interpretação, um teatro para quem vê e para quem é visto. O modelo

já traz uma, ou várias imagens de si e, na hora da pose, inicia sua exibição, sua

metamorf

em de uma persona à outra é pleno de possibilidades e enigmas.

Lembro-me de que aos doze anos de idade, visitando uma prima nas

férias, encontrei uma imagem num livro que

das quanto ela. Seu movimento

discreto e suave dava-me a impressão de

Museo

Nápole

to em que eu te conheci, sua

xtraordinária influência sobre mim.

encarnação visível daquele ideal invisível

cuja memória nos obceca a nós artistas como um sonho

..).

53. Márcia Porto

Série Poços Rasos, 2006

Aguada de nanquim s/ papel

15 x 20 cm

Do momen

personalidade teve a mais e

Fui dominado, alma, cérebro, e poder, por você. Você se

tornou para mim a

perfeito (...) Eu mesmo quase não compreendi isso (.

Oscar Wilde

WILD , Oscar. The Piicture of Dorian Gray, 2004. Peguin Popular Editora.

O historiador alemão de arte Aby Warburg adota o termo Nachleben

ara tratar do fenômeno de sobrevida da imagem. Através da noção de

Pathosformel, essa herança imagética se manifesta na necessidade psíquica de

uma época agregada à forma. Essa identificação cultural tem como base

conceitos históricos específicos e não se apresenta na individualidade do artista,

mas como fenômeno coletivo da memória. Ele põe em discussão o elemento

cultural com o elemento histórico.

Meu primeiro contato com o modelo Warburg se deu na leitura do texto

“Sandro Botticelli’s Birth of Vênus and Spring” de Ernst Gombrich

, onde o autor

comenta o quanto Warburg analisa à exaustão detalhes de obras mitológicas,

como gestos do corpo, cabelos e vestes, que contêm uma força expressiva não

naturalista, indo na contra-mão da tese progressista do período do renascimento.

Enfatiza a influência da Antiguidade Clássica não somente idealizada, mas, como

coloca Gombrich, perguntando quais as razões que levaram Botticelli a

representar um tema específico de modo específico. O que ele, o humanista e

) imaginavam da Antiguidade? Warburg encontrou eco nas

ireta do poeta humanista Poliziano, construindo

período. Também como nas imagens de Ninfas desenhadas

em sarcófagos greco-romanos como referência de representações do movimento.

Warburg indaga como

imagens da Antigu

cultura ao uso do

Antiguidade Italiana

Pathosformel.

seus patrões (a tríade

poesias de Ovídio e na influência d

uma imagem deste

se daria esse processo de transmissão destas

idade para o Renascimento Italiano. O que motivava uma

que ele chamou em 1905 - no ensaio sobre “Durer e a

- de “mímica intensificada”? Essa obsessão nas fórmulas

as de representar a vida em movimento ele chamou genuinamente antig de

GOMBRICH, E. H. Aby Warburg. An Intellectual Biography, Chicago: Chicago University Press,

1986.

Quando saí da faculdade eu não sabia se a minha paixão pelo modelo

humano era decorrente de uma influência didática e curricular, ou era minha

poética já me chamando, como diz Nietzsche, um aprendizado para pensar com o

corpo. Mas eu via o que se produzia nos anos 80 e me sentia completamente à

margem, fora de meu tempo, e me faltou coragem e maturidade de investir e

assumir a delicadeza, a feminilidade. Atualmente, não quero dizer que, apesar de

ter me assumido tenha mais coragem. Apego-me àquela frase de Sartre que a

coragem não é a ausência do desespero, mas a capacidade de seguir em frente,

apesar do

formações, dentre elas os sintomas.

na significância paradoxal do símbolo de acordo com

icância de um sintoma.

desespero. Portanto, este conceito de memória imagética, sendo

apresentado justamente com a figura de um corpo feminino em estado de

suspensão e discreto movimento, abriu novas discussões e reflexões, me

conduzindo a voltar cada vez mais às recordações.

Warburg cita, num seminário apresentado em Hamburg em 1925, uma

frase atribuída por Gombrich a Gustave Flaubert: “O bom Deus se aninha no

detalhe”. Esta frase é adotada literalmente em seu método através do mergulho no

objeto, nos seus detalhes aparentemente insignificantes, como Freud, em “A

Interpretação dos Sonhos”, onde, o que passa despercebido pode ser a “chave”

interpretativa de uma forma de defesa de um processo traumático. A interpretação

dos sonhos é a via de acesso ao conhecimento do inconsciente, que produz suas

Didi Huberman

justifica a escolha do termo sintoma dizendo que o

que se visa na temporalidade paradoxal de Nachleben (traduzido por ele como

sobrevivência da imagem), não é outra que a temporalidade do sintoma. O que se

visa na corporeidade paradoxal do pathosformel não é outra que a corporeidade

do sintoma. O que se visa

Warburg não é outra que a signif

es selon Aby Warburg, Paris: Lês “Editions de Minuit”, 2002.

DIDI-HUBERMAN, George. L’Image Survivant. Histoire de L’Art et Teps de

Fantôm

Para Didi Huberman a história das imagens não segue uma

temporalidade cronológica e progressista, ao contrário, sua temporalidade é tão

complexa quanto à temporalidade dos sintomas de Freud. As imagens não

respondem simplesmente às demandas sociais, elas as transformam. Elas têm o

poder de legitimar. A história das imagens é uma história de rompimento e de

significações transformadas. Tal como um sintoma freudiano, um signo pode se

tornar incompreensível, graças ao trabalho da fantasia, transgredindo os limites

de seu próprio campo semiótico e acumulando sentidos.

Vejo a recorrência da imagem feminina em meu trabalho como uma

imagem sintomática. A tensão da repetição visual se desdobrando, gera em mim

uma tensão física. Prazer e desprazer. A dualidade se encontra entre a aparência

da delicadeza e a negação desta. Este exercício do discurso da obra está em

onstante “negociação” com a produção plástica.

a imagem de uma ou várias cadeiras na

composição. Havia um diálogo entre as duas imagens com o espaço em branco,

uma negociação a favor da síntese.

Lembro-me claramente da minha primeira aula de modelo vivo em

movimento na faculdade com o professor Álvaro de Bautista, e o prazer em ver

aquela bailarina dançando e o desafio de expressá-la rapidamente e em poucos

traços. Mas também me lembro de encapsulá-la no limite do papel ou cortar-lhe

um membro para ver como reagiria. Estes recortes formais criavam uma tensão

entre partes do corpo e espaços vazios. Comecei a analisar os desenhos mais

antigos. Eles apresentavam sempre

54. Márcia Porto

S/ Título, 1996

Acrílico s/ papel

30 x 35 cm

55. Márcia Porto

S/ Título, 1996

Grafite s/ papel

40 x 20 cm

Um desejo latente de sanar uma saudade que me acompanha desde a

infância é

tativas, de trocas tão raras em nossos dias.

O que havia atrás daquela imagem? A expressão de autoridade dos homens e de

aceitação das mulheres. Os adornos, a roupa nova, a produção idealizada. A foto

“surpresa”, o registro dos bens, os desastrosos encontros familiares envernizados

nos sorrisos, o tempo em que os velhos eram crianças, a transferência dos

poderes matriarcais. Mas, formalmente, o que mais me chamava atenção

naquelas fotos eram as meninas com seus vestidos e babados, seus cabelos,

suas tranças. Aquelas meninas pareciam sair de um livro infantil, silenciosa e

cuidadosamente. Eram personagens que eu não decifrava.

que me move a trabalhar. Álbuns antigos de fotografia, de qualquer

família, me interessam muito e vejo a história da arte como um imenso álbum de

recordação. Lembro-me quando o desenho começou a apoiar essa memória,

invertendo muitas vezes esse papel onde, hoje, a memória apóia o desenho.

Desde pequena esta transformação me fascina. As velhas caixas de fotos de

família abertas após o almoço de domingo eram tesouros. As dedicatórias

carinhosas como rituais obrigatórios a padrinhos, avós e tios distantes, vêm

carregadas de possibilidades interpre

Em seu texto Os Ritos da Vida Privada Burguesa, Anne Martin-Fugier

fala que:

O cotidiano, por essência banal, assume um valor

positivo se as ninharias que o compõem são convertidas em

ritos dotados de uma significação sentimental (...) No espaço

burguês, a repetição não é rotina. Ela ritualiza, e o ritual dilata

o momento: antes, ele é aguardado e fazem-se os

preparativos; depois ele é objeto de comentários e reflexões.

O prazer está na espera dos momentos que pontuam o dia. A

ritualização confere seu valor de felicidad nto

destinado a se transformar em lembrança (Martin-Fugier,

1991,p.193 ).

uardo as lembranças daqueles almoços de domingo e de toda

e ao acontecime

ritualização doméstica delegada às mulheres.

56. Márcia Porto

S/ Título, 2007

Nanquim s/ papel

8 x 12 cm

Quando eu era criança morávamos à beira da linha do trem e nos

condiciona

por sua velocidade. A velocidade que não vivíamos. Aquelas imagens

velozes das pessoas e seus destinos misteriosos. O trem das duas da tarde

passava sempre que os lençóis eram pendurados no varal. Eram todos brancos e

o som de seus movi

As bacias

assepsia, da ordem

doméstica será sem

sabem onde guarda

nquim sobre papel. Seus papéis

mantêm uma imensidão branca em contraste com grupos de mulheres

remendando, lavando, passando. O que poderia ser uma cena banal de afazeres

domésticos, em sua narrativa, ganha ares de conto de fadas às avessas.

Como neste desenho chamado Ironing (2003) em que vemos duas

mulheres “passando” tranqüilamente uma terceira que já perde em volume. Pelas

peças de roupas no chão se vê que outras já foram “passadas”. A imagem é muito

estranha, essas mulheres usam roupas do dia a dia, uma é mais velha, o que dá a

sensação de que este seja um ritual feminino por gerações. Elas portam dois

ferros de passar cada uma, como armas. A cena é extremamente cruel e

melancólica. Um extermínio promovido pelos conflitos da rotina.

mos a seus horários e apitos. Subíamos no muro para sentir o vento

provocado

mentos se confundia nas estórias contadas por Nazareth.

de alumínio brilhante lutavam contra o encardido a favor da

doméstica. A certeza do lugar das coisas. Manter essa ordem

pre um mistério. Onde guardar as coisas? Todas as mulheres

r as coisas. Eu nunca soube onde guardar as coisas.

A artista americana Amy Cutler discute também estes rituais

domésticos. Ela trabalha com guache e na

rente ao fato de

ue, as que estão construindo o muro estão deixando seus vestidos presos,

urados com os tijolos. Uma cumplicidade silenciosa.

57. Amy Cutler

Passando, 2003

Guache s/ papel

40 x 55 cm

Num outro trabalho não menos misterioso, a artista apresenta um grupo

de mulheres com roupa de luto construindo um muro de tijolos, num terreno onde

árvores foram destruídas, enquanto outro grupo empina pipas no céu com

grandes carretéis de linhas. Este segundo grupo parece indife

Por mais que as imagens nos apresentem mulheres que aparentam

nascer de séculos passados, a artista confirma encontrar inspiração desde fatos

s, como Guerra do Iraque, até em programas de reality show na

58. Amy Cutler

Ensaio, 2004

Guache s/ papel

76.7 x 104.8 cm

o, visto por muito tempo

como um lugar masculino, com o universo doméstico, feminino. Metáforas de

construção e destruição que o próprio tema trava historicamente, são

políticos atuai

televisão.

Tracey mescla muito bem o universo públic

apresenta

resente sem a necessidade da repet

nte presente na exau

esso, como num

sego, ordená-lo e silenc

59. Márcia Porto

dos aqui através da delicadeza da linguagem e com uma sutileza sobre

o mundo feminino, que o faz universal.

Apesar de seus trabalhos serem imagens únicas, o poder narrativo est

ição. Para mim, o repisar cotidiano, precisa

stão da repetição. Como se eu só me

oro de vozes dissonantes onde, caberia a

iá-lo.

A partida, 2008.

Aguada de nanquim s/ papel

série de 17 desenhos de 25 x 15 cm

estar fisicame

percebesse no exc

mim, para meu sos

Com esta saudade, esta incompletude que sentia na infância, criei um

mecanismo extremamente confortável e lúdico. Despertou-me um interesse pelo

outro e suas histórias. Inconscientemente, fui assumindo personalidades dos

meus colegas, das estórias que lia, filme a que assistia e de tudo que passava

uperior às minhas próprias e naturais

os em frente ao espelho

desenhar iniciou um processo de

uma só, criando

se chama Celeste. Seu

mentar sobre tudo. Fui armazenando as

eu álbum de memórias não

onal, abstrata e obsessiva. Um desejo

de construir uma vida.

60. Márcia Porto

Série O diário de Celeste,

2006.

Nanquim s/ papel

20 x 30 cm cada

ao redor e fosse, para mim, enormemente s

reações e fatos do fluxo da vida. Tecia iálogos infinit

imitando aquelas tão admiradas pessoas.

Após rever aqueles papéis, o ato de

pensamento e aquele grupo de mulheres foi se resumindo em

vida própria a ponto de hoje ter nome e moradia. Ela

trânsito é livre. Ela vai a lugares a que eu não iria, tem pensamentos que eu nunca

teria. Através de Celeste eu posso co

imagens desta mulher em mim, como se eu fosse s

cronológicas. Um arquivo de memória ficci

e trabalhos em pequeno formato que

apresenta seu diário desde sua concepção.

Ele é elaborado sem ordem cronológica, mas

suas lembranças, o que não garante que todas as anotações se refiram

exclusivamente à sua própria vida.

Um elemento essencial para “equilibrar” essa obsessão eu encontrei na

repetição e quantidade de trabalhos. Tenho um volume grande de trabalhos e é

na repetição da mesma personagem que construo um estado de tensão entre a

minha presença e a dela.

Este processo se desdobrou em algumas frentes de trabalhos que são

realizados simultaneamente. Há a série d

61. Márcia Porto

Série O diário de Celeste, 2006.

Nanquim s/ papel

20 x 30 cm cada

segue somente o fluxo de

Uma outra série é a apresentação de seu mundo, sua rotina e seus

discretos

50 x 70 cm cada

A terceira série é a presença de Celeste em nosso mundo. Nesta série

a mudança de linguagem veio naturalmente como se acompanhasse a sua

própria reação perante a relação do interior com o exterior. São plotagens de

jornais ilustrados com suas imagens em pequenas telas a óleo.

e freqüentes conflitos.

62. Márcia Porto

Série O mundo de Celeste, 2006.

Nanquim s/ papel

63. Márcia Porto

Série Celeste no mundo, 2005.

Plotagem s/ papel

Medidas variáveis

100

64. Márcia Porto

S/ título, 2007.

Nanquim s/ papel

15 x 10 cm cada

Na quarta série ela assume uma narrativa em primeira pessoa e cria

enredos que nunca encontram um final.

A gravidez, o filho que vem com suas partes e as partes de outro. Um

filho que nasce gerando um desejo de ser múltipla. Subjetividades que v m do

aparecimento de outro ser. Uma passagem para um clima claro de incertezas. O

olhar do filho. Alguém que te olha, segue e vigia. Este encontro faz com que você

se olhe, siga e vigie.

101

Desenhos são, na maioria das vezes, objetos de

papel e alguns acreditam que desenhar é a tarefa mais rápida

da arte. Mas a arte deve muito ao “quase nada” e desenhos

permanecem como sorrisos indo, desprevenidos, em direção

ao esquecimento (...) As linhas deveriam tocar o papel sem

perturbar o silêncio branco e permanecer o tempo suficiente

para marcar o gesto que torna possível a imagem. Só assim,

tempo, imagem e superfície podem ser recíprocos e ao

mesmo tempo transparentes (Caldas, 2007, p. 31).

5. Márcia Porto

Série As Gêmeas, 2000.

Nanquim s/ papel

20 x 30 cm

102

103

Imagem do ateliê

2007

66. árcia Porto M

Desenho e a Ambiência

Após este reencontro com meus desenhos, o diário serviu como uma

rma de ordenamento. Eles não são vistos como trampolins para um futuro

abalho, mas uma ferramenta fundamental de exercício poético.

Paralelo aos diários, as paredes do ateliê funcionavam como grandes

lbuns de recordação, estimulando a reflexão e oferecendo uma orientação sobre

o tempo do olhar. A transparência da sala dando fluidez e luminosidade. A

sob o de imagens com as paredes tomadas de memória visual,

desdobrando infinitos enredos.

Meu trabalho ganha força no conjunto de obras. São grupos de

trabalhos e não a obra única. E a soma deste fazer cotidiano que é relevante. Os

desenhos seguem o fluxo da vida. A pergunta que surgiu foi como colocá-los na

vida, visto que o limite entre o espaço da arte e o espaço da vida fica cada vez

mais tênue. Passei a refletir que neste processo a ambiência é fundamental, ou

seja, meu trabalho não é uma folha de papel, mas este lugar. Comecei por olhar o

espaço do ateliê e sua construção diária somando significados.

reposiçã

104

67. Márcia Porto

Imagens do ateliê

2007

105

106

O desenho possibilita ver o outro lado do mundo.

Ver o que já esteve lá desde o começo.

Ver o que não se mostra.

Ver o que se oculta no opaco das superfícies.

Desenhar é de alguma forma vencer a opacidade.

O desenho, assim como a pintura, é artifício de

que o mundo dispõe para falar de si

(Fingermann,2007,p.93).

107

Meus trabalhos são em pequeno formato. Uso aguada a nanquim e

pena sobre papel. O papel é uma pele branca. Seu espaço se apresenta pleno de

possibilidades. A composição foi meu primeiro instrumento de descoberta poética.

Na realidade foi a possibilidade da permanência do vazio e sua expansão que me

atraiu.

Aquela imensidão é um grande estímulo, uma sensação de poder criar

mundos novos. A própria materialidade sugere profundidade e esconderijos.

Poder manifestar um estado de contraste entre letargia e movimento, criar um

constante estado de vida em suspensão é converter um gesto em significado, em

expressão.

Cada marca de nanquim soando como uma confirmação, não de

certezas, mas de buscas, dúvidas e inseguranças. Traçar é confirmar a

perplexidade diante da vida e do tempo.

rópria linguagem da aquarela está intrínsica a questão do

movimento da água sobre o papel. A água vista a partir do conceito de água

feminina de Bachelard

onde a

de mulher paisagem. Sua idé mamente

atraente.

Tecnicamente parece ex

um tem total consciên ia de que a ceder, se deparar com

seus limites e desfrutar do acaso. Há uma discreta dramaticidade na aquarela que

é o fato de não haver retorno. Portanto, muita observação e pouca ação. E este

discreto movimento, o tempo do desenho com o tempo da água, vem como

Na p

mulher é projetada na natureza, tomando o lugar

ia de donzela dissolvida me é extre

istir um acordo entre a água e o artista, onde cada

vai entrar neste jogo parc

BACHELARD, Gaston. A Água e os Sonhos. São Paulo, Editora Martins Fontes, 1989.

108

contrapon

A composição se resolve no diálogo: figura x água x espaço. O

pensamen o não é aonde colocar a forma, mas qual a extensão do espaço ficará

vazio, im

linguagem do desenho na contemporaneidade extrapola os limites da

bidimensio

usada para produzir uma linha baseada

numa composição (...) o desenho hoje oscila do monumental ao micro, do

conceitua

, 2006, p. 6) faz a introdução do livro. Ela apresenta dois aspectos

principais para o desenho hoje: o conceitual, “discurso teórico do desenho”, que

tem um

romântico”. E é este aspecto do desenho que diz respeito a esta pesquisa.

to como que dizendo: aqui, neste limite, você vai imaginar como seria

poder se movimentar, ir e vir. A água direciona, carrega e assenta deixando uma

marca de seu trajeto, uma mancha de memória.

aculado, um silêncio dos ausentes, em contraste com outro ponto

pequeno da folha, com uma pequena forma que se impõe pelo detalhe, sem

rumor. É esse espaço vazio que tenta “cavar” um movimento para a figuração fixa

da mulher.

nalidade do papel. A apresentação do livro Vitamin D – New

Perspectives in Drawing, anuncia que desenho para aquela edição é “definido

como um processo de fazer uma marca

l ao tridimensional, do branco e preto ao colorido (Vitamin D, 2006, p.5).”

A curadora de Arte Contemporânea do Tate Modern, Emma Dexter

(Vitamin D

a marca abstrata que se relaciona com o poder simbólico das origens

primitivas. Ela chama este aspecto de “pós-conceitual”. O outro aspecto não

baseia o desenho com “um entendimento filosófico ou teórico”, mas “nas áreas da

experiência humana, associando o desenho com: intimidade, informalidade,

autenticidade (ou pelo menos com autêntica inautenticidade), imediatismo,

subjetividade, história, memória, narrativa”. Ela chama este aspecto de “novo-

109

As três artistas escolhidas como referência no segundo capítulo

trabalham associando à linguagem do desenho uma forte narrativa. O “aspecto

novo-romântico” citado por Dexter se aproxima das questões que essas artistas

levantam.

Outras Referências

e mais

me impressiona é como Shakespeare permite desdobramentos, interpretações

extremamente intimistas e ao mesmo tempo universais.

Todas se entendem na imagem, no trabalho anotativo e na sua

elaboração visual.

“Isso não é nada, e é mais que tudo” (Shakespeare, 1997,p.107)

A literatura e o cinema são grandes referências em meu trabalho.

Apresento a seguir dois exemplos e suas conseqüências na vida de Celeste.

Quando li Hamlet, a personagem Ofélia gerou um poderoso fascínio em

mim. O desejo se encontra colado à pele da personagem. Quanto mais leio e

mais desenhos faço, mais indecifrável Ofélia se torna. É uma atração não do que

vejo, mas do que eu não vejo, do que eu não sei. Como se ela fosse velada em

certos momentos, camuflada.

Comecei a pesquisar e me deparei com uma enorme quantidade de

artigos, teses, poesias, músicas e imagens inspiradas em Ofélia na atualidade. Os

argumentos são dos mais variados tais como: sua feminilidade, sua obediência e

sujeição, sua virgindade e vida sexual, a música e sua loucura, etc. O qu

110

O artista americano

Gregory Crewdson (1962) faz

fotografias de contrastes

impactantes. Sua série chamada

Twilight faz alusão à morte de

Ofélia em Hamlet e à famosa

pintura do artista pré-Rafaelita

John Everett Millais.

Para Crewdson Ofélia representa “um evento catártico, algo triste e

bonito ao mesmo tempo”.

A Ofélia de Crewdson se “afoga” na rotina doméstica. Sua palidez nos

mostra o

e a grande magia da obra de Shakespeare: sua

atualidade por amor ou como sugere a Ofélia

contempo

abandono da morte e a indiferença vista numa silenciosa cena da vida

doméstica.

Elaine Showalter

em seu artigo “Uma perspectiva feminista de Ofélia’

pergunta se a loucura da personagem deriva da opressão das mulheres na

sociedade como na tragédia. E vai além: Ofélia representa o textual arquétipo da

mulher como louca ou a loucura como mulher? Claro que estamos falando de

épocas distintas, mas aí resid

. Uma mulher moderna morre

rânea de Crewdson, de solidão?”.

Showalter, Elaine. The New Feminist Criticism. Essays on women, literature a

New York, NY, Pantheon Books, 1985.

nd theory.

111

68. Márcia

cada

Porto

Série Ofélia, 2006

Nanquim s/ papel

15 x 10 cm

112

Atualmente meu filme obsessivo é na realidade uma trilogia do cineasta

dinamarquês Lars Von Trier. Ele foi criador em 1995 do estilo Dogma, que

apresentava um manifesto com rigor estético onde o cinema deveria ser mais

simples e natural, sem efeitos mirabolantes, ausência de trilhas sonoras

esfuziantes e uma câmera impessoal. Todo esse rigor já não se apresenta por

completo em suas últimas obras, mas não deixou de nortear sua poética.

Tendo como base a análise processual e a organização das idéias

relativas ao meu trabalho, comentarei a seguir pontos do filme que façam

paralelos aos desenhos.

O filme “Dogville” se passa na época da Grande Recessão Americana,

chamado Dogville. Grace, uma bela

ece no lugar ao tentar fugir de gângsters. Com o apoio de

nado porta-voz da pequena comunidade, Grace é escondida

pela pequena cidade e, em troca, trabalhará para eles. Fica acertado que após

duas semanas ocorrerá uma votação para decidir se ela fica. Após este “período

de testes” Grace é aprovada por unanimidade, mas quando a procura por ela se

intensifica os moradores exigem algo mais em troca do risco de escondê-la. É

quando ela descobre de modo duro que nesta cidade a bondade é algo bem

relativo. No desfecho da trama Grace muda sua atitude e revela seu segredo.

A clareza do texto e a apresentação de um leque de relações humanas,

de um estudo de personagens é inspirador. Lá está a misericordiosa, o bandido, o

hipocondríaco, a beata, o arrogante, a presunçosa, etc. O povo deste lugarejo é

bom, honesto, trabalhador. Mas quando recebe o poder de comandar a vida de

uma pessoa, as grandes e boas intenções se corrompem. Esta fragilidade

humana que, sob pressão, comanda as atitudes da protagonista para lugares

num lugarejo nas Montanhas Rochosas

desconhecida, apar

Tom, o auto-desig

113

desconhecidos, me interessa muito. Pois quase que inevitavelmente, quando não

há satisfa

a, uma

topografia humana da tradição daquele lugarejo.

strando os personagens em seus afazeres domésticos, o

que nos dá a falsa sensação de conhecermos estas pessoas, sua intimidade. Mas

este olhar

história. Sem a sedução cromática, as expressões ganham destaque e foco. Não

há dia ou

ção, essas atitudes transbordam em crueldades, ameaças e castigos.

O cenário apresentado como um planta-baixa é um desenho e o chão

marrom remete a uma folha de papel. Lars Von Trier fala da influência de Bertold

Brecht neste filme, o que justifica seu aspecto teatral. Os nomes dos moradores

se encontram escritos na planta em suas respectivas casas. Um map

Como não há paredes vemos a cena principal ocorrendo e outras

secundárias ao fundo mo

para por aí. Não há horizontes em Dogville, as estradas e saídas são

comentadas, mas não vistas. Todo este “apagamento” isola ainda mais aquele

universo. Nada é supérfluo ou superficial. Aqui as ausências fazem parte de uma

estratégia que é nos prender na trama.

A monocromia os identifica como grupo e também os padroniza.

Mantém um ritmo de matizes de tons de terra. Ela enfatiza o volume num cenário

de poucos objetos.

A luz acompanha a revelação de cada personagem no andamento

noite em Dogville. A monocromia indica um não-lugar, uma hora sem

hora.

O filme contém um prólogo, que nos apresenta a cidade e seus

habitantes, mais nove capítulos. Tudo narrado num ritmo uniforme, a voz não se

altera. Esse corte no andamento dos intertítulos nos dá a mesma sensação de

114

quando assistimos a uma novela ou quando lemos um livro e queremos já saber o

que está por vir. Ao mesmo tempo o narrador nos aproxima mais de uma ficção,

os põe no trilho e nos prende na trama. Poderíamos pensar que esse recurso

nos condi

liberdade, que apesar de todos

os tormentos que sofre em Dogville continua a saga no segundo filme da trilogia.

Ela diz que quer fazer um mundo melhor, nem que o “seu” melhor seja exterminar

uma cida

ser alcançado individualmente. Engraçado

porque talvez isto justifique sua aparência de pureza com uma dependência de ter

sempre uma grande causa para viver. Basta dizer que em Manderlay ela tentará

libertar e c

“sua bondade”.

s recursos técnicos. Foram 250 desenhos feitos a nanquim no formato de

16x25 cm, resultando em quatro movimentos por segundo o que enfatiza seu

caráter ar

cionaria a uma leitura fechada, mas não é o que ocorre. O texto, por

mais diretivo que pareça, nos abre várias questões de reflexão das relações

humanas.

Grace é uma heroína, um apóstolo da

de inteira. Grace é doce, porém, absolutista. Sua compaixão é

ingenuamente prepotente. O diálogo final que ela trava com seu pai gângster é

intenso. Eles discutem sobre o grau de arrogância de ambos.

Grace, na língua inglesa também é uma expressão cristã que significa

um “presente de Deus” e que não pode

onverter uma comunidade negra que, apesar da abolição, continua

escrava. Mas como em Dogville, seu destino ainda é fugir, correr deste mundo

que não compreende

Essas fugas de Grace em função de sua busca do que é “justo” e

“correto”, me levou a dar movimento à Celeste. Foi um processo artesanal sem

grande

tesanal.

115

É claro que o resultado não tem a pretensão de alcançar a linguagem

de um desenho animado. A possibilidade de trabalhar repouso e movimento me

encantou e abriu uma nova frente de trabalho.

Minhas fontes reproduzem minhas experiências pessoais tanto quanto

referências de outras linguagens artísticas que comentem sobre as relações

interpessoais, disparando conexões visuais.

116

através da imagem.

Quando penso em por que desenho, vem-me em mente simplesmente

porque o desenho me conduz à auto-reflexão. Eu também procuro me entender

117

CONCLUSÃO

contemporânea, expôs questões que demonstram a ligação

tênue entre o espaço da arte e o espaço da vida. Porém, este fato não será

uficiente para oferecer à obra um caráter de veracidade. Num constante estado

e recriação a autobiografia e a ficção são quase indistintas.

Iniciei esta pesquisa a partir do que parecia ser um “incômodo poético”.

A falta de clareza entre falar de si e centrar de forma narcisista o discurso artístico

m minha vida, foi o que moveu esta busca de uma “família” para que eu pudesse

ialog as questões que tanto me afligiam. Entendi que falar de si é a condição

umana, porém este discurso deverá estar inserido na reflexão do outro.

Baudrillard diz que “o outro é que me dá a possibilidade de não me repetir ao

finito”. O conhecimento de si perpassa os encontros e desencontros com o outro.

Os estudos teóricos calcados na autoria, narrativa, ficção e história da

rte, proporcionaram, paralelamente, reflexões sobre o meu fazer e minhas

nduziu-me de volta à infância. Fez-me

mbrar fatos e sensações que concluí serem o cerne de meu trabalho. Ficou claro

omo a arte da Antiguidade é uma importante referência, tendo como exemplos

esde a imagem da Donzela Colhendo Flores (pg. 71), vista aos doze anos de

ade até às imagens das ninfas de Botticelli e, também das sessões com modelo

ivo da faculdade.

Observei, através das artistas pesquisadas, que existem vários

esdobramentos quando se trata de uma poética autobiográfica. Em Tracey

revalece o questionamento da veracidade dos fatos narrados por ela. Como se

la própria duvidasse de suas lembranças. Wonsook Kim apresenta uma memória

íbrida. Sua narrativa transita entre duas culturas distintas que tentam dialogar

A proposta desta dissertação em relacionar a autobiografia como

poética na arte visual

d ar

escolhas. Todo o tempo da pesquisa co

118

pela permanência ou não de ambas no mesmo espaço. Louise Bourgeois assume

ue o passado a ajuda a viver o presente. Uma construção autobiográfica como

instrumen

tezas e inseguranças

ue a vida apresenta. Concluí que foi esta sensação que certamente me levou ao

desenho e

alavras que associo a esta produção: medo e perplexidade. Na realidade, uma

autobiogra

urso nestes últimos quatro anos tem em seu início a marca de

m grande desejo, o de colecionar mapas visuais, como aqueles dos velhos

piratas. M

to de auto-reflexão. Comecei a pensar sobre o que me levou a realizar

uma poética autobiográfica e como se dá esta relação com minha produção. Até

este momento penso que meu caminho em direção à autobiografia já não é mais

uma tentativa em decifrar um enigma, mas, ao contrário, entrar em contato com

esta ausência de respostas, com este campo infinito de incer

à aquarela. Esta linguagem tem um caráter dinâmico e direto que me

conecta com a vida. O desenho permite registros cotidianos em gestos de uma

aparência utópica, de trechos de instantes, de verdade. Um controle, remoto, em

dar significação ao tempo. Já a vaidosa água da aquarela transfere toda essa

sensação a um lugar, no qual ela reina e dirige os acasos. Suas névoas e

indefinições são metáforas que vêem ao encontro do meu olhar opaco, que vê,

mas não atua, apenas apresenta, não comenta. Esta reflexão levou-me a duas

fia ficcional é um conforto. Posso, naquele momento, identificar a

personagem, lhe dar créditos seguros. Num outro instante tudo se transforma,

tudo renasce com a grande diferença que, por não se tratar de vida dita “real”, a

atuação do outro se faz num contato físico com a obra e não com seu autor. Nesta

experiência de representação de novas realidades, o “fingir” ganhou status de

processo.

Meu perc

uitas vezes indecifráveis, simuladores. Mas também enigmáticos em

suas pistas fazendo com que eu me perdesse, me abandonasse. Como resultado,

aceitei me aventurar por águas novas, contemplando a topografia estrangeira ou

sendo tragada pela imensidão do meu medo.

119

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