( PDF ) Leitura e releitura no ensino fundamental: cidade e arte

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UNIVERSIDADE FEDERAL DO RIO GRANDE DO SUL

FACULDADE DE EDUCAÇÃO

PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM EDUCAÇÃO

LEITURA E RELEITURA NO ENSINO FUNDAMENTAL: CIDADE E ARTE

Mara Aparecida Magero Galvani

Porto Alegre

2005

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Mara Aparecida Magero Galvani

LEITURA E RELEITURA NO ENSINO FUNDAMENTAL: CIDADE E ARTE

Dissertação apresentada ao Programa de

Pós-Graduação em Educação da

Faculdade de Educação da Universidade

Federal do Rio Grande do Sul, para

obtenção de título de Mestre em

Educação.

Orientadora: Profª. Drª. Analice Dutra

Pillar

Co-orientadora: Profª. Drª. Maria Helena

Wagner Rossi

Porto Alegre

2005

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Ao Giovani, meu companheiro e amigo, pelo amor e cumplicidade intelectual.

A minha família querida, pelos doces laços que sempre me sustentaram.

Ao concluir este trabalho, quero agradecer...

À Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), através da Faculdade de

Educação e do Programa de Pós-Graduação em Educação, pela oportunidade de

prosseguir no mundo acadêmico.

À Profª. Drª. Analice Dutra Pillar, pela sabedoria e delicadeza ao apontar olhares

sensíveis na Arte e por clarear minhas angustias nessa árdua, mas prazerosa aventura.

À Profª. Drª. Maria Helena Wagner Rossi, pelo incentivo constante nesses anos de

aprendizagem, fundamental para que eu continuasse estudando a leitura de imagem.

Ao Grupo de Pesquisa em Educação e Arte (GEARTE da FACED/UFRGS),

coordenado pela Profª. Drª. Analice Dutra Pillar, pela convivência sensível e pelas

muitas interações, que contribuíram, significativamente, para a realização deste

trabalho.

Às turmas 51 e 52, do ano de 2003, do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral, de

Antônio Prado – RS, especialmente aos seis sujeitos desta pesquisa, pela

disponibilidade constante, a qual possibilitou que eu acreditasse apaixonadamente na

realização desta dissertação.

À direção do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral, supervisão pedagógica,

educadoras e funcionárias, pelo carinho, respeito e boa vontade em ceder seus tempos

e espaços para que eu pudesse tornar este trabalho possível.

Aos pais e responsáveis pelos educandos, por colaboraram com as entrevistas.

Às educadoras das demais escolas de Antônio Prado, pela disposição, em responder as

entrevistas.

A Paulo Freire, meu eterno respeito, pelo legado deixado. Aprendi através de seus

escritos que só é possível ensinar e aprender quando existe aproximação e

identificação com o outro.

À artista plástica Neusa Welter Bocchese, pelo incentivo artístico que recebi desde a

infância. Pela sua presença na Escola, pela colaboração nesta pesquisa e por sua arte

registrar a arquitetura da cidade.

Ao Atelier de Artes Visuais de Antônio Prado (ARVI), pelo convívio inicial com o

mundo da arte.

A todos que colaboraram para a realização desta dissertação que ora se apresenta, com

imagens, gestos e palavras; enfim, a todos aqueles que olham o mundo com atenção.

E, finalmente, a Antônio Prado, cidade onde nasci e que vive nessas páginas.

É preciso despertar e treinar a sensibilidade, a atuação dos sentidos, na vida que se

vive. Obras de arte, consagradas ou não, apenas ganham significação na medida em

que podem ser vinculadas às experiências efetivamente vividas pelas pessoas. E tais

experiências precisam ser estimuladas e desenvolvidas, num modo sobretudo sensível,

antes de intelectual (DUARTE Jr., 2003, p. 186).

RESUMO

Esta dissertação analisou a leitura e a releitura de imagens de educandos do Ensino

Fundamental da rede pública, aos quais se propôs um olhar sensível, estético e crítico sobre a

cidade e a arte. Os pressupostos teóricos foram os estudos sobre a compreensão estética

realizados por Parsons e Rossi, as discussões de Duarte Jr. acerca da educação do sensível e

os trabalhos de Wilson & Wilson e de Cox, que consideram a influência das fontes externas

nos desenhos das crianças. No ensino da arte, em geral, predominam atividades de atelier,

sem uma discussão sobre as imagens da arte, do meio ambiente e da produção dos estudantes.

Quando as imagens são apresentadas na escola, os artistas locais são negligenciados em favor

das reproduções de obras consagradas. A pesquisa consistiu em realizar atividades de leitura e

releitura, tendo por foco a cidade, com 50 educandos, com idades entre 10 e 11 anos, de duas

turmas de 5ª série do Ensino Fundamental do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral, de

Antônio Prado, RS. Para a análise dos dados foram selecionados seis sujeitos, dentre os 50,

segundo tais critérios: três com alguma familiaridade com imagens da arte e três sem

familiaridade; mesmo número de ambos os sexos; mesmo número de moradores da área

central e de bairros e diferentes instituições de ensino de origem. Trata-se, portanto, de um

estudo de caso do tipo etnográfico. Optou-se pela pesquisa qualitativa, descrevendo os

processos dos educandos através de questionários, entrevistas semi estruturadas e atividades

de leitura e releitura de imagens, bem como interação com a arte, eventos e espaços da cidade.

A análise dos dados permitiu concluir que os sujeitos demonstraram uma compreensão

estética coerente com o Segundo Estágio da teoria de Parsons, em que a ênfase é no tema

(incluindo as idéias de beleza e realismo), e com o Nível I da classificação de Rossi, no qual a

leitura é guiada pela concretude do mundo representado nas obras. Pôde-se constatar que

houve relação entre as leituras e as produções (inclusive releituras) dos educandos, isto é, a

ênfase no tema e nos aspectos concretos da obra presente nas leituras também foi visível em

seus trabalhos. Ainda, ficou evidente a influência das representações da cultura visual dos

educandos nos seus desenhos, confirmando as idéias de Wilson & Wilson e de Cox. Os

desenhos dos sujeitos que tinham familiaridade com as imagens da arte apresentaram-se mais

elaborados do que os desenhos dos que não tinham familiaridade. Não foram encontradas

diferenças significativas na compreensão estética entre os estudantes com alguma

familiaridade com imagens da arte e os que não tinham familiaridade. Atribuiu-se tal fato à

carência de uma prática de discussão estética na escola.

Palavras-chave: Ensino de Artes Visuais, Leitura estético-visual, Releitura, Ensino

Fundamental, Cidade e Arte.

ABSTRACT

This dissertation analyzed the reading and rereading of the images of Elementary students

from a public school; to which a sensitive, esthetic and critical look was proposed about the

city and art. The theorical implied were the studies about esthetic comprehension done by

Parsons e Rossi, the discussions of Duarte Jr. About the education of the sensitive and the

works of Wilson & Wilson, who consider the infuence of external sources in children draws.

In the teaching of art, in general, predominate atelier activities without discussion about the

images of the art, environment and the production of the students. When the images are

presented in the school, local artists are neglected in favor of the consecrated reproductions.

The research consisted in reading and rereading activities, having in focus the city, with 50

students, between 10 and 11 years old, of two 5

grade classes of the elementary level of

“Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral”, at Antônio Prado, RS. For the analysis of the

data, were selected six people, among the 50, According to these criteria: three with some

familiarity with art images and three without familiarity; same number of both sex, same

number of residents of the central area and neighborhoods and different educational

institutions of origin. So, it’s a case study of the ethnography type. The qualitative research

was choosen, describing the students process by questionaries, half-structuralized interviews

and reading and rereading activities of the images, as well as interaction with art events and

spaces of the city. The analisis of the data permitted me to conclude that the people

demonstrated an esthetic comprehension coherent with the second stage of the Parsons theory,

in wich the emphasis is the theme (including the ideas of beauty and realism), and with the

Rossis’s level I classification, in wich the reading is guided by the concreteness of the

represented world in the works. It was possible to verify that was a relation between the

reading and productions (including rereading) of the students, that is to say, that the emphasis

in the theme and in the concrete aspects of the work, also pretend in the readings, was visible

in their works. Also, was evident the influence of representations of the visual culture of the

students in theirs draws, confirming the ideas of Wilson & Wilson and Cox. The draws of the

people who had familiarity with the art images were more sophisticated than the draws of the

ones who hadn’t familiarity. Weren’t found signicant differences in the estethic

comprehension between the students with some familiarity with the art images and the ones

without familiarity. This fact, was attributed to a need for a practice of esthetic dimension

discussion at school.

Key-words: Visual arts teaching, esthetic-visual reading, rereading, elementary teaching, city

and art.

SUMÁRIO

ÍNDICE ICONOGRÁFICO................................................................................................. 11

MINHA TRAJETÓRIA ...................................................................................................... 14

INTRODUÇÃO .................................................................................................................... 30

1. PRESSUPOSTOS TEÓRICOS ...................................................................................... 35

1.1. OLHAR É MAIS DO QUE VER ................................................................................... 38

1.2. OLHAR A CIDADE ....................................................................................................... 48

1.3. PAULO FREIRE E LEITURA DO MUNDO ................................................................ 60

1.4. AS MUNDANÇAS NO ENSINO DA ARTE NO BRASIL: LEITURA, PRODUÇÃO E

CONTEXTUALIZAÇÃO ...................................................................................................... 63

1.4. A releitura como prática escolar .................................................................................. 70

1.5 ESTUDOS SOBRE A COMPREENSÃO ESTÉTICA .................................................... 73

1.5.1 A compreensão da arte conforme Parsons ................................................................ 73

1.5.2 O pensamento estético segundo Rossi ....................................................................... 77

1.6 O DESENHO E AS INFLUÊNCIAS CULTURAIS ................................................... 79

2. A PESQUISA ..................................................................................................................... 84

2.1. OS EDUCANDOS ................................................................................... ...................... 89

2.2. OS EDUCADORES ...................................................................................................... 93

2.3. PROCEDIMENTOS ..................................................................................................... 96

2.4. SITUAÇÃO EXPERIMEMTAL ................................................................................. 98

2.5. PROPOSTA DE TRABALHO ....................................................................................100

2.5.1. Guernica e Festival de Arte e Cultura .....................................................................101

2.5.2. As árvores na cidade e na arte ..................................................................................115

2.5.3. O Museu.......................................................................................................................128

2.5.4. Universo feminino e cotidiano escolar.......................................................................130

2.5.5. A arte da cidade ..........................................................................................................141

2.5.6. Lambrequins: olhando os detalhes da cidade ..........................................................154

2.5.7. Olhar as casas da cidade ............................................................................................162

2.5.8. Desenhando uma cidade ............................................................................................170

2.5.9. Desenhnando a cidade de Antônio Prado ................................................................181

3. CONSIDERAÇÕES FINAIS ..........................................................................................195

4. REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS ...........................................................................210

5. LISTA DE IMAGENS .....................................................................................................217

ANEXOS ...............................................................................................................................224

ANEXO A - QUESTIONÁRIO AOS PAIS .......................................................................225

ANEXO B – QUESTINÁRIO AOS EDUCADORES DA EDUCAÇÃO INFANTIL A 4ª

SÉRIE ....................................................................................................................................227

ANEXO C – QUESTINÁRIO AO EDUCANDOS ........................................................... 229

ANEXO D – DECLARAÇÕES ...........................................................................................231

ANEXO E – CENTRO HISTÓRICO DE ANTÔNIO PRADO ......................................236

ÍNDICES ICONOGRÁFICO

Fig. 01: Detalhe Janela ............................................................................................................15

Fig. 02: Rrua Luiza Bocchense – Fotografia ...........................................................................18

Fig. 03: Rua Luiza Bocchense – pintura...................................................................................18

Figs. 04,05,06 e 07: Mostra Coletiva do ARVI na Casa da Neri ............................................20

Fig. 08: Capitéis .......................................................................................................................22

Fig. 09: tempo de internato ......................................................................................................22

Fig.10: Recortando, recordando ..............................................................................................23

Fig.11: Jogo das Cinco Marias ................................................................................................23

Fig.12: Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral .................................................................27

Fig. 13: A formatura no Jardim de Infância ............................................................................28

Fig. 14: Guernica ...................................................................................................................101

Fig.15: Releitura da Guernica realizada por Rita...................................................................105

Fig. 16: Releitura de Guerrnica realizada por João ...............................................................108

Fig. 17: Releitura de Guernica expostas em uma das vitrinas do Festival ...........................112

Fig. 18: Pereira em Flor.........................................................................................................116

Fig. 19: Os Ciprestes..............................................................................................................116

Fig. 20: A Árvore Vermelha....................................................................................................116

Fig. 21: A Árvore Cinza .........................................................................................................116

Fig. 22: Educando na Trilha Ecológica do Arroio .................................................................121

Fig.23: A volta ao Colégio depois da Trilha Ecológica ........................................................122

Fig. 24: Primeiro desenho de uma árvore realizado por Rita ................................................123

Fig. 25: Segundo Desenho de uma árvore realizado por Rita ...............................................124

Fig. 26: Primeiro desenho de uma árvore realizado por Joana ..............................................125

Fig. 27: Segundo desenho de uma árvore realizado por Joana ..............................................126

Fig. 28: Visita ao Museu Municipal ......................................................................................129

Fig. 29: Restos de lambrequins ..............................................................................................129

Fig. 30: Capitel ......................................................................................................................129

Fig. 31: Capitel Sto. Antonio..................................................................................................129

Fig. 32 e Fig. 33: Visita à mostra coletiva .............................................................................130

Fig. 34: Réplica das casas tombadas .....................................................................................132

Fig. 35: Casa Francisco Grazziotin ........................................................................................134

Fig. 36: Tricô – Díptico .........................................................................................................138

Fig. 37: Tricô – desenho realizado por Rita ..........................................................................139

Fig. 38: Tricô – desenho realizado por Matheus ...................................................................139

Fig. 39: Farmácia Palombini – fotografia .............................................................................142

Fig. 40: Farmácia Palombini – pintura .................................................................................142

Fig. 41: Releitura da Farmácia Palombini realizado por Maria ...........................................145

Fig. 42: Releitura da Farmácia Palombini realizado por João .............................................147

Fig. 43: Neusa Welter Bocchese e sua obra ..........................................................................152

Fig. 44: O encontro com os educandos ..................................................................................152

Fig. 45: A artista fala de sua arte ...........................................................................................152

Fig. 46: Casas tombadas pintadas pela artista .......................................................................152

Fig. 47: Lambrequins em Totens ...........................................................................................155

Fig. 48: Série Lambrequins – pinturas ...................................................................................158

Fig. 49: Série Lambrequins – pinturas ...................................................................................158

Fig. 50: Releitura de Lambrequins em Totensrealizado por Pedro .......................................159

Fig. 51: Releitura de Lambrequins em Totensrealizado por João .........................................160

Fig. 52: Secretaria Municipal de Turismo – fotografia .........................................................163

Fig. 53: Secretaria Municipal de Turismo – pintura ..............................................................163

Fig. 54: Casa da Neni – fotografia .........................................................................................164

Fig. 55: Casa da Neni – pintura .............................................................................................164

Fig. 56: desenho da Casa onde está instalada a Secretária de Turismo, realizado por

Pedro ....................................................................................................................................166

Fig. 57: Desenho da Casa da Neni, realizado por Joana ........................................................168

Fig. 58: Prefeitura Muncipal – fotografia ..............................................................................171

Fig. 59: desenho de Uma cidade, realizado por Pedro ..........................................................172

Fig. 60: Casa Pietro Antônio Giuseppe Grazzioten ...............................................................175

Fig. 61: desenho de Uma Cidade, realizado por Matheus .....................................................176

Fig. 62: Clínica Equilíbrio .....................................................................................................183

Fig. 63: Primeiro desenho de A cidade de Antônio Prado, realizado por Maria ...................184

Fig. 64: Casa do Artesão .......................................................................................................185

Fig. 65: Desenho da A cidade de Antônio Prado, realizado por Matheus .............................186

Fig. 66: O Chafariz da Praça Garibaldi – fotografia ..............................................................189

Fig. 67: O parque da Praça Garibaldi – fotografia ................................................................189

Fig. 68: Segundo desenho de A cidade de Antônio Prado, realizado por Maria ...................190

Fig. 69: Desenho A cidade de Antônio Prado, realizado por Joana ......................................191

MINHA TRAJETÓRIA

De pronto e ao longo da vida aprenderemos sempre com o “mundo vivido”, através de

nossa sensibilidade e nossa percepção, que permitem nos alimentemos dessas

espantosas qualidades do real que nos cerca: sons, cores, sabores, texturas e odores,

numa miríade de impressões que o corpo ordena, na construção do primeiro sentido. O

mundo, antes de ser tomado como matéria inteligível, surge a nós como objeto

sensível. E, de acordo com Nicola Abbagnano, o sensível é “aquilo que pode ser

percebido pelos sentidos. Nesta acepção, ‘o sensível’ é o objeto próprio do

conhecimento sensível, assim como o ‘inteligível’ é o objeto próprio do conhecimento

intelectivo” (DUARTE Jr., 2003, p. 12-13).

ANTÔNIOPRADO:ARTEEARQUITETURA

Fig. 01: Detalhe Janela

O crochê e suas rendas declaram seu amor nas janelas dos casarões, e as toalhas sobre

as mesas de madeira envelhecida decoram o cenário do mundo encantado.

São rendas, bordados, crochês e babados abraçando a vida bucólica que desfila nas

ruas da cidade histórica.

E quem está longe da história se rende de saudade de Antônio Prado, canto de rendas

e poesias (GALVANI, 1992, p. 2).

O universo artístico entrou cedo na minha vida. Com nove anos, planejava minha

estréia na literatura, com o lançamento de um livro de contos. Depois, foram o contato com as

artes visuais (os presentes que recebia de minha mãe eram os livros da série “Mestres da

pintura”), o teatro, a aprendizagem e a troca de experiências com artistas locais. Mais tarde, o

curso universitário propiciou-me um contato mais profundo com a teorização sobre arte, pelo

convívio com educadores, pesquisadores e artistas das mais diversas áreas.

Comecei na adolescência a escrever sobre as particularidades de minha terra natal,

Antônio Prado, RS, meus sonhos e inquietações, tendo participado de coletâneas e recebido

premiações pelos meus poemas. O gosto pelo ato de escrever me levou a trabalhar como

editora, repórter e revisora de textos em jornais da região.

Fiz incursões, também, pelo universo do teatro de bonecos, trabalhando como

atriz/manipuladora, figurinista e responsável pelo cenário de um espetáculo com o qual

percorri escolas de toda a Serra Gaúcha, apresentando peças de cunho educacional.

Mas as artes visuais me fascinavam ainda mais. Comecei, então, a produzir,

inicialmente sob a orientação da artista plástica Neusa Welter Bocchese

. Tempos depois,

tornei-me sua colega no Atelier de Artes Visuais de Antônio Prado (ARVI). Portanto, as aulas

no Atelier, o convívio com seus artistas e as inúmeras mostras realizadas pelo grupo; o

tombamento

das casas

; as visitas ao acervo do Museu Municipal – todo o clima artístico e

Nesta dissertação utilizo, no corpo do texto, apenas o sobrenome dos autores citados, mas quando trato de

artistas locais, como no caso de Neusa Welter Bocchese, uso o nome e sobrenomes, conforme ela assina suas

obras.

De acordo com o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional – IPHAN (1985 apud ROVEDA, 2003,

p. 54-55) [...]: o tombamento é um ato administrativo realizado pelo poder público, com o objetivo de preservar,

por meio da aplicação da legislação específica, bens de valor histórico, cultural, arqueológico, ambiental e

também de valor afetivo para a população, impedindo que venham a ser destruídos ou descaracterizados. O

tombamento pode ser aplicado a bens móveis e imóveis de interesse cultural ou ambiental, quais sejam:

fotografias, livros, mobiliários, utensílios, obras de arte, edifícios, praças, bairros, cidades, regiões, florestas,

cascatas, etc.

Em 1985, realizou-se o tombamento individual da Casa da Neni, por parte do proprietário (conforme traz a p.

22 desta dissertação) e em 1989, outros 47 imóveis no centro urbano foram tombados pelo IPHAN, por reunir o

maior conjunto arquitetônico de madeira construído pelos imigrantes italianos, que colonizaram a Região

Nordeste do Estado do Rio Grande do Sul no final do século XIX.

cultural em que eu vivia, enfim – foram referenciais para que continuasse educando meu olhar

com relação à cidade, à arte, mais especificamente no contexto do ensino da arte. Aliás, o

simples caminhar nas ruas desta cidade, onde o antigo convive com o contemporâneo, que,

aos poucos, vai se integrando ao cenário urbano, reforçou tal processo. Como lembra Hillman

(1993, p. 39):

A cidade, então, é uma história que se conta para nós à medida que caminhamos por

ela. Significa alguma coisa, ela ecoa com a profundidade do passado. Há uma

presença de história na cidade [grifo meu]. Há muito menos presença de história no

campo – com exceção de uma marca específica numa pequena estrada, uma floresta

em particular, o nome de um campo, ou um riacho que altera seu curso.

Tratando-se da cidade de Antônio Prado

, situada na Região Nordeste do Estado do

Rio Grande do Sul, a história está explícita na arquitetura das casas do final do século XIX e

início do século XX. Em algumas delas estão instalados o Museu, a Prefeitura e a Secretaria

Municipal de Turismo. Outras servem de moradia e/ou abrigam o mais diversificado comércio

– desde lojas de artesanato e de roupas, bazares, bares e floriculturas, até clínicas e empresas

prestadoras de serviços, como escritórios de contabilidade, agências de viagens, salões de

beleza e estúdios fotográficos.

Na cidade, os visitantes podem imaginar como viviam no local os primeiros

imigrantes italianos, em 1886. O tempo parece congelar nos retratos de família “à moda

antiga” feitos pelos fotógrafos na Praça Garibaldi.

Nome dado ao município, criado oficialmente em 11 de fevereiro de 1899, em homenagem a Antônio da Silva

Prado. Segundo Barbosa (1980 apud ROVEDA, 2003, p. 41): Atribuiu-se a 14 de maio de 1886, como sendo a

data oficial da fundação da Colônia Antônio Prado, pois foi nessa data que o engenheiro-chefe da Comissão de

Medição de Lotes, Bacharel Manuel Barata Góes enviou à Província de São Pedro do Rio Grande do Sul um

ofício informando o orçamento com as prováveis despesas para o assentamento de imigrantes na nova colônia

que seria fundada em terras à margem direita do rio das Antas. Nesse mesmo ofício, sugere e solicita ao Exmo.

Ministro da Agricultura a permissão para que seja denominada a nova colônia Paese Novo de Conselheiro

Antônio Prado. Antônio da Silva Prado era Ministro da Agricultura do Império, exercendo importante influência

no Parlamento para a criação de núcleos coloniais no Rio Grande do Sul, o que lhe valeu o nome de uma das

colônias.

O OLHAR NO PASSADO E NO PRESENTE

Resgatadas as origens,

Entrelaçadas as mãos calejadas pela terra fofa e produtiva, germinando sementes de

felicidade pelas ruas da silenciosa cidadezinha.

Uma eterna descoberta de encantos em cada recanto onde ainda é possível ouvir o

canto do sabiá.

Eis Antônio Prado amada (GALVANI, 1992, p. 2).

Fig. 02: Rua Luiza Bocchese – fotografia

Fig. 03: Rua Luiza Bocchese – pintura

Foi justamente em virtude da conservação da arquitetura do passado, que o cineasta

Fábio Barreto deixou de lado o projeto de construir uma cidade cenográfica representando

Caxias do Sul nas décadas de 1910 e 1930 para rodar, em Antônio Prado, em fevereiro e

março de 1995, cenas do filme O Quatrilho, baseado na obra homônima de José Clemente

Pozenato. Sobre a peculiaridade da arquitetura da região de colonização italiana do Nordeste

do Rio Grande do Sul, diz Barella (1997, p. 78):

[...] É necessário considerar que o que “diferencia” e torna singular essa arquitetura é

o processo absoluto de autoprodução dos materiais nela utilizados e, além disso, o

modo como foi produzida: sem a interferência do profissional arquiteto, uma

arquitetura que foi resultado apenas da “vivência” que os agricultores possuíam de

suas necessidades. Essa arquitetura vernacular singela é a materialização da aplicação

de técnicas construtivas de “conhecimento comum” que se expressaram em

monumentos de excepcional qualidade arquitetônica, testemunhos de um ciclo

histórico-econômico já encerrado. A qualificação dessa arquitetura com tal grau de

distinção é, sem dúvida, a declaração de que ela merece ser reconhecida como obra de

arte e, como tal, digna de preservação.

Ainda mais em cidades como Antônio Prado, em que os prédios foram tombados e,

por isso, preservados, certamente é necessário que os educandos

olhem essa arquitetura como

um bem artístico, histórico e cultural, desfazendo o conceito de que estão vendo apenas

“velharias”. Precisam conhecer para valorizar.

Embora muito já se tenha falado sobre Antônio Prado, há ainda muito por escrever,

fotografar, pintar e desenhar; enfim, registrar, especialmente através da arte, suas casas, ruas,

esquinas e a vida na cidade, às vezes não percebidas por quem mora no lugar há tanto tempo e

que, acostumado a passar sempre pelos mesmos locais, não olha com atenção. O que parece

“velho” então é redescoberto nessa proposta de um novo olhar sobre a cidade: o olhar dos

Em minhas pesquisas uso os termos educando e educador por serem mais coerentes com uma proposta

desenvolvida na escola pública, e por isso, apoiada nos princípios pedagógicos de Paulo Freire, que defende uma

educação humanizadora, problematizadora, crítica e dialógica. Assim, quando faço referência a outras pesquisas

utilizo os termos aluno ou alunos e professor ou professores, conforme a escolha de seus autores.

artistas da cidade, particularmente, de uma de suas artistas e dos habitantes/educandos que

transitam por ela.

ATELIER E ARTE NA CIDADE

Deixe-o dormir em paz,

Não o acorde,

Deixe assim

Quieto, sereno, bonito,

Sorrindo pra quem chega.

Não por favor, não acorde Antônio Prado,

Deixe o menino ingênuo conservar seus encantos e ilusões,

pois sua beleza consiste na singularidade

de ser ontem ainda hoje,

O mesmo menino de sonho e fantasia (GALVANI, 1992, p. 2).

Figs. 04, 05, 06 e 07: Mostra Coletiva do ARVI na Casa da Neni

Escrever sobre arte é tentar explicar com palavras uma reflexão guardada nos detalhes

do desenho, das tonalidades, das conexões, das partes de uma unidade. A linguagem

da arte somente é linguagem indiretamente. É preciso olhar, ver e sentir, dialogar

com o olhar, com o corpo [grifo meu], ver no visível o invisível, perceber que o

visível e o invisível são um único evento, como o sentir e o pensar [...] (PAVIANI,

2003b, p. 19).

Paviani (2003b, p. 19), ao ter visitado o atelier particular da artista plástica Beatriz Balen Susin, em

Caxias do Sul, diz que este é um evento especial, momento para ser vivido com o corpo todo: trata-se de uma

experiência visual que solicita razão e emoção. “As tintas e o milagre das cores, as formas e sutileza dos cheiros,

as coisas despretensiosamente deixadas em seus lugares. Tudo é dominado por mãos cuidadosas”. Visitar já é

um misto de poesia, cores e formas, convocando nossos sentidos; imagine o significado de um atelier para quem

nele cria seu trabalho. Por isso, o Atelier de Artes Visuais de Antônio Prado (ARVI) foi um dos lugares decisivos

para que eu me entregasse à arte e passasse a observar a vida com paixão nos anos de 1992 a 1998, época em que

fui uma de suas integrantes e participei de mostras coletivas na cidade e na região.

Criado em 1985, por iniciativa de Beatriz Balen Susin – que, na ocasião, residia no município –, o

ARVI contava com 19 participantes e funcionava na residência de Neusa Welter Bocchese, sua coordenadora

por muito tempo. Após dois anos, Beatriz mudou-se para outra cidade, e a artista plástica do Núcleo de Artes

Visuais de Caxias do Sul (NAVI), Odete Garbin, passou a ministrar as aulas, em trabalho que é desenvolvido até

hoje, sendo o ARVI presidido pela artista pradense, Rosa Maria Guerra.

Através do ARVI, a cidade apresenta uma significativa produção. É até mesmo curioso constatar que

em um município que tem aproximadamente quatorze mil habitantes

, exista um grupo tão atuante na arte.

Muitos artistas já passaram pelo Atelier, que funcionou por mais de dez anos na Casa da Neni

e encerrou suas

atividades no local em novembro de 2003. Como despedida, o ARVI reuniu obras que já tinham sido expostas

nas mostras Canções Ilustradas II, Lembranças e Universo Feminino, numa coletiva montada no interior e

exterior do prédio. A mudança de espaço, que atualmente funciona em um prédio nos fundos da mesma Casa,

entretanto, não significou a ruptura do grupo, hoje composto por nove artistas, que continua registrando parte da

história da cidade em pinturas e esculturas, como tantas vezes seus habitantes tiveram a oportunidade de

conferir. As fotografias a seguir mostram algumas obras da última coletiva do ARVI realizada na Casa da Neni:

De acordo com o site <http://www.ibge.gov.br/cidadesat/default.php> do Instituto Brasileiro de Geografia e

Estatística (IBGE), em 2004, a estimativa da população de Antônio Prado, RS era de 13.908 habitantes.

Segundo o ex-secretário de Turismo de Antônio Prado, Prof. Ms. em Turismo, Roveda (2003, p. 61):

“Primeiramente realizou-se o tombamento individual da Casa da Neni [...], datada do dia 30 de setembro de

1985. O tombamento teve caráter de anuência, por parte do proprietário do imóvel, Valdomiro Bocchese

Participações Societárias Ltda”.

Fig. 08: Capitéis

Fig. 09: Tempo de internato

Fig. 10: Recortando, recordando

“Os lambrequins engalanando as casas e materializando os

sonhos” (Neusa Welter Bocchese).

Capitéis são pequenos oratórios em pedra, madeira e alvenaria. Segundo Posenato (1989, p. 161): A ermida é

outro costume italiano trazido para o Brasil. Devocionais ou comunitárias, geralmente veneram Santo Antônio

de Lisboa (para os italianos, de Pádua). Diz ele: “Assim como a casa representou a afirmação individual do

imigrante como proprietário, a religião manifestou sua afirmação coletiva como grupo social”.

Fig. 11: Jogo das Cinco Marias

“Na reclusão do internato, silêncio, seriedade, trabalho e...

através da janela, o fascínio da liberdade” (Neusa Welter Bocchese).

A UNIVERSIDADE: DO FAZER AO PENSAR A ARTE

O convívio com a arte local foi apenas o início. Depois, segui trilhando por caminhos ligados ao ensino

da arte: em 1997, conclui a Licenciatura Plena em Educação Artística – Habilitação em Artes Plásticas, pela

Universidade de Caxias do Sul (UCS). O curso fez com que eu deixasse um pouco de lado papel, lápis, tela,

pincéis e tintas, para poder me aprofundar na teoria, nos estudos científicos e me dedicar à pesquisa. Ser bolsista

de iniciação científica do CNPq, na pesquisa Leitura de Imagens nas Artes Visuais: estágios evolutivos (LEIA),

sob a coordenação da Profª. Drª. Maria Helena Wagner Rossi, da UCS, de agosto de 1996 a agosto de 1997, foi o

ponto de partida para que eu persistisse, até hoje, escrevendo, estudando e pesquisando sobre a compreensão

estética com

crianças, jovens e adultos da escola pública.

O grifo reforça a importância de, como educadora, pensar o ensino da arte junto com os educandos, para

descobrir/construir/desconstruir/descortinar mundos e ser surpreendida por suas leituras.

A INTERATIVIDADE DAS NOVAS TECNOLOGIAS

Logo após a conclusão do Ensino Superior, passei a ser assessora de apoio e

comunicação do Laboratório Novas Tecnologias nas Artes Visuais (NTAV), da UCS, sob a

coordenação da Profª. Drª. Diana Domingues. A atividade no NTAV proporcionou-me as

muitas interações multimídia da II Bienal do Mercosul, na Mostra Ciberarte: Zonas de

Interação. Trabalhar por quase dois anos na UCS possibilitou-me o contato com profissionais

e pesquisadores de diferentes áreas em uma proposta de produção que convida à

interatividade, através de meios eletrônicos que solicitam que o visitante, ao interagir,

complete a obra.

ACIDADANIAPELAARTE

Busco, no ensino da arte, possibilitar aos educandos a construção da cidadania, para

expressão de mundo dentro de seus contextos sociais e culturais. Essa busca fez com que eu

atuasse como animadora do Movimento de Alfabetização de Jovens e Adultos (MOVA-RS)

em Antônio Prado, de dezembro de 2000 a fevereiro de 2002. Tais interesses também me

fizeram optar – além da Educação Fundamental e do Ensino Médio – pela modalidade

Educação de Jovens e Adultos (EJA)

, em que trabalhei de maio de 2000 a março de 2003.

Na perspectiva de permanente reflexão da minha prática, conclui, em agosto de 2001, o curso

Fundamentada na educação dialógica de Paulo Freire, a EJA dá a oportunidade de continuar os estudos a todos

que não a tiveram na idade escolar.

de especialização Ensino da Arte: Fundamentos Artísticos, Estéticos e Metodológicos, pela

UCS, com a apresentação da monografia A Leitura de Imagens como Instrumento para

Emancipação da Classe Popular, sob a orientação da Profª. Drª. Maria Helena Wagner Rossi.

O estudo relata a pesquisa desenvolvida de maio de 2000 a agosto de 2001 com a EJA da

Escola Estadual de Ensino Fundamental Caetano Reginato, em Antônio Prado. Nesse

trabalho, a Proposta Triangular

foi o referencial para o conhecimento da arte, tanto erudita

quanto popular. No entanto, procurei dar especial atenção à leitura de imagens.

A partir da Teoria de Michael Parsons (1992), analisei como esses jovens e adultos

compreendiam as imagens da arte e da mídia, pois conhecer como os educandos lêem as obras

é fundamental para o trabalho de leitura e releitura de imagens no Ensino da Arte que vem

sendo desenvolvido nas escolas. Em âmbito nacional, busquei suporte na pesquisa Leitura de

imagens nas artes visuais: estágios evolutivos (1995 a 1997), realizada por Rossi.

O resultado de meu trabalho na EJA, embora tratando-se de jovens e adultos,

confirmou as pesquisas realizadas com sujeitos de 6 a 18 anos sem familiaridade com arte

analisados por Rossi. O fato indicou que os educandos da EJA tiveram pouca ou nenhuma

experiência estética antes de retomarem seus estudos nessa modalidade de ensino.

Com a mesma paixão dedicada às aulas da EJA, também auxiliei no trabalho da

direção, coordenando projetos no ensino regular (desde a Educação Infantil até 8ª série) nos

anos de 2002 e 2003. Seguindo os mesmos princípios da EJA, fizemos, junto ao grupo de

educadores, nossas leituras da realidade social e cultural dos educandos, em reuniões

pedagógicas com levantamento de falas através das entrevistas com as famílias e do cotidiano

da sala de aula, construção da rede temática e avaliação emancipatória. Conhecendo a escola,

desenvolvemos o projeto interdisciplinar Cuidando do educando para amar a vida e a terra,

tendo como diretriz o ensino de artes visuais. Tal proposta visou resgatar os valores pessoais e

A proposta pedagógica que interrelaciona leitura, produção e contextualização da arte é explicitada no capítulo

1 desta dissertação.

coletivos e do patrimônio público – nesse caso, o próprio estabelecimento de ensino. Para que

pudéssemos trocar experiências com outras instituições, inicialmente apresentamos o trabalho

no I Seminário Municipal de Educação Ambiental, promovido pela Secretaria Municipal de

Educação e Cultura (SMEC) e pelo escritório da Associação Riograndense de

Empreendimentos de Assistência Técnica e Extensão Rural (Emater/RS) de Antônio Prado, e,

após, no Campus de Erechim – RS, nas modalidades comunicação oral e pôster, conforme

anais do evento

VOLTAR AO LUGAR ONDE TUDO COMEÇOU

Fig. 12: Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral

A Escola Caetano Reginato foi muito importante na minha vida profissional, mas

posso destacar como fundamental o Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral

, por ser o

Ver GALVANI, Mara et al., 2002.

De acordo com o Histórico do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral, o estabelecimento de ensino foi

criado em 25 de fevereiro de 1925 (Decreto – SEC. n.º 3618), com o nome de Grupo Escolar da Cidade de

lugar que possibilitou minha formação inicial. Nele, também trabalhei como educadora em

Arte

desde as séries finais do Ensino Fundamental até o Ensino Médio, nos anos de 2001 a

2003.

O Colégio foi muito significativo na minha vida, pois na antiga Escola Estadual de 1º

(depois denominada ainda: e de 2º graus) Professor Ulisses Cabral estudei desde o Jardim da

Infância

até a conclusão do Ensino Fundamental e iniciei o Ensino Médio. Ao olhar para

trás, lembro da paixão que sentia pelas aulas de Educação Artística

, pelos desenhos –

mesmo os mimeografados –, que fascinavam pela possibilidade de utilizar a cor. Lá também

tive ótimos professores e de alguns deles recordo com carinho, especialmente uma educadora

em Arte que me fez ver que em uma maçã existe muito mais do que o vermelho...

Voltar a esse lugar e realizar esta pesquisa significou acordar todos os meus sentidos.

Um deles foi o olfativo: ainda é forte em mim a lembrança do cheiro da Escola, especialmente

da sala do Jardim de Infância, aroma que posso distinguir entre milhares de outros. É peculiar

aquele perfume das rosas que impregnava a sala, de novidade, de brinquedos para trocar e

materiais novos para testar. Um mundo para ver, sentir, ouvir e sonhar. Ao entrar na sala em

que continua funcionando a turma de Educação Infantil, ainda posso sentir o perfume que me

invadia quando fechava os olhos para ouvir as histórias na Hora do Conto, sempre tão

carregadas de poesia e surpresas. Sobre o poder que exerce sobre nós a capacidade olfativa,

Duarte Jr. (2003, p. 99) assinala:

[...] a memória olfativa com que contamos parece ser um aspecto marcante de nosso

estar-no-mundo, parece ser um forte resquício animal preservado em nós e mesmo

diferenciado pela dimensão simbólica de que dispomos. Talvez pouquíssimos de nós

não se deixem levar pelas lembranças despertadas por aromas que, vez por outra,

invadem as nossas narinas, produzindo verdadeiros poemas mnemônicos em nosso

Antônio Prado, mas o educandário só deu início às suas atividades em 29 de março de 1926, data em que é

comemorado seu aniversário. Hoje, o Colégio atende cerca de 800 educandos da Educação Infantil ao Ensino

Médio, nos turnos manhã, tarde e noite.

Segundo os Parâmetros Curriculares Nacionais (2000, p. 19): “Quando se trata de área curricular, grafa-se

Arte; nos demais casos, arte”.

Denominação utilizada na época para a Educação Infantil.

Nomenclatura utilizada na época, conforme Lei 5692/71.

ser. Inegavelmente, há cheiros específicos em nossa memória: os da infância, da

escola, de certas férias, do perfume de um primeiro amor etc. Muito daquilo contido

em nossa lembrança é, sem sombra de dúvida, eminentemente olfativo.

Fig. 13: A formatura no Jardim de Infância

Era uma escola pequena quando eu era criança. Depois de adulta, entrando e saindo de

algumas salas de aula que continuam no mesmo lugar, percebi que ela cresceu e se modificou.

Hoje, a aprendizagem com o Grupo de Pesquisa em Educação e Arte (GEARTE da

FACED/UFRGS), coordenado pela Profª. Drª. Analice Dutra Pillar, por quem já nutria

profunda admiração e respeito intelectual através da leitura de seus livros e artigos, fez

aumentar em mim a responsabilidade e o desejo de pensar o ensino da arte – no caso –, com

educandos que estavam cursando a 5ª série do Ensino Fundamental em 2003, quando dei

início a este trabalho. Todas essas experiências aprofundam em mim a serena convicção no

acerto desta pesquisa desenvolvida intensamente na escola pública. Enfim, não poderia sonhar

com esta dissertação e apresentá-la sem resgatar o que me constitui, o que me fez chegar até

aqui.

INTRODUÇÃO

“É a arte que encoraja a criança a colocar sua visão pessoal e sua assinatura em seus

trabalhos” (EISNER, 1997, p. 80).

O pressuposto de meu trabalho como educadora em Arte sempre foi propor um olhar

sensível. Olhar que mergulha nas imagens da arte, que ultrapassa as paredes e os corredores

dos prédios de instituições de ensino e percorre a cidade. Criar através de diferentes

linguagens por meio de leituras e releituras

possibilitadas pelo conhecimento não somente

da arte consagrada, mas da cidade, é o desafio da dissertação que ora se apresenta.

No ensino contemporâneo de artes visuais, ao contrário das concepções modernistas

que pregavam a livre-expressão, a imagem está presente como fonte de aprendizagem. Nesse

sentido, a leitura e a releitura firmaram-se como possibilidades na sala de aula. Pillar (1999, p.

18) define cada um dos termos:

No ensino da arte, a leitura tem sido concebida como algo mais teórico e a releitura,

um fazer a partir de uma obra. Reler é ler novamente, é reinterpretar, criar novos

significados. Quando interpretamos, através da pintura, um objeto do meio ambiente

natural ou construído, um objeto do nosso cotidiano, feito pelo homem, estamos

fazendo releitura? E quando interpretamos, em pintura, uma obra de arte, uma imagem

produzida por um artista é releitura? Depende dos nossos propósitos. Se a idéia é

recriar o objeto, é reconstruí-lo num outro contexto com novo sentido, penso que sim.

Podemos considerar, ainda, de acordo com Rossi e Demoliner (2003) que toda a

releitura tem relação com a leitura que cada sujeito faz da imagem.

Assim, essa pesquisa tem como foco conhecer a compreensão estética dos educandos

do Ensino Fundamental de uma escola pública, através de uma proposta de leitura e releitura

da cidade. Por isso, foi necessário abrir caminhos para olhar e estar no mundo, olhar a cidade

e percorrê-la, olhar o passado e ressignificar o presente. Olhar esse, que solicitou mente,

Os termos leitura e releitura são explicitados no capítulo 1 desta dissertação.

corpo e emoção para reinventar a vida, dialogando estesicamente com obras de arte, árvores,

praças, ruas, prédios, pessoas, gestos, sonhos e acontecimentos, contextualizando crises e

guerras de nosso tempo, como observa Franz (nov. 2003/jan. 2004, p. 52):

[...] na arte-educação pós-moderna, obras de arte são compreendidas como práticas

sociais e culturais, muito mais do que como objetos belos, produtos de mentes

individuais. Como toda prática social, a produção artística também traz consigo

contradições inerentes à sociedade que as produziu.

Almejando uma educação do sensível, estética, dialógica e emancipadora, venho há

algum tempo pesquisando sobre leitura e releitura. Desse modo, busquei, com educandos de

5ª e posteriormente 6ª série, do Ensino Fundamental, nos anos de 2003 e 2004, propor

leituras, releituras e desenhos da cidade, desafiando-os a observar e refletir sobre o caminho

que percorriam de suas casas até a escola e vice-versa.

Nesse percurso muitas possibilidades visuais foram oferecidas ao educando/leitor, para

que pudesse refletir sobre acontecimentos cotidianos, modos de ser das pessoas e os

ambientes natural e construído. Enfim, muitos espaços: alguns transformados pelo tempo, mas

que serviram de cenários das histórias de nossos antepassados, outros que parecem

‘congelados’, ao conservar suas características. Por meio de nosso olhar, podemos imaginar,

criar e reinventá-los na arte. Como salienta Hillman (1993, p. 41):

As faces das coisas – suas superfícies, suas aparências, seus rostos – como lemos

aquilo que vem ao nosso encontro no nível do olhar; como nos olhamos uns aos

outros, como olhamos a face uns dos outros, lemos uns aos outros – assim é que se dá

o contato com a alma. De forma que uma cidade necessita de lugares para esses

contatos humanos do olhar [grifo meu].

A cidade de Antônio Prado ainda conserva muitos lugares onde são permitidos esses

contatos humanos de olhar. A Praça Garibaldi é um deles. Ela continua sendo ponto de

encontro de amigos. Enquanto as crianças correm, jogam bola, andam de bicicleta e brincam

no parque, os adultos conversam, namoram, tomam chimarrão e caminham ao redor do

Centro Histórico. Parece mesmo que a cidade convida a todos para andarem por suas

pequenas ruas. Talvez, por isso, moradores de diferentes idades cultivem o hábito de

caminhar, tanto para manter a forma física, quanto para espairecer. Como diz Hillman (1993,

p. 53), andar acalma: “A linguagem do caminhar acalma a alma, e as agitações da mente

começam a tomar um rumo. Caminhando, estamos no mundo, encontramo-nos num lugar

específico e, ao caminhar nesse espaço, tornamo-lo um lugar, uma moradia ou um território,

uma habitação com um nome”.

Entretanto, neste trabalho, caminhar com os pés é percorrer a cidade com os olhos e

com o corpo. O olhar solicita os outros sentidos e mobiliza o corpo. Meu interesse é o olhar

estético, sensível e crítico sobre a cidade. Por isso, convidei os educandos para olharem

comigo a arquitetura e a vida na cidade de Antônio Prado. Gombrich, em entrevista a Ana

Mae Barbosa

(1997, p. 34), diz que “é nosso dever como professores preservar a noção do

passado”. Acrescentaria o dever de ressignificar o presente. Então, olhar a cidade significa

olhar arte e mundo. Conforme Hillman (1993, p. 14-15), se nós olhamos o mundo, ele

também nos olha e se revela diante de nós:

O mundo se revela em formatos, cores, atmosferas, texturas – uma exposição de

formas que se auto-apresentam. Todas as coisas exibem rostos, o mundo não é apenas

uma assinatura codificada para ser decifrada em busca do significado, mas uma

fisionomia para ser encarada. Como formas expressivas, as coisas falam: mostram as

configurações que assumem. Elas se anunciam, atestam sua presença: “Olhe, estamos

aqui”. Elas nos observam independente do mundo como as observamos, independente

de nossas perspectivas, do que pretendemos com elas e como as utilizamos. Essa

exigência imaginativa de atenção indica um mundo almado. Mais – nosso

reconhecimento imaginativo, o ato infantil de imaginar o mundo, anima o mundo e o

devolve à alma.

Vemos, mas não olhamos com atenção, lemos, mas muitas vezes não compreendemos,

e nosso olhar nunca está separado de nossas lembranças, de nossa história, de quem somos e

do que somos, como afirma Pillar (1999, p. 16):

Quando referindo-me à autora, nesta dissertação, utilizo além de Barbosa, o prenome Ana Mae para

diferenciá-la de outro autor citado que tem o mesmo sobrenome.

O nosso olhar não é ingênuo, ele está comprometido com nosso passado, com nossas

experiências, com nossa época e lugar, com nossos referenciais. Não há o dado

absoluto e não se pode ter uma única visão, uma só leitura, mas se deseja lançar

múltiplos olhares sobre um mesmo objeto. Poder transitar por abordagens diversas ou

inter-relacionar possibilidades de leitura é algo complexo que exige algum tempo,

muito estudo, muita sensibilidade e a coragem de criar hipóteses e de testá-las.

Nesse sentido, a leitura e a releitura da cidade e da arte nortearam esta pesquisa, que

foi construída na escola pública, considerando os referenciais dos educandos, seus olhares,

quem e como são, onde e como vivem, por onde andam, seus gostos, desejos, sonhos,

inquietações e ações.

Assim, o trabalho teve como principal objetivo analisar a leitura e a releitura de

imagens de educandos do Ensino Fundamental da rede pública, aos quais se propôs um olhar

sensível, estético e crítico sobre a cidade e a arte.

Por meio desse estudo, interessava-me investigar as seguintes questões:

- Que concepções sobre arte trazem os educandos quando chegam à 5ª série do

Ensino Fundamental?

- Qual a compreensão estética sobre a cidade e a arte?

- Qual a relação entre as leituras e releituras dos educandos?

- O que revelam os desenhos, escritos e falas dos educandos em relação à cidade e à

arte?

É com base nessas questões, somadas às lembranças sensíveis da cidade, aos desejos,

às convicções, à arte, à educação, que desenvolvi esta dissertação, que foi sendo construída no

meu exercício como educadora em Arte.

1. PRESSUPOSTOS TEÓRICOS

Sem imagens corremos o risco de perder o caminho [grifo meu]. Isso acontece, por

exemplo, nas estradas. Placas retangulares, de tamanho uniforme e todas pintadas de

verde, com números e letras, não são imagens, mas conceitos verbais engrandecidos.

Não sabemos onde estamos, a não ser por um processo abstrato de lê-las e pensar,

lembrar e traduzir. Tudo nos olhos e na cabeça. O sentido corporal de orientação está

perdido. Podemos até mesmo consumir menos gasolina – pense em todas as possíveis

entradas erradas que tomamos em função de perder as indicações nas placas – se

nosso caminho pela cidade fosse marcado por imagens, como aquelas das velhas

encruzilhadas, a árvore do enforcado, o sinal do búfalo vermelho, a fonte. A alma

precisa de suas imagens [grifo meu] e, quando não as encontra, elabora substitutos;

cartazes de rua e grafite, por exemplo. Mesmo na Alemanha Oriental ou na China,

onde a propaganda não é permitida, os slogans são escritos com letras garrafais nas

paredes e avisos são afixados. A mão humana espontaneamente deixa sua marca,

insistindo em mensagens personalizadas; em todo o lugar a natureza humana

imediatamente escreve suas iniciais em monumentos (HILLMAN, 1993, p. 40).

Esta dissertação propõe um olhar sobre a cidade e a arte através de desenhos, leituras,

releituras e falas dos educandos do Ensino Fundamental do Colégio Estadual Professor

Ulisses Cabral, de Antônio Prado, RS. No capítulo 1, defendo a questão do olhar, e por isso,

abordo, num primeiro momento, brevemente, o processo da percepção e o fazer artístico na

perspectiva de Zielinsky. Teço, também, alguns comentários a respeito da experiência estética

no mundo contemporâneo, para, então, detalhar o alfabetismo visual proposto por Dondis. Em

seguida, trato do complexo tema ver e olhar, considerando as abordagens de Adams, Pillar e

Tiburi, entre outras.

Em virtude desta pesquisa pensar a cidade como possibilidade educadora, trago

apontamentos de autores que discutem a relação dos corpos humanos com os espaços das

cidades. Busco referência em Duarte Jr.

(2003, p. 13), que insiste na necessidade atual e

urgente “de se dar maior atenção a uma educação do sensível, a uma educação do sentimento,

que poder-se-ia muito bem denominar educação estética”. Por isso, sugiro pensar a cidade de

João Francisco Duarte Jr. é doutor na área de Educação e professor junto ao Instituto de Artes da Universidade

Estadual de Campinas (UNICAMP).

Antônio Prado para além de sua arquitetura, trazendo as ações cotidianas discutidas pelo autor

através do morar, do caminhar e do conversar.

Mais adiante, refiro-me às concepções humanistas presentes na obra de Freire,

essenciais para o desenvolvimento de uma educação participativa na escola pública,

democratizando a Arte e possibilitando a compreensão da leitura de mundo.

Não poderia, entretanto, trazer as idéias defendidas pelos autores que estudo sem

mencionar as mudanças ocorridas no ensino da arte no Brasil a partir dos anos 80, com a

Proposta Triangular, de Ana Mae Barbosa.

Na seqüência, procuro discutir as pesquisas de Parsons

e de Rossi

, para, no

decorrer desta dissertação, analisar a compreensão estética dos sujeitos aqui envolvidos e

quais as relações com as suas releituras.

Por fim, apresento as idéias de Wilson & Wilson

e de Cox

, que consideram a

influência das fontes externas no desenvolvimento das imagens das crianças. Os estudos

desses autores dão embasamento teórico para analisar os desenhos resultantes das interações

com a cidade de Antônio Prado, através de visitas a mostras de arte, parques, eventos e outros

espaços. Analiso também os desenhos sobre uma cidade, observando o que revelam os

elementos presentes no olhar crítico desses educandos e o que aparece sobre o caminhar, o

morar e o conversar nos desenhos sobre a cidade de Antônio Prado, segundo a perspectiva de

Duarte Jr., conforme já mencionei.

Michael J. Parsons é professor da Universidade do Estado de Ohio – EUA, um dos principais pesquisadores

sobre o desenvolvimento estético. Sua teoria foi divulgada, principalmente, através do livro Compreender a arte:

uma abordagem à experiência estética do ponto de vista do desenvolvimento cognitivo.

Maria Helena Wagner Rossi é professora e pesquisadora da Universidade de Caxias do Sul (UCS). A autora

apresentou, em 2000, a Tese de Doutorado Leitura Estético-Visual na Educação Fundamental ao Programa de

Pós-Graduação em Educação da UFRGS. A pesquisa foi desenvolvida com alunos brasileiros, da cidade de

Caxias do Sul, RS, e teve como principal base teórica os estudos de Parsons e de Freeman.

Brent Wilson é doutor em Arte-educação, professor da Pen State University, Pensilvânia, EUA, e consultor do

Getty Center for Education in the Arts. Marjorie Wilson também é professora da Pen State University.

Maureen Cox é professora do Departamento de Psicologia da Universidade de York, Reino Unido.

1.1. OLHAR É MAIS DO QUE VER

Artistas, filósofos e teóricos de diferentes áreas vêm discutindo amplamente o

complexo tema ver e olhar. Enquanto uns defendem a idéia de que primeiro é necessário olhar

para depois ver, outros argumentam o contrário. Antes de apresentar a visão de alguns desses

autores e o meu posicionamento, abordo, sinteticamente, a questão da percepção.

No início do século XX, surge, na Alemanha, a psicologia da Gestalt, que passa a

estudar a percepção através de figuras nas quais as partes (figura e fundo) estão

dinamicamente inter-relacionadas. Para os gestaltistas, as leis de configuração, organização,

discriminação, forma e padrão referem-se sempre ao todo, percebido através da mente, que é

pré-formada e imediata. Mas a referida teoria não deu conta de explicar toda a problemática

envolvida no processo perceptivo. Os estudos de Piaget, então, trouxeram uma significativa

contribuição e representaram importantes avanços em relação à Gestalt, ao mostrar que a

aprendizagem é construída pelo sujeito através de suas ações sobre o meio físico e social. Para

Piaget (1978, p. 73), o conhecimento é resultado da interação entre sujeito e objeto, pois

segundo ele, só conhecemos um objeto agindo sobre ele ou transformando-o. Zielinsky, ao

pesquisar a interseção entre a percepção e o fazer artístico, considera as estruturas objetivas e

cognitivas enfocadas pelo autor. A análise realizada por ela apontou que o fazer aparecerá

como um modo de perceber o mundo conforme valores, significações e conhecimentos que se

formam no decurso de uma interação social e que fazem parte da estrutura pessoal do sujeito.

Zielinsky (1993, p. 71) declara:

Percepção, em nosso entender, não se trata de uma ação universal que possa ser

abordada de maneira uniforme em todo o mundo como o vimos, por exemplo, com os

gestaltistas. Ela conta, sim, com infinitos fatores provenientes das diferentes culturas,

grupos sociais e contribuições individuais.

A definição da autora mostra que a interação entre percepção e produção artística, isto

é, a ação, depende não só dos aspectos cognitivos, mas também dos contextos sociais,

políticos, econômicos, éticos de diferentes culturas e, ainda, de grupos de origens sociais

distintas que compõem uma mesma cultura.

As discussões sobre a percepção levaram muitos filósofos e estudiosos de outros

campos do conhecimento a repensarem a questão estética, principalmente, na sociedade

contemporânea, imersa em imagens. Meira, ao discorrer sobre a dimensão estética, reforça

que é preciso considerar o que é necessário, para que tal experiência envolva, ao mesmo

tempo, emoção, sentimento e reflexão, tanto sobre a arte, como sobre a vida. No entanto,

antes de aprofundar o assunto, ela busca a origem do termo estético e resgata o conceito de

percepção na civilização grega. Desse modo, segundo Meira (1999, p. 126): “A concepção

grega de percepção incluía a provocação do reconhecimento, de admitir que cada coisa tem

alma, paixões, amor, fascinação capaz de provocar uma reciprocidade afetiva no sujeito

percebedor”. E complementa (1999, p. 127): “O significado do termo estético, na sua origem,

era sentir com, sentir junto com os outros, ou aliar a sensorialidade ao sentimento”.

Nessa perspectiva, Hermann (2002, p. 15) aborda a estética como uma via de acesso

para a vida ética na pluralidade contemporânea. Conforme a autora: “O termo estética é

derivado do grego aisthesis, aistheton (sensação, sensível) significa sensação, sensibilidade,

percepção pelos sentidos ou conhecimento sensível-sensorial”.

Mas com o declínio das concepções filosóficas tradicionais fundamentadas na razão,

principalmente após a I e a II Guerra Mundiais, não só a experiência científica iniciou uma

flexibilização em que a verdade começou a ser relativizada, como também os cânones

estéticos clássicos passaram por transformações. Ressurge, então, o interesse pelo tema e

atualmente fala-se de uma estética do cotidiano, que não pode estar desvinculada das

interações do homem com a vida, suas significações e interpretações.

Para reforçar o tema sobre a estética envolvendo toda a problemática presente na

sociedade híbrida e plural de nossos dias, Meira e Hermann buscam as idéias de alguns

pensadores contemporâneos.

Meira traz, entre outros autores, Maffesoli (1996, p. 26-27), que analisa criticamente o

papel da estética no cotidiano. De acordo com Maffesoli:

[...] não é mais possível reduzir a arte apenas às grandes obras qualificadas geralmente

de culturais. É toda a vida cotidiana que pode ser considerada uma obra de arte. [...]

pode-se dizer que o fato culinário, o jogo das aparências, os pequenos momentos

festivos, as deambulações diárias, os lazeres, etc. não podem mais ser considerados

como elementos sem importância ou frívolos da vida social. Enquanto exprimem as

emoções coletivas, eles constituem uma verdadeira “centralidade subterrânea”, um

irreprimível querer viver [...].

O sociólogo francês trata o estético como sendo o componente ético do viver, do dia-

a-dia. Para ele, o estético é paixão, criação, é obra de arte, mas obra de arte que se constitui

também pelo cotidiano. Nesse enfoque, o estético é um conhecimento mediado pela arte,

educação, cultura e pela própria vida, reconhecendo que em tais categorias a emoção qualifica

a experiência humana na sociedade.

Hermann, por sua vez, enfoca a ruptura da unidade da razão, ampliando a

possibilidade da estética constituir uma forma produtiva para compreender as novas

exigências éticas. Segundo ela, uma ação educativa baseada na filosofia da consciência talvez

não possa dar conta de assegurar a realização do homem autônomo. Desse modo, surge a

tendência à estetização da ética. A autora levanta tais discussões citando a obra de Welsch,

que analisa os processos de estetização no mundo contemporâneo. Sobre a tese do filósofo,

que aponta nexos entre o ético e o estético, Hermann (2002, p. 19) diz:

Welsch conclui que há uma “tendência geral à estetização”, mas de diferentes

maneiras. Ou seja, no ambiente urbano a estetização se refere ao embelezamento, à

encenação e ao lifestyle; no que se refere à tecnologia e à mídia, a estetização significa

a mesma coisa que virtualização; e no que tange à consciência, a estetização significa

que não reconhecemos nenhum fundamento último, mas sim a realidade passa a ser

concebida como entendíamos na arte – uma natureza de produto, da mutabilidade, da

artificialidade e de virtualidade. Assim, a palavra estético significa não o sentido da

arte, mas justamente os processos de estetização do mundo da vida.

Percebe-se, nas discussões trazidas por Meira e Hermann, que as questões estéticas,

hoje, estão incorporadas à vida, e somente uma sensibilidade desenvolvida pode indicar

caminhos éticos, numa perspectiva “social da estetização”, a qual possibilitaria interpretar e

contextualizar as pluralidades da sociedade contemporânea para olhar o outro, respeitando

suas diferenças. Tanto a estética do cotidiano urbano quanto a estética das imagens da arte

solicitam ações mediadas pela sensibilização. Por isso, já não é possível pensar nos princípios

éticos sem a contribuição da estética que dialoga com o sensível e o inteligível.

Alfabetismo visual e crítico

Diariamente somos submetidos a um turbilhão de imagens. Contudo, mesmo diante

dessa superexposição visual, a escola, via de regra, continua dando ênfase à alfabetização

verbal, negligenciando os outros sentidos.

Considerando tal realidade, Dondis propõe um alfabetismo visual. Ela diz que a

pergunta “Quantos de nós vêem?” abrangeria uma longa lista de capacidades, como: perceber,

compreender, examinar, ler, olhar, o que, segundo a autora, denuncia a complexidade do

caráter e do conteúdo da inteligência visual. Dondis (1991, p. 7) argumenta:

A experiência visual humana é fundamental no aprendizado para que possamos

compreender o meio ambiente e reagir a ele; a informação visual é o mais antigo

registro da história humana. As pinturas das cavernas representam o relato mais antigo

que se preservou sobre o mundo tal como ele podia ser visto há cerca de trinta mil

anos. Ambos os fatos demonstram a necessidade de um novo enfoque da função não

somente do processo, como também daquele que visualiza a sociedade.

Assim como ensinar a ler e a escrever exige dos educadores conhecimento sobre os

processos de apropriação dos sistemas de escrita, com relação ao alfabetismo visual o

processo é ainda mais lento e exige uma busca aprofundada, devido à vasta gama de

significados que norteiam esta experiência. Por isso, Dondis considera fundamental que se

desenvolvam estudos a respeito de como interpretar visualmente as idéias, pois, segundo ela,

o alfabetismo visual é tão vital para o ensino dos modernos meios de comunicação quanto a

escrita e a leitura foram para o texto impresso.

A visão é veloz, automática e natural, mas o uso que fazemos deste sentido é reduzido,

como explicita Dondis (1991, p. 6): “Aceitamos a capacidade de ver da mesma maneira como

a vivenciamos – sem esforço”.

Considero que esta seria mais uma entre tantas justificativas em defesa da inclusão do

alfabetismo visual no sistema de ensino, desde a Educação Infantil. Embora a sua prática

venha sendo, timidamente, incorporada em algumas escolas, é necessário que se amplie tais

processos, para que os educandos possam elaborar suas próprias significações nas mensagens

que os textos visuais comunicam. Para Dondis (1991, p. 231):

O primeiro e fundamental benefício está no desenvolvimento de critérios que

ultrapassem a resposta natural e os gostos e preferências pessoais ou condicionados.

Só os visualmente sofisticados podem elevar-se acima dos modismos e fazer seus

próprios juízos de valor sobre o que consideram apropriado e esteticamente agradável.

No entanto, para que se alcance tal sofisticação é necessária uma grande familiaridade

com os textos visuais, sendo que esse conhecimento é que possibilitaria uma postura menos

passiva diante de toda e qualquer imagem, contribuindo, ainda, para o desenvolvimento de um

alfabetismo crítico em relação à mídia, como defende Kellner (1995, p. 107). Ele analisa

alguns anúncios impressos observando que uma pedagogia crítica acerca das imagens da

publicidade poderia diminuir as fronteiras entre a cultura de elite e a cultura popular:

[...] analistas mais liberais (Hirsch, 1987) prescrevem uma noção mais ampla de

alfabetismo cultural; eles defendem o ensino de um amplo espectro de conhecimentos

e habilidades culturais, aplicados a textos que vão dos grandes livros a anúncios

classificados, a fim de tornar o/a seu “leitor/a” um consumidor/a e um produtor/a mais

adequado/a na sociedade contemporânea.

Oautorconsiderafundamentalestudarapublicidade,poisesta,sendoum

textosocial,seconstituinumadasprincipaisforçasdemoldagemdopensamento

edocomportamento,vendendoumavisãodemundocondizentecomasociedade

deconsumo.Porisso,Kellner(1995,p.107)insistena:

[...] necessidade de ampliar o alfabetismo e as competências cognitivas, para que

possamos sobreviver ao assalto de imagens, mensagens e espetáculos da mídia que

inundam nossa cultura. O objetivo será desenvolver um alfabetismo crítico em relação

à mídia, um alfabetismo que contribua para tornar os indivíduos mais autônomos e

capazes de se emancipar de formas contemporâneas de dominação, tornando-se

cidadãos/ãs mais ativos/as, competentes e motivados/as para se envolverem em

processos de transformação social.

A escola, abrindo-se ao alfabetismo visual, também alargaria a capacidade de as

crianças dialogarem de forma estética e crítica com os conteúdos das imagens veiculadas pela

mídia, em que são investidos milhões de recursos com o propósito de vender sonhos, produtos

e padrões de beleza, os quais poucas delas, vivendo no mundo real, poderão comprar ou se

enquadrar.

Ver e Olhar

O polêmico tema ver e olhar leva-me a formular algumas questões: Quando vemos e

quando olhamos? Basta ver para olhar? Basta ver para compreender e interpretar? Ou será que

de tanto ver ficamos cegos e deixamos de olhar atentamente?

Para refletir sobre essas perguntas apresento algumas posições de artistas,

semioticistas, pesquisadores e filósofos. Dondis (1991, p. 5-6), em defesa do alfabetismo

visual, explicita: “Praticamente desde nossa primeira experiência no mundo, passamos a

organizar nossas necessidades e nossos prazeres, nossas preferências e nossos temores, com

base naquilo que vemos. Ou naquilo que queremos ver”.

De acordo com ela, esse ver é influenciado e, até mesmo, modificado por estados

psicológicos, condicionamentos culturais e fatores ambientais. A autora justifica seu

pensamento afirmando que o modo como encaramos o mundo quase sempre afeta aquilo que

vemos e que assim como alguns grupos se alimentam de coisas que deixariam outros

enojados, temos preferências visuais arraigadas. Em relação ao ambiente, Dondis cita o

exemplo do habitante das montanhas, observando que quando ele estiver numa grande

planície terá de dar uma nova orientação a seu modo de ver.

Adams concentra suas pesquisas no meio ambiente, na tentativa de ampliar a atuação

dos educadores em Arte, procurando desenvolver maneiras diferentes de ver, através dos

olhos do artista, do crítico e do projetista. Em 1988 ela deu início ao projeto Aprendendo a

ver, que teve como enfoque o trabalho em escolas baseado na experiência ambiental. No

entanto, a pesquisadora lembra que nos anos 70 a educação ambiental era abordada com base

científica, geográfica, histórica ou sociológica. Nas aulas de Arte, dava-se ênfase ao trabalho

de expressão e ao treinamento técnico, pois acreditava-se que estudar o meio ambiente fazia

parte do currículo da geografia. Devido à dificuldade de os educadores em Arte adotarem uma

nova postura em relação a sua área de conhecimento e ao próprio ambiente, a partir de então

muitos trabalhos foram desenvolvidos com o apoio de arquitetos e projetistas ambientais. O

relatório Educação Ambiental em Áreas Urbanas, publicado em Londres, constatou a

necessidade de se desenvolver projetos que ajudassem as pessoas a enxergarem, conforme

constatou Hall (1979 apud ADAMS 1989, p. 5)

As respostas estéticas e emocionais formaram uma das áreas mais importantes e mais

negligenciadas. Nossa total falta de atenção para a educação visual, para ensinar as

pessoas a enxergarem, foi sempre reiterada pelos entrevistados; eles consideravam

este ponto uma das características mais preocupantes de nosso sistema educacional e

que teve as conseqüências mais desastrosas.

Ao longo de todos esses anos envolvida com pesquisas que propunham aprender a ver

o meio ambiente, Adams diz que tais estudos podem ser incluídos não apenas na geografia,

mas tanto em Arte e projeto como em projeto e tecnologia. De acordo com ela, a Arte

intensifica experiências, possibilita a percepção, a análise e a reflexão.

Como nesta dissertação estou defendendo a idéia de que olhar é mais do que ver, e

sendo o ensino de artes visuais uma área que trabalha diretamente com a imagem, passo da

reflexão acerca do ver para apresentar algumas versões a favor do olhar.

Oliveira (2001, p. 5) observa que desde os primórdios a visibilidade que as imagens

dão tem um papel fundamental para compreender e estudar a humanidade:

Numa batalha perpetual, as imagens lutam primeiro para entrar na órbita do ver e

depois para serem olhadas atentivamente. Ver e olhar são então os dois pólos visados

por todos os estrategistas de nossa visão, que galgam alcançá-los pela sinestesia.

Objetivando a visão, os demais sentidos são convocados para atuarem juntos a fim de

despertar a percepção do sujeito. Em sua estruturação textual, o mostrar encadeia um

sentido em outro que, em coalescência, pelas marcas convocatórias cravadas no

próprio texto, definem a experiência do ato de olhar.

De acordo com a semioticista, no nosso viver, apreendemos apenas uma pequena

parcela da totalidade de imagens que se impõem a nós e que ao serem olhadas são vivificadas

e também nos olham. A imagem é, então, um texto que produz sentido e passa a agir sobre o

sujeito, colocando-o na presença, tanto sensível como inteligível, das coisas. No livro

Vitrinas: acidentes estéticos na cotidianidade, Oliveira (1997, p. 135) diz: “Entre o ver e

Tradução.

olhar ocorre uma mudança de estado e de ação do sujeito. O olhar suplanta o nível perceptivo

que está contido no ver e, através dele, penetra-se no nível cognitivo [...]”. Portanto, nesse

diálogo com a imagem, o olhar convoca os demais sentidos.

Frange (2003)

defende que no sistema de relações estéticas e estésicas o olhar é

mediado pela cultura e interage com a arte e com a vida:

O olhar seleciona, organiza, discrimina, associa, classifica, analisa, constrói sentidos.

A formação de um primeiro olhar, seguido de muitos outros olhares, é caminho para

promover a cidadania cultural e o direito de acesso aos bens culturais. É o primeiro

passo para um olhar expandido para todos os sentidos, um olhar-corpóreo. A leitura de

imagens enriquecida pela análise estimula a criação. Olhar é tornar-se imagem.

Refletindo sobre a ótica abordada por Frange, pode-se afirmar que somente quando

compreendemos, interpretamos e atribuímos um sentido àquilo que vemos é que realmente

estamos olhando.

Em suas pesquisas, Pillar vem abordando a educação do olhar, ao investigar como as

crianças pequenas olham as imagens da arte, os desenhos animados, as imagens eletrônicas e

as suas próprias produções. Em um dos seus artigos, Pillar (2002, p. 81) argumenta que:

[...] é necessário começar a educar o olhar da criança desde a educação infantil,

possibilitando atividades de leitura para que além do fascínio das cores, das formas,

dos ritmos, ela possa compreender o modo como a gramática visual se estrutura e

pensar criticamente sobre as imagens.

Ao analisar as leituras feitas pelas crianças, a pesquisadora diz que tais produções

mostram a diversidade de significados e o quanto o contexto, as informações, as vivências de

cada leitor estão presentes ao procurar dar um sentido para a imagem. Pillar (2004, p. 41)

esclarece que educar o olhar das crianças:

Não se trata, portanto, de simplesmente propiciar um contato da criança com imagens,

sem problematizar, sem refletir, sem despertar sua atenção sobre o que olha. [...] O

Boletim Arte na Escola.

professor vai convidar seus alunos a olhar as imagens, descobrindo com eles o modo

como estas se organizam e os sentidos que produzem. Não se trata de ensinar o quê

ler, pois não há a leitura, há atribuições de sentido construídas pelo leitor em diálogo

com os outros e com as imagens, em função das informações e dos seus interesses no

momento.

Portanto, convidar a olhar, conforme Pillar, significa possibilitar que a criança

expresse o que pensa sobre as imagens que olha.

Para reforçar minha visão em prol do olhar, trago algumas idéias de Tiburi. A filósofa

sustenta que a diferença entre ver e olhar não se restringe apenas a uma distinção semântica.

Segundo Tiburi

, a lentidão é do olhar, a rapidez é própria do ver. O olhar revela uma outra

complexidade do ver. É preciso exigir um esforço maior da visão, convocando os demais

sentidos, além da cognição:

Ver está implicado ao sentido físico da visão. Costumamos, todavia, usar a expressão

olhar para afirmar uma outra complexidade do ver. Quando chamo alguém para olhar

algo espero dele uma atenção estética, demorada e contemplativa, enquanto ao esperar

que alguém veja algo, a expectativa se dirige à visualização, ainda que curiosa, sem

que se espere dele o aspecto contemplativo. Ver é reto, olhar é sinuoso. Ver é

sintético, olhar é analítico. Ver é imediato, olhar é mediado. A imediaticidade do ver

torna-o um evento objetivo. Vê-se um fantasma, mas não se olha um fantasma. Vemos

televisão, enquanto olhamos uma paisagem, uma pintura.

Tiburi sinaliza, com muita propriedade, que olhar é mais do que ver. Enquanto ver é

instantâneo e banal, olhar leva tempo, exige reflexão e gera sentido nas relações. O olhar é

sensível, perturba, faz pensar para que possamos compreender e interpretar. Assim como a

arte quer dizer o indizível, mostrar e esconder, para olhá-la é necessário ‘passear’ pela

imagem, procurando olhar com atenção, o que não é possível fazer apenas no simples ato de

ver.

<www.margs.org.br>

1.2. OLHAR A CIDADE

Olhar a cidade, perceber a cidade e propor cidades para uma cidade, é um olhar

humano construído pelas culturas nas quais se vive. É uma constante integração com o

meio no qual se está mergulhado e adensado pelas inúmeras histórias pessoais e

coletivas. O olhar constrói, não é neutro, não é passivo, enfim, não é uma simples

janela a ser aberta para o mundo. O olhar age sobre o mundo e age sobre a sociedade

(DUARTE apud FRANGE; VASCONCELLOS, 2002, p. 5).

Com a Revolução Industrial, cuja gênese se pode situar na Inglaterra, de meados do

século XVIII, os camponeses deixam a área rural e vão para as cidades, em um contexto de

divisão da sociedade em duas classes: uma formada pelos proprietários dos meios de

produção e a outra pelos trabalhadores, os proletários, obrigados a vender sua força de

trabalho àqueles para sobreviver.

Em resposta a essa industrialização crescente, proliferam os projetos de sistemas

sociais ideais, as cidades utópicas. Mumford

, ao discutir a forma e a estrutura da cidade na

Antigüidade Clássica, lembra que a idéia da cidade ideal, da cidade sonhada, da utopia

urbana, sempre acompanhou a concepção da cidade. Sobre esta utopia que propunha uma

sociedade perfeita, Freitag (2002, p. 175) comenta:

Se examinarmos a relação da cidade utópica com o poder, são reveladas novas

características deste ideal de cidade e sociedade. Como valor supremo busca-se

encontrar a cidade justa, harmoniosa, ordenada. Para alcançá-la, são propostas

medidas pedagógicas para educar seus moradores como cidadãos esclarecidos,

envolvidos com o trabalho e a paz.

Essas medidas pedagógicas em nome da harmonia são formas de controle da

sociedade e, por isso, revelam relações de poder. A autora enfatiza que Patrice de Moncan, ao

relembrar utopias como Atlântida, Utopia, o Falanstério e até mesmo Brasília, destaca como

primeira característica o isolamento: elas eram situadas em ilhas distantes ou em lugares

desconhecidos sobre relevos planos, para que pudessem expandir-se e abrigar o número de

Ver FREITAG, Bárbara, 2002.

habitantes planejado. As estratégias de manipulação dos idealizadores dessas cidades não se

manifestavam apenas nas construções, mas na vida dos moradores. Acerca desta relação,

Freitag (2002, p. 175) diz: “Veremos isso na organização do trabalho num “falanstério”, em

que todos trabalhariam, inclusive crianças de 3 anos, acordando às 4:30 da manhã e dormindo

às 22:00 da noite”. No século XVIII, também idealizavam a separação da cidade em áreas

destinadas para habitar, trabalhar e se divertir.

No final do século XX, a vida nos espaços urbanos fica cada vez mais ameaçada:

fatores econômicos e sociais como a acelerada tecnologia utilizada na industrialização e a

aglomeração de indivíduos, entre outros, transformam marquises, ruas e viadutos em

moradias de muitos. Em outro extremo, para protegerem-se da violência, sujeira e poluição

das grandes cidades, famílias inteiras isolam-se em seus apartamentos luxuosos, casas

cercadas por forte esquema de segurança e condomínios fechados.

Morar, caminhar e conversar na cidade

Duarte Jr., ao discutir a “crise da modernidade tardia”, diz que há de se pensar como

se dão, hoje, as ações cotidianas fundadas nos sentidos corporais. A moradia é um dos

elementos que, segundo ele, vem sofrendo alterações tanto no modo quantitativo como no

qualitativo. Enquanto populações de desabrigados e favelados crescem a olhos vistos, existem

inúmeros imóveis desocupados por conta das especulações imobiliárias. Do ponto de vista

qualitativo, o autor, seguindo o raciocínio instrumental presente na sociedade industrial,

considera que o empobrecimento das moradias é decorrente da redução de custos empregados

na construção civil. Os imóveis são projetados, a exemplo dos Estados Unidos, para ter uma

vida útil menor, exigindo reformas constantes e, conseqüentemente, gerando lucros para as

empresas do setor. Assim, as moradias – antes construídas pelas famílias e preservadas por

gerações, por isso, ‘povoadas’ de memórias emotivas –, tornaram-se ambientes funcionais e

utilitários, com os quais seus habitantes têm pouca ou nenhuma identificação.

De qualquer forma, tanto nas pontes e nos barracos das favelas, que tentam abrigar

seus moradores do frio e da chuva, como nas mansões e condomínios nobres guardados por

muros altos e indiferentes, perde-se a dimensão afetiva. E, mais uma vez, de acordo com

Duarte Jr. (2003, p. 78), as residências transformaram-se em meros aglomerados, sem alma

nem sentimento:

[...] a nossa casa veio deixando de ser um lar, no sentido de construir uma extensão de

nossas emoções e sentimentos, veio deixando de ser um lugar expressivo da vida de

seus moradores e da cultura onde se localiza. Foi se transformando, nesta expressão

difundida, numa “máquina de morar”, fria e estritamente utilitária, sem o aconchego e

o afeto de uma verdadeira morada.

De minha parte, sustentaria, ainda, que as casas transformaram-se em meros

dormitórios após um dia de muitos compromissos que pressionam os seres humanos a

desvincularem-se do que os rodeiam. Nessa corrida contra o tempo, os sentidos são

anestesiados e referências importantes são atropeladas.

No entanto, a crise vivida nas cidades não altera apenas os modos de habitar, mas

comportamentos e formas de lazer. Nesse contexto, um outro ato mencionado por Duarte Jr. é

o caminhar, muitas vezes, restrito aos pequenos deslocamentos de um ponto a outro da cidade

quando não se pode ir com outro meio de locomoção que não seja com os próprios pés.

Caminhar sem as finalidades de perder peso, ir para o trabalho, escola ou casa, mas pelo

simples prazer de caminhar para olhar a cidade, contemplar a paisagem ou passear por praças

e parques públicos é uma cena cada vez mais rara nas populosas metrópoles. A reflexão de

Duarte Jr. (2003, p. 81) aponta o quanto os corpos perdem em termos de experiência sensível

quando as cidades negam espaços para o movimento:

[...] o ato de passear a pé pelos espaços urbanos constitui um prolongamento das

relações que o ser humano mantém com a sua habitação, pois a cidade, de certa forma,

nada mais é do que a grande moradia de toda a coletividade. O exercício do passeio

por ruas, jardins e praças do lugar onde se mora funciona, basicamente, como um

processo de identificação entre o homem e o seu ambiente vital. Processo esse do qual

resulta uma dupla identidade: primeiro, a de quem passeia, um indivíduo que, em seu

caminhar, pode se reconhecer cotidianamente na paisagem, verdadeiro repositório de

símbolos e marcos de sua biografia pessoal, e, depois, da própria cidade, a qual, antes

de ser um mero conjunto utilitário de prédios e ruas mostra-se sobretudo como uma

idéia e um sentimento no corpo de seus habitantes.

Todas essas experiências são impossíveis de serem vividas quando os corpos

permanecem sentados em automóveis, ônibus e metrôs. As pessoas não passeiam mais pelas

cidades, elas passam pelas cidades dentro dos transportes para chegar a algum lugar. Farias

diz que “o problema é que, quando estamos na cidade, nós temos objetivos. Vamos de um

ponto a outro e não percebemos o que está no meio do caminho”. Nesse percurso, os sentidos

são pouco explorados e deixamos de olhar com atenção para os transeuntes, árvores, e até

mesmos para as ruas e prédios. O canto dos pássaros confunde-se com o barulho das buzinas

dos carros e anúncios dos alto-falantes; o perfume das flores mistura-se à poluição das

fábricas, esgotos e rios. Para fugir dessa tumultuada rotina, restringimos a caminhada às

esteiras, estejam elas afixadas em frente à TV de nossas casas ou nas academias de ginástica.

E quando o ato de caminhar permite deslocamentos, os corpos se movimentam nos pequenos

trajetos dos aeroportos, centros comerciais e outros ambientes fechados das cidades.

Nesse viés, os passeios em meio à natureza são substituídos pelos programas em

shopping centers, geralmente, lugares afastados das áreas residenciais para atender aos

desejos de um público determinado que procura, entre as ofertas disponíveis, um mínimo de

segurança. Como muito acertadamente observa Duarte Jr. (2003, p. 113): “Enquanto as

<www.artenaescola.org.br> O texto reúne trechos da palestra que Agnaldo Farias proferiu na abertura do V

Encontro Técnico dos Pólos da Rede Arte na Escola, na Universidade de Caxias do Sul (UCS), em 28.04.97.

cidades se degredam, os shoppings mais e mais adquirem um estatuto de redoma, com

constantes incrementos em seus atrativos e sedutores simulacros”. Assim, os moradores

deixam de interagir com os espaços urbanos para buscar tudo pronto nas minicidades

projetadas para abrigar ruas, praças, restaurantes, cinemas, supermercados, farmácias e lojas

que ofereçam todos os sonhos de consumo a quem puder comprá-los. De certa forma, como

postulava o socialismo utópico, as cidades separam-se em áreas, ou seja, em bairros

residenciais nobres, populares, industriais, comerciais e de serviços.

Sennett (2001, p. 18) aborda a cidade como construção humana desde a Atenas antiga

à Nova York atual. Ele aponta como sendo um dos indícios da carência dos sentidos a questão

da dispersão geográfica na contemporaneidade:

O objetivo de libertar o corpo da resistência associa-se ao medo do contato, evidente

no desenho urbano moderno. Ao planejar uma via pública, por exemplo, os urbanistas

freqüentemente direcionam o fluxo de tráfego de forma a isolar uma comunidade

residencial de uma área comercial, ou dirigi-lo através de bairros de moradia,

separando zonas pobres e ricas, ou etnicamente diversas. À medida que a população

cresce, os prédios escolares e as casas situam-se preferencialmente na região central,

mais do que na periferia, para evitar o contato com estranhos. As comunidades

fechadas, com portões que as protegem, são vendidas como ideais de qualidade de

vida.

Delimitar os espaços das cidades, dividindo-as em áreas fechadas, significa apenas a

ilusão de qualidade de vida, ou melhor, de segurança. Essa medida, no entanto, não resolve as

causas dos problemas da “crise da modernidade tardia”. Prova disso são as manchetes dos

jornais, que, diariamente, dão conta da violência que acontece nos estádios de futebol,

escolas, shopping centers e lares, tanto nos mais simples como nos de classes sociais mais

privilegiadas. As grades e a vigilância privada de seguranças que freqüentemente cercam

esses locais dificultam, mas não impedem os atos de violência.

O medo generalizado divide as cidades em bairros ricos e pobres, comerciais e

residenciais, separando, também, os seus habitantes dos encontros humanos. Acaba-se

perdendo o sentimento de comunidade que seria a própria razão da cidade, pois para os

gregos, cidade é polis, que significa “multidão” e cada vez mais os corpos dão-se menos conta

da presença do outro. A sociedade volta-se para o individual, abrindo poucos caminhos para a

vida coletiva. Sem a participação do outro não existe diálogo.

Essa deterioração na qualidade de vida nas cidades, assinala Duarte Jr. (2003, p. 87),

afeta aspectos ainda mais ancestrais da condição humana: “conversar, que sempre constituiu

numa atividade rotineira e prazerosa do ser humano, vem se tornando cada vez mais um ato

de pouca ocorrência para além dos limites oficiais e burocráticos onde ela se dá”.

De acordo com tal afirmação, poder-se-ia dizer que as conversas se dão

exclusivamente em dia e horário marcados, para que as pessoas dêem conta dos inúmeros

compromissos profissionais de suas atribuladas agendas. A questão mais delicada é quando os

mesmos procedimentos repetem-se nas relações familiares. Hoje também se marca hora para

um almoço com os filhos, um jantar com o esposo. Nesses contatos, não raras vezes, as

conversas são de ordem prática e assemelham-se muito às pautas das reuniões de negócios

que exigem dos funcionários das empresas uma produção de alta qualidade para competir no

mercado.

Desde tempos imemoriais, a palavra falada faz parte da história humana: era pela

comunicação oral que, antes da invenção da escrita, os povos transmitiam seus

conhecimentos. Através da sabedoria popular, ainda hoje, conserva-se a tradição de os mais

velhos passarem aos mais jovens receitas de ervas, chás e simpatias com poderes curativos

que foram ensinadas, oralmente, pelos seus antepassados. Neste sentido, Sennett (2001, p. 55)

diz que: “As palavras pareciam aumentar a temperatura do corpo; os gregos tomavam ao pé

da letra expressões como o ‘calor da paixão’ ou ‘discursos inflamados’. Para eles, a retórica

consistia na técnica de produzir o calor verbal”.

Esse calor, hoje, é muitas vezes abrandado pela Internet, que, se de um lado facilita a

vida contemporânea, ‘agilizando’ as atividades de ordem prática e encurtando distâncias no

trabalho e nos estudos, de outro, torna, em alguns casos, os usuários seus reféns, ao priorizá-la

como espaço de convivência também no âmbito pessoal. Hoje, comunica-se muito por meio

das máquinas, que obedecem aos comandos dos internautas, enviando e recebendo

mensagens. Essa interatividade dispensa muitas vezes, por exemplo, o abraço entre amigos

num bar para “jogar conversa fora” com o pretexto de tomar um café ou ler os jornais: os

encontros presenciais são substituídos por encontros virtuais, através das trocas de

correspondências eletrônicas, fotografias digitais e microcâmeras que captam imagens e sons.

O mesmo também pode ocorrer com as relações amorosas. Muitos casais se “conhecem” nas

salas de bate-papo e a expectativa de encontrar alguém interessante naquela sonhada festa ou

num esbarrar na rua são atitudes do passado, uma vez que hoje os encontros podem acontecer

virtualmente.

O uso intenso das interfaces eletrônicas não é o único responsável pelas mudanças nas

atividades humanas. O ato de conversar sentindo o prazer de estar fisicamente junto, trocando

não apenas palavras e afetos, mas apertos de mãos, olhares e boas risadas, não parece ser uma

privação só das metrópoles. Duarte Jr. (2003 p. 87-88) lembra que:

[...] nas próprias cidades interioranas praticamente desapareceu o antigo hábito de os

vizinhos colocarem cadeiras nas calçadas para falar da vida após o jantar, numa

atividade que mantinha unida a comunidade e informada sobre os acontecimentos do

bairro e da cidade. Nos dias que correm, é muito mais comum estarmos informados

sobre as ocorrências de nosso próprio bairro por meio dos jornais, rádio ou televisão,

do que através da conversa com vizinhos e outros habitantes do local. Sem contar-se

também que as cidades atuais, como anteriormente observado, contam com

pouquíssimos lugares para encontros descompromissados, onde mesmo estranhos

possam trocar palavras e comentários acerca de acontecimentos.

A visão do autor expõe que não é só a geografia das cidades que vem sofrendo

mutações e revelando seu caráter de poder ao dividir os espaços urbanos, mas os atos guiados

pelos sentidos estão sendo alterados. Embora nas metrópoles com milhões de habitantes esses

sinais sejam infinitas vezes acentuados, nas “cidades interioranas” também há poucos espaços

disponíveis para manifestações humanas carregadas de afeto.

Finalizaria acrescentando, ainda, que nas pequenas cidades obviamente existem

formas de exclusão, em que os espaços de quem manda e de quem obedece estão bem-

definidos, refletindo-se no comportamento de muitos moradores que se sentem constrangidos,

por exemplo, em freqüentar centros culturais, galerias de arte, museus e câmaras de

vereadores de suas próprias cidades. E para grande parte dos estudantes, somente a escola

poderá propiciar a leitura de mundo, por meio de ações pedagógicas que busquem pensar a

cidade como espaço educador, onde o diálogo, as trocas, a exploração dos sentidos e os

encontros presenciais sejam possíveis a todos.

Cidade como espaço educador

Em novembro de 1990, foi realizado, em Barcelona, o I Congresso Internacional de

Cidades Educadoras. Depois dele, muitos outros se seguiram e, hoje, associações e redes

nacionais e internacionais têm projetos e programas para discutir as questões da cidade. A

carta das cidades educadoras, originada deste Congresso, substitui a expressão “cidade

educativa”, difundida no informe da UNESCO nos anos 70, por “cidade educadora”. Bernet

(1997, p. 15) define a distinção entre os dois termos:

Después de un cierto letargo de vários años, se recupera con fuerza esta expresión. O,

más exactamente, la de “ciudad educadora”. Se cambia lo de “educativa”, que sugiere

que la ciudad es um mero factor de educación, por “educadora” que indica su carácter

de agente; es decir, para resaltar la beligerancia formadora que deben asumir las

ciudades.

O documento apresenta políticas públicas, iniciativas e princípios sobre a cidade

educadora, para que os habitantes tenham direito a ela e possam usufruí-la, integrando-se aos

seus espaços de forma cultural, política e social. De acordo com um fragmento da Carta das

Cidades Educadoras (1990 apud MOLL, 2002, p. 22): “Uma cidade será educadora se oferece

com generosidade todo seu potencial, se se deixa apreender por todos seus habitantes e se lhes

ensina a fazê-lo”.

No mesmo artigo em que traz a experiência de Barcelona, Moll discute o papel das

cidades como atores sociais e políticos, afirmando que cabe ao poder público implementar

políticas sociais, mas que é na relação de diálogo com a sociedade que se consolidam e se

qualificam tais processos. Esse diálogo pode iniciar-se na escola, possibilitando a interação

com a cidade, para que, conforme Moll (2002, p. 23):

[...] cada cidadã/cidadão entenda-se como parte da cidade, comprometendo-se com

seu destino e ocupando nela espaços reais e simbólicos em um movimento pedagógico

e cultural que permita a todos, na qualidade potencial de educadores, a construção de

olhares acerca deste grande espelho-território com seus temas e problemas para

reaprendendo-o, ousarmos inventá-lo.

É no sentido de olhar para (re)criar, re(significar) e re(aprender) que proponho ler,

reler e desenhar a cidade. Como educadora em Arte, considero que é importante analisar

como os educandos lêem a cidade em que vivem, pois conforme Reis et al. (In: FRANGE;

VASCONCELLOS, 2002, p. 118): “[...] ler imagens é perceber a visualidade; é um conhecer

como se articulam seus elementos; que discursos eles criam; quais as relações entre as

experiências subjetivas e as objetivas presentes na imagem e os números de significados

possíveis [...]”.

As leituras, releituras e desenhos dos sujeitos desta pesquisa revelam a compreensão

que têm da cidade e de tudo que faz parte dela, desde seus espaços de poder e lazer, prédios,

ruas, parques, praças, movimento dos carros, até as roupas que as pessoas vestem. Tinôco et

al. (In: FRANGE; VASCONCELLOS, 2002, p. 8) explicitam, assim, o significado do

desenho urbano:

Desenhar na Oficina o Desenho Urbano é dar curso às percepções, aos sentimentos e

às emoções, aos experimentos, aos sonhos e às vivências no fazer e fazer-se urbano,

que se constitui no acontecer da cidade, do lugar onde vivemos, sejam quais forem as

condições. O lugar em que se mora é o lugar no qual a maioria das pessoas passa a

maior parte de suas vidas; portanto, um tempo enorme de seu viver. Assim, cunham-se

as expressões “minha terra”, “minha cidade”, “o lugar onde vivo”, “meu torrão”, “meu

bairro”, “minha cidade é uma vila pequenininha”, “meu lugar” entre tantas outras

carregadas de significado histórico-geográfico e de dimensão sociocultural ímpares

Ao desenhar a cidade, os educandos olham para ela, olham para si, e, nesse diálogo, a

cidade também olha para eles. Essa interação de olhares permite que coloquem em seus

desenhos suas percepções individuais e coletivas sobre a cidade. Segundo Farias

O que importa é despertar o aluno para essa riqueza que o mundo tem e para a riqueza

que pode ter a relação dele com o mundo. Nesse sentido, a cidade é o maior exercício

que nós temos. Na cidade há uma proliferação de matérias. É uma memória ao mesmo

tempo individual e coletiva, porque os espaços falam de nós.

Discutir a cidade significa abordar as questões da arte, educação, saúde, alimentação,

saneamento básico, trabalho, poder, lazer, cultura, transporte e qualidade de vida, propondo

que os educandos percebam-se nela. Nessa experiência, a percepção não estará sozinha, mas

interagindo com a ação. Para conhecer, o cidadão precisa agir sobre a cidade, refletindo sobre

o contexto da cidade e o seu próprio contexto, como, mais uma vez, afirma Farias

: “Quando

você pedir para o aluno que ele olhe para o mundo, para que escolha um fragmento daquilo

que interessa da sua cidade e eleja, ele vai eleger alguma coisa. Ele vai se escolher. Ele vai se

reencontrar no mundo”.

Os educandos também colocam-se na cidade quando atribuem um sentido a ela através

de suas leituras, releituras e desenhos. O que pensamos da cidade e o que ela tem a nos dizer

nunca é um ato individual, descontextualizado de nossas relações com o mundo. Paviani

(2003a, p. 19) diz que “se é verdade que as coisas são como nós as vemos, também é verdade

que esse ver ou ouvir, tocar, etc. nunca é simplesmente um ver, um sentir puros”. E

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complementa: “Em tudo que fazemos algo nos faz ser daquele modo, em tudo que pensamos

algo nos pensa”.

Por isso, pensar a cidade de Antônio Prado como possibilidade educadora vai além de

olhar sua arquitetura. Olhar a cidade significa também interpretar as relações entre as pessoas

e a cidade.

Muitas cidades dentro de uma mesma cidade

Cada cidade é construída dependendo do olhar de quem a olha. Uma mesma cidade

pode ser lida de diferentes ângulos. A posição de quem olha poderá falar de uma outra cidade

dentro da mesma cidade.

Na obra As cidades Invisíveis, de Italo Calvino, Kublai Khan é o senhor de um império

tão vasto que nem ele mesmo conhece todas as cidades que o compõem. Por isso, o imperador

mongol envia seus embaixadores para elas com a missão de contar-lhe como é cada uma. As

descrições de Marco Polo, ricas em detalhes, são as preferidas de Khan, que, mesmo

desconfiando de que o jovem veneziano não pudesse conhecer tantas cidades, ouve-lhe

atentamente. Marco, na verdade, parte do olhar de uma mesma cidade para recriar outras que

estão em sua mente, mesmo que nunca as tenha visto e acredite que nunca irá conhecê-las. Ao

perceber que eram todas parecidas, a mente de Khan também passou a desmontar cada pedaço

da cidade apresentada, reconstruindo-a de outra maneira. Entretanto, o imperador questiona

porque Veneza foi a única que Marco nunca mencionou. O rapaz responde-lhe (Calvino,

1990, p. 82): “– E de que outra cidade imagina que eu estava falando?”, completando, mais

adiante: “– Para distinguir as qualidade das outras cidades, devo partir de uma primeira que

permanece implícita. No meu caso, trata-se de Veneza”.

Farias

, referindo-se ao clássico de Calvino, diz que “são mesmo muitas as cidades

que cabem dentro de uma mesma e única cidade”. Assim, perguntaria: quantas cidades

existem em Antônio Prado para além da cidade tombada pelo Patrimônio Histórico e

Artístico? Existem outras para além do discurso arquitetônico

? Talvez a obra de Calvino

(1990, p. 59) possa suscitar algo nesse sentido quando Marco Polo diz ao imperador: “Você

sabe melhor do que ninguém, sábio Kublai, que jamais se deve confundir uma cidade com o

discurso que a descreve. Contudo, existe uma ligação entre eles”. Farias

, ao comentar tal

resposta, afirma:

Quer dizer, o discurso que a descreve não se confunde com o objeto, tem relação com

o objeto, mas não é objeto. Nós vivemos nos esquecendo disso. A rigor, um texto

como esse do Ítalo Calvino só pode ser pensado dentro dos marcos da modernidade. É

na modernidade que você tem, mais do que nunca, a consciência de que aquilo que se

está fazendo é uma aventura de linguagem. Então é essa força que a palavra tem, ou

que uma boa tela pode ter, ou que uma boa escultura pode ter. É disso que nós

estamos falando, dessa capacidade que o homem tem de apresentar coisas, de colocá-

las para os outros homens e para si próprio. E de se extasiar diante disso.

Voltando a Antônio Prado, parece-me mesmo impossível não relacioná-la ao

tombamento. Esse é o discurso. Porém, a cidade – utópica, porque expressa nos termos de

uma idealização, portanto sobreposta aos conflitos inerentes a toda e qualquer sociedade –

composta pela arquitetura da colonização italiana não é a única dentro de Antônio Prado,

embora essa faça parte da vida de quem nela mora. A arquitetura confunde-se com a cidade,

mas não é a cidade. Por isso, é necessário conhecer como os sujeitos da pesquisa dialogam

com a cidade. O modo como a apresentam em suas falas e desenhos revela o olhar de quem

faz parte do contexto. Conforme Calvino (1990, p. 115): “A cidade de quem passa sem entrar

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Como um conjunto de prédios da área central da cidade foi tombado pelo IPHAN, o discurso vigente é o de

sua arquitetura e ‘italianidade’.

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é uma; é outra para quem é aprisionado e não sai mais dali; uma é a cidade à qual se chega

pela primeira vez, outra é a que se abandona para nunca mais retornar; cada uma merece um

nome diferente [...]”.

Seja a cidade qual for, cada um a olhará a partir de suas relações com o lugar, pois

sempre estaremos aprendendo com a cidade e a reconstruindo a partir de nossos referenciais.

Bernet (1997, p. 19) afirma que “la idea de ‘ciudad educadora’ consiste en simple

reconocimiento de que las ciudades, en si mismas educan”. Ele quer dizer que sempre será

possível e necessário ser otimista na projeção educativa da cidade. Por isso, Bernet (1997, p.

20) pontua três dimensões entre a educação e a cidade:

La primera dimensión consiste en considerar a la ciudad como contenedor de

educación; és decir, de instituciones, medios, recursos, relaciones, experiencias...

educativos. La frase que puede identificar esta dimensión será: aprender en la ciudad.

La segunda dimensión es la que hace del meio urbano un agente educador; es decir,

aprender de la ciudad. Y a tercera dimensión convierte a la propria ciudad en

contenido de la educación; o sea, aprender la ciudad.

Assim, olhar, nesta dissertação, tomando emprestada a definição de Bernet, também

significa aprender na cidade (ser possuidor de seus espaços formais), aprender da cidade

(tendo o meio urbano como agente educador) e aprender a cidade (discutir a relação entre as

pessoas e a cidade).

1.3. PAULO FREIRE E A LEITURA DO MUNDO

Como educador preciso de ir “lendo” cada vez melhor a leitura do mundo que os

grupos populares com quem trabalho fazem de seu contexto imediato e do maior de

que o seu é parte. O que quero dizer é o seguinte: não posso de maneira alguma, nas

minhas relações político-pedagógicas com os grupos populares, desconsiderar seu

saber de experiência feito. Sua explicação do mundo de que faz parte a compreensão

de sua própria presença no mundo. E isso tudo vem explicitado ou sugerido ou

escondido no que chamo “leitura do mundo” que precede sempre a “leitura da

palavra” (FREIRE, 1996, p. 90).

Para Freire, ler significa compreender a relação entre texto e contexto. Por isso, a

alfabetização nunca é um ato neutro de quem apenas memoriza e repete palavras

mecanicamente. É preciso adentrar no texto para entender o mundo e apropriar-se dele. No

ato de ler, linguagem e realidade devem andar juntas, para que o leitor compreenda não só o

contexto em que o texto foi escrito, mas o seu próprio contexto, considerando as experiências

sociais e individuais dos homens. De acordo com Freire (2003, p. 21), ler “implica sempre

percepção crítica, interpretação e ‘re-escrita’ do lido”.

A compreensão do ato de ler, no entanto, pode ir além do emprego dado pelo educador

brasileiro na alfabetização de Jovens e Adultos. A leitura da imagem, no ensino da arte, pode

proporcionar aos educandos uma alfabetização humanizadora, permitindo o diálogo entre eles

e o texto visual, para que possam ressignificar o mundo. Segundo Ana Mae Barbosa (1998, p.

35):

[...] este princípio de leitura como interpretação cultural, com muita influência de

Paulo Freire, foi inicialmente experimentado na organização, cursos e oficinas do

Festival de Inverno de Campos de Jordão em 1983

[nota minha], que podemos

considerar a primeira experiência pós-moderna de ensino da arte no Brasil.

Entre os anos de 1987 a 1993, a leitura de obras de arte originais foi amplamente

sistematizada no Setor de Arte Educação do Museu de Arte Contemporânea (MAC/USP),

através da Proposta Triangular. No período em que Freire foi Secretário de Educação de São

Paulo, uma Proposta, que propunha a leitura de reproduções de obras, foi realizada nas

escolas da rede municipal de ensino da cidade. O projeto, conduzido de 1989 a 1992,

inicialmente por Ana Mae Barbosa, depois por Regina Machado e Christina Rizzi, trouxe um

De acordo com a própria Ana Mae Barbosa (1991), o evento, organizado por ela, Cláudia Toni e Gláucia

Amaral, foi pioneiro, por ter sido o primeiro programa a conectar análise da obra de arte e/ou da imagem com a

história da arte e com o trabalho prático.

saldo positivo para o ensino da arte no Brasil, possibilitando que os educandos interpretassem

a arte. Ainda em 1989, através do Projeto Arte na Escola, financiado pela Fundação Iochpe,

foi realizada uma pesquisa com crianças de 5ª a 8ª séries do Ensino Fundamental e 1º e 2º

anos do Ensino Médio em escolas das redes particular e pública de Porto Alegre, RS. A

investigação, coordenada por Pillar e Vieira, utilizou o vídeo e imagens fixas para a leitura de

obras. O resultado da pesquisa demonstrou que as crianças que tiveram acesso a esses

recursos apresentaram avanços maiores (tanto em suas criações artísticas como em suas falas

sobre arte) do que aquelas que não o tiveram.

Todas essas experiências educativas desenvolvidas, a partir dos anos 80, com a

introdução de imagens na sala de aula, trouxeram avanços significativos para o ensino da arte.

É importante lembrar, no entanto, que muito antes de se ouvir falar em cultura visual, Freire já

se apropriava da imagem em suas experiências educativas nos anos 60, como confirma

Feitosa

: “Cabe aqui também o registro que o educador, ao trabalhar com slides, gravuras,

enfim materiais audiovisuais, foi um dos pioneiros na utilização da linguagem multimídia na

alfabetização de adultos. Isso prova o quanto Paulo Freire estava à frente de seu tempo”.

A alfabetização proposta por ele vai além do ato de ler e escrever simplesmente

palavras, porque proporciona aos educandos a leitura crítica de mundo. Para Freire (2003, p.

71), “antes mesmo de aprender a ler e a escrever palavras e frases, já estamos ‘lendo’, bem ou

mal, o mundo que nos cerca”. Do mesmo modo, seguindo a postulação freireana, antes

mesmo de ler o texto escrito dos livros infantis, a criança lê o texto visual que ilustra suas

páginas: a criança conta a história através das imagens presentes no livro. Tanto na leitura

escrita como na leitura visual, usando as palavras do autor, o movimento do mundo à palavra

e da palavra ao mundo está sempre presente, diz Freire (2003, p. 20), “[...] a leitura do mundo

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precede sempre a leitura da palavra e a leitura desta implica a continuidade da leitura

daquele”. Sobre a afirmação do educador, Pillar (1999, p. 14) comenta:

Parafraseando Paulo Freire, Luis Camargo diz que a leitura da imagem precede a

leitura da palavra. Nesse sentido, o primeiro mundo que buscamos compreender é o da

família, a casa onde moramos, o quintal onde brincamos, a pracinha, o bairro onde

vivemos, a cidade, o Estado, o país. Tudo isto marcado fortemente por nosso lugar

social, nossa origem. E, ao buscar compreender, estamos fazendo leituras desse

mundo. Leitura crítica, prazerosa, envolvente, significativa, desafiadora. Leitura que,

inserida num contexto social e econômico, é de natureza educativa e política, pois

nossa maneira de ver o mundo é modelada por questões de poder, por questões

ideológicas.

Assim, a leitura crítica do mundo, presente na obra de Freire, e a leitura da imagem, no

ensino da arte, proposta por Ana Mae Barbosa, têm muitas relações, pois em ambas abrem-se

espaços para o diálogo na sala de aula. Os educadores deixam de falar para os educandos para

falar com eles, passando a ouvi-los. Em tais práticas educativas é fundamental que os

educadores respeitem tanto os níveis de compreensão que os educandos têm da própria

realidade quanto os níveis de compreensão estética

Para compreender, interpretar, julgar e ressignificar a arte e o mundo precisamos

conhecê-los. Somente através do ato de conhecer pela ação é possível a conscientização

defendida por Freire, que exige, ao mesmo tempo, um olhar crítico e amoroso sobre os

homens.

1.4. AS MUDANÇAS NO ENSINO DA ARTE NO BRASIL: LEITURA, PRODUÇÃO E

CONTEXTUALIZAÇÃO

Na década de 1970, através do movimento de Arte-Educação, iniciaram-se as

manifestações sobre a importância do aprimoramento dos educadores e a valorização da

Os níveis de compreensão estética são enfocados neste capítulo da dissertação, conforme pesquisa realizada,

em contexto brasileiro, por Maria Helena Wagner Rossi.

Educação Artística na escola. Essas idéias foram difundidas e apresentadas em eventos

promovidos por universidades, associações de educadores em Arte e entidades que discutiam

o seu futuro na ação educativa.

Segundo os Parâmetros Curriculares Nacionais em Arte – PCN (2000, p.28): “Em

1971, pela Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional, a arte é incluída no currículo

escolar com o título de Educação Artística, mas é considerada ‘atividade educativa’ e não

disciplina”.

Apesar de todas as discussões levantadas, desde então, foi a Proposta Triangular,

elaborada por Ana Mae Barbosa (1991, p.33) e difundida no Brasil a partir do final da década

de 1980, que determinou as atuais transformações ocorridas no ensino da arte no país. A

autora argumentava que:

Sem conhecimento de arte e história não é possível a consciência de identidade

nacional. A escola seria o lugar em que se poderia exercer o princípio democrático de

acesso à informação e formação estética de todas as classes sociais, propiciando-se na

multiculturalidade brasileira uma aproximação de códigos culturais de diferentes

grupos.

Respeitando a realidade brasileira, Ana Mae Barbosa buscou inspiração em algumas

experiências realizadas nas Escuelas al Aire Libre, do México (que unia arte como expressão

e como cultura), no Critical Studies, da Inglaterra (que integrava cultura e expressão), e no

Movimento de Apreciação Estética aliado ao Discipline-Based Art Education (DBAE), dos

Estados Unidos (que englobava a Produção, a Crítica, a História e a Estética da arte). A

respeito de tais tendências, Ana Mae Barbosa (1997, p. 10-11) afirma:

As metodologias que orientaram o ensino da arte nos anos 80, denominadas ensino

pós-moderno da arte nos Estados Unidos, ou ensino da arte contemporâneo na

Inglaterra, consideram a arte não apenas como expressão, mas também como cultura,

apontando para a necessidade da contextualização histórica e do aprendizado da

gramática visual que alfabetize para a leitura da imagem. A arte passou a ser

concebida nos projetos de ensino da arte nos anos 80 como cognição, uma cognição

que inclui a emoção e não unicamente como expressão emocional; a arte passou

também a priorizar a elaboração não apenas da originalidade.

No livro Tópicos Utópicos, Ana Mae Barbosa (1998, p. 33) faz, no entanto, algumas

correções na Proposta Triangular, começando pela primeira nomenclatura, divulgada como

Metodologia Triangular, por considerar que “metodologia é construção de cada professor em

sua sala de aula”.

Outro equívoco apontado por ela é referir-se à sua obra como uma adaptação ou cópia,

principalmente, do DBAE americano, pois, como já explicitado anteriormente, a Proposta

Triangular foi elaborada respeitando o contexto brasileiro. Sobre isto, Ana Mae Barbosa

(1998, p. 37) diz:

[...] como participante da sociedade pós-moderna, não sou contra a cópia, desde que

inscrita no tempo e na locação adequados e fruto de reconstrução. O mito da

originalidade é modernista, o pós-modernismo valoriza mais intensamente a

elaboração dentre os processos mentais envolvidos na criatividade. Contudo, diria que

a Proposta Triangular se opõe ao DBAE, porque este disciplinariza os componentes da

aprendizagem da arte, separando-os em fazer artístico, crítica de arte, estética e

história da arte, revelando inclusive um viés modernista na defesa implícita de um

currículo desenhado por disciplinas. É a contradição intrínseca do DBAE, um sistema

para o ensino da arte de idéias pós-modernistas, mas de construção modernista.

Enquanto isso, a Proposta Triangular designa ações como componentes curriculares: o

fazer, a leitura e a contextualização.

A disseminação da Proposta Triangular e as mudanças conquistadas desde os anos 70

contribuíram para que a Arte fosse reconhecida como uma área de conhecimento e

obrigatoriamente incluída na estrutura curricular, sob a Lei número 9.394/96, de Diretrizes e

Bases da Educação Nacional. Conforme PCN (2000, p. 30): “O ensino da arte constituirá

componente curricular obrigatório, nos diversos níveis da educação básica, de forma a

promover o desenvolvimento cultural dos alunos (art. 26, § 2º da lei)”. Com a garantia da Arte

assegurada pela lei, o seu ensino passou a ser visto como possibilidade de formação artística a

todos e de acesso ao patrimônio cultural da humanidade, à educação estética e à estética do

cotidiano.

Influenciadas pela Proposta Triangular, as escolas passaram a integrar em seu

currículo o uso de imagens, com o intuito de promover a leitura. Para um melhor

entendimento sobre os três eixos que compõem a Proposta, passarei a explicitá-los segundo a

definição de Ana Mae Barbosa e a contribuição de alguns pesquisadores em ensino da arte

que discutem a leitura, a produção e a contextualização:

Leitura

A leitura da obra, como foi denominada no início da Proposta Triangular, era a grande

novidade trazida ao ensino da arte. A autora alegava que no Brasil sempre tinha predominado

o trabalho de atelier, mas que somente o fazer arte não era suficiente para que as crianças

pudessem julgar as qualidades das obras produzidas por artistas. Em defesa da leitura, Ana

Mae Barbosa (1991, p. 34) assim argumentava:

Temos que alfabetizar para a leitura da imagem. Através da leitura de obras de artes

plásticas estaremos preparando a criança para a decodificação da gramática visual, da

imagem fixa e, através da leitura do cinema e da televisão, a preparamos para aprender

a gramática da imagem em movimento.

A leitura é, no entanto, aqui considerada não apenas no sentido de contemplar um

objeto artístico, mas numa abordagem mais ampla, que abarca a interpretação. Pillar (2002, p.

72) diz que: “A palavra leitura tem sido empregada para denominar o que fazemos ao refletir

sobre o que estamos olhando”. Assim, é oportuno acrescentar que é através da leitura que o

sujeito poderá olhar, discutir, interpretar e julgar uma imagem atribuindo um significado.

Conforme enfatiza Rossi (2003, p. 22), citando Parsons, “[...] o significado sempre depende

de um contexto. Portanto, a cultura da qual vêm as crianças tem muito mais importância e

também a cultura da qual vem o objeto de arte”. Assim, a leitura ocorre na interação do leitor

com seu contexto e com a imagem.

De acordo com Pillar e Viera (1992, p. 9), “ler uma imagem é saboreá-la em seus

diversos significados, criando distintas interpretações, prazerosamente”. Por isso, não há uma

única interpretação de uma mesma imagem, mas interpretações resultantes das relações que

cada leitor estabelece com o texto visual, considerando não só suas condições cognitivas, mas

o contexto social, cultural, político, econômico em que vive.

Rossi (2003, p. 18-19) aborda a questão da leitura da seguinte forma:

Pode-se supor, então, que leitura e apreciação são sinônimos de compreensão, e que

essa é decorrente da interpretação. Se o texto responder às nossas interrogações, pode-

se dizer que foi lido, no sentido aqui pretendido. Estas interrogações dependem das

condições (cognitivas, socioculturais) de cada leitor. Na leitura de uma obra de arte, as

perguntas podem ser sobre a beleza, ou sobre a verdade, mas há que se considerar que

uma criança poderá perguntar, ao ler a Guernica de Picasso: “Por que estes fantasmas

estão presos neste quarto?” As perguntas que emergem serão sempre as oportunas,

para cada pessoa, em cada momento da vida [...].

Mais adiante, Rossi (2003, p. 19) afirma que o termo leitura pode ser confundido com

apreciação, fruição, percepção, recepção, acesso, apreensão, compreensão, atribuição de

sentido, e que “todos servem para denotar o processo que o leitor vive na relação com a

obra/imagem, seja na interatividade, na pintura, no museu, ou na sala de aula, onde,

atualmente, milhares de alunos estão a olhar para as reproduções de obras de arte que os

professores estão trazendo para as atividades de leitura”.

Mas para que a leitura realmente aconteça é preciso refletir ao olhar. Somente assim os

educandos poderão atribuir sentido às imagens, sejam elas da arte, da cidade, da publicidade

ou do cotidiano. De acordo com a idéia de que a leitura é construída por cada leitor ao pensar

seriamente sobre as imagens, Ana Mae Barbosa (1998, p. 40) amplia o conceito sobre o

assunto, destacando:

Leitura da obra de arte é questionamento, é busca, é descoberta, é o despertar da

capacidade crítica, nunca a redução dos alunos a receptáculos das informações do

professor, por mais inteligentes que elas sejam. A educação cultural que se pretende

com a Proposta Triangular é uma educação crítica do conhecimento construído pelo

próprio aluno, com a mediação do professor, acerca do mundo visual e não uma

“educação bancária”.

Considerando que o sentido atribuído pelo leitor não está isolado da vida, precisamos

mediar a relação dos educandos com as imagens e conhecer como os diálogos são construídos

quando eles olham para os textos visuais.

Produção

A produção/criação deixou de ser entendida como prática de recreação, habilidade

motora ou atividade livre desde o final da década de 1980.

O fazer artístico, como foi definido inicialmente um dos vértices da Proposta, está

ligado à construção, pois envolve cognição, solicita ação, interpretação e representação das

experiências individuais e coletivas, por isso não pode ser considerado laissez-faire. Ana Mae

Barbosa (1991, p. 34) diz:

Este fazer é insubstituível para a aprendizagem da arte e para o desenvolvimento do

pensamento/linguagem presentacional, uma forma diferente de pensamento/linguagem

discursivo, que caracteriza as áreas nas quais domina o discurso verbal, e também

diferente do pensamento científico presidido pela lógica.

Eisner (1997, p. 83), referindo-se ao DBAE, discute a importância da estrutura

curricular no ensino da arte e afirma: “A produção de arte ajuda a criança a pensar

inteligentemente sobre a criação de imagens visuais. Ela pode criar imagens que tenham força

expressiva, coerência, discernimento e inventividade”.

No mesmo artigo, mais adiante Eisner (1997, p. 85) complementa:

Acredito que a História da arte, a crítica da arte, e até mesmo a Estética ganham valor

para os alunos se estiverem relacionadas com a sua produção em arte. Um estudante

envolvido com a criação de movimento virtual em uma pintura terá mais

possibilidades de encontrar sentido nos trabalhos de Bridget Riley, Marcel Duchamp e

dos futuristas, do que um estudante não envolvido. Os motivos pelos quais estes

artistas se interessaram pelo movimento virtual podem ser examinados, e as diferentes

soluções para resolverem seus problemas podem ser então, melhor compreendidas.

Nesse viés, um bom programa em educação e Arte necessita de uma estrutura para

organizar as ações curriculares sem que precise, no entanto, elaborar uma receita ordenada em

que primeiro sempre é proposta a leitura, depois a contextualização e, só então, a produção.

As ações artísticas como desenhar, pintar, gravar, esculpir, dançar, coreografar,

encenar, improvisar, compor, musicar, fotografar, expor, entre outras, somente têm

significação quando conectadas com o pensar.

Contextualização

Embora Ana Mae Barbosa (1991, p. 37) já mencionasse o contexto quando a Proposta

Triangular começou a ser disseminada, ela referia-se a um dos eixos da triangulação: “A

história da arte ajuda as crianças a entender algo do lugar e tempo nos quais as obras de arte

são situadas. Nenhuma forma de arte existe no vácuo: parte do significado de qualquer obra

depende do contexto”.

Contudo, com o passar do tempo, o termo foi substituído por contextualização, pois o

seu propósito é mais do que buscar informações históricas sobre a obra. Significa estabelecer

relações entre a arte e as experiências, a arte e outras áreas do conhecimento, a arte e o

cotidiano do leitor. Ao rever seus posicionamentos, Ana Mae Barbosa (1998, p. 43) explicita:

A contextualização pode ser a mediação entre percepção, história, política, identidade,

experiência e tecnologia, que transformará a tecnologia de mero princípio operativo

em um modo de participação, tornando visíveis os mundos participatórios do consumo

imediato.

Desse modo, para contextualizar uma imagem, precisamos levar em consideração o

contexto do artista, o contexto em que a obra foi produzida e o contexto do leitor, pois não há

imagem sem contexto histórico, social, antropológico, político, cultural, geográfico,

biológico.

A autora lembra que no período em que a Proposta Triangular foi sistematizada no

Museu de Arte Contemporânea (MAC/USP), a contextualização era prioritariamente

histórica, mas, com o tempo, a experiência foi ampliada, associando-se o pensamento não

apenas a uma disciplina, mas a um conjunto de saberes que abriram caminhos para a

interdisciplinaridade. Segundo Ana Mae Barbosa (1998, p. 38), reduzir a contextualização à

história é um viés modernista: “É através da contextualização que se pode praticar uma

educação em direção à multiculturalidade e à ecologia, valores curriculares que definem a

pedagogia pós-moderna acertadamente defendidos pelos Parâmetros Curriculares Nacionais

(PCN)”. A educação voltada para o social não está preocupada em apenas fornecer aos

educandos informações sobre determinada obra e movimento artístico, mas em considerar a

importância da contextualização de conceitos subjetiva, cultural e socialmente construídos na

compreensão estética.

1.4.1. A releitura como prática escolar

A releitura é uma das possibilidades de produção artística que vêm sendo amplamente

realizada na escola. No entanto, essa prática não deve ser entendida como cópia, mas como o

momento em que os educandos têm a oportunidade de criar a partir de sua leitura, buscando

referência numa obra já produzida. Como já mencionei na Introdução desta dissertação, a

releitura revela características presentes na leitura estética. Rossi e Demoliner (2003, p. 50)

afirmam que quando as leituras enfocam o concreto, compreendendo que a arte é uma

representação da realidade, as releituras são literais:

Assim como há diferentes interpretações de um texto visual, há diferentes

possibilidades de releituras desse texto. A releitura será sempre coerente com a

compreensão que o aluno constrói na leitura de uma imagem/obra. Cada leitura revela

o nível de complexidade cognitiva e aprimoramento das idéias estéticas do aluno. A

esses dois aspectos devem-se as diferenças entre as leituras e as releituras produzidas

na escola.

De acordo com as autoras, é importante que o professor conheça as possíveis leituras

de seus alunos para que possa compreender as suas releituras e avaliar as suas propostas de

trabalho no ensino da arte. Portanto, leituras e releituras são coerentes com a idade, o nível de

desenvolvimento cognitivo, a familiaridade com as imagens e o contexto em que cada um

vive.

No cenário contemporâneo, a publicidade, através de recursos computacionais, insere

perfumes, sabonetes, sapatos e uma infinidade de outras mercadorias em imagens da arte,

como se tais produtos fizessem parte do contexto da obra. Nesse caso, a publicidade utiliza-se

das imagens como sendo uma estratégia de marketing, para valorizar seus anúncios – e

vender. As imagens da arte também são usadas para estampar as manchetes das capas de

revistas, para ilustrar matérias sobre futebol, economia, assuntos ligados à ciência e

comportamento ou na propaganda política.

Conforme Ana Mae Barbosa (1997, p. 11), “a edição de imagens de segunda geração

[nota minha], isto é, a construção de uma imagem plástica pessoal baseada em imagens

produzidas ao longo da história, passou a ser admitida na escola como processo de

Imagens que devem sua existência a outras anteriormente produzidas.

aprendizagem, e na teoria da arte recebeu o nome de citacismo”. Desse modo, a releitura é

uma das maneiras de se relacionar com a imagem.

Talvez os conceitos sejam relativamente recentes, mas há muito tempo os artistas

buscam nas obras de outros artistas referências para produzir suas imagens. Van Eyck (1370-

1441), Diego Velázques (1599-1660), Pablo Picasso (1881-1973), Andy Warhol (1928-1987)

e Roy Lichtenstein (1923-1997) são apenas alguns exemplos dos que utilizaram intensamente

imagens anteriores para criar suas obras. A este respeito, Ana Mae Barbosa (1991, p. 20) diz,

no livro A imagem no ensino da arte: “Organizei uma palestra mostrando como os artistas

vêm tomando de empréstimo imagens de outros artistas, quer seja suprimindo referências à

sua origem ou como citações explícitas e evidentes, como no caso de artistas pop”. A intenção

dela, com tal argumento, era convencer os arte-educadores de “que se o artista utiliza imagens

de outros artistas, não temos o direito de sonegar estas imagens às crianças”.

Assim, é impossível o purismo nas produções artísticas, conforme acreditava-se no

Modernismo. Se as obras dos próprios artistas remetem a outras, não podemos negar as

imagens aos nossos educandos. Mas, para que ocorra uma educação estética no ensino da arte,

vale reforçar as idéias trazidas por Rossi e Demoliner sobre a importância dos educadores

conhecerem as leituras para compreenderem as releituras que vêm sendo realizadas na escola.

Apesar de na leitura crianças e adolescentes pensarem sobre a produção alheia e na releitura

sobre suas próprias produções, o pensamento de cada um atinge níveis diferentes. O mesmo

também acontece com as releituras, que vão desde tentativas de reproduções dos textos

visuais lidos até as que atingem o nível das reelaborações. No entanto, as atividades de

releituras realizadas com crianças das séries iniciais ou até mesmo finais do Ensino

Fundamental nem sempre são reelaborações, em função das estruturas cognitivas disponíveis

no momento e pelo pouco convívio com as imagens.

1.5.ESTUDOSSOBREACOMPREENSÃOESTÉTICA

A partir de uma perspectiva desenvolvimentista, Parsons enfocou cinco estágios da

compreensão estética, assunto estudado por vários pesquisadores desde o século XIX, nos

Estados Unidos.

Em contexto brasileiro, Rossi estudou o pensamento estético dos alunos da Educação

Básica e estabeleceu três níveis, a partir de uma ampla pesquisa realizada na cidade de Caxias

do Sul, RS. A seguir passo a explicitar as pesquisas realizadas pelos dois autores:

1.5.1. A compreensão da arte conforme Parsons

Em seus estudos, Parsons (1992, p. 37) considera os aspectos estético e psicológico na

evolução da compreensão da arte. Sobre o estético, afirma: “Cada estádio

interpreta a

pintura de forma mais perfeita do que o anterior. Cada um deles atinge uma nova percepção e

utiliza-a para interpretar os quadros de modo mais completo do que o estádio anterior”.

Quanto ao aspecto psicológico, diz Parsons (1992, p. 38): “Os estádios assentam na nossa

capacidade crescente para assumir os pontos de vista dos outros, a dimensão comum dos

esquemas de desenvolvimento cognitivo”.

Segundo sua teoria, em cada estágio aparece uma idéia ou um grupo de idéias que

prevalece na leitura. São elas: o tema (incluindo as idéias acerca da beleza e do realismo), a

Em seu livro Compreender a arte: uma abordagem à experiência estética do ponto de vista do

desenvolvimento cognitivo, Parsons usa o termo estádio, enquanto no Brasil é utilizado estágio. Nas citações

referentes à obra do autor, conservei a tradução portuguesa, conforme traz o livro já mencionado; nos demais

casos “estágio”.

expressão, o estilo da obra e o juízo. Cada uma destas idéias, que o autor denomina de tópicos

estéticos, é entendida de forma diferente em cada um dos cinco estágios do desenvolvimento

estético. Assim, ele define com clareza a concepção de estágio em sua pesquisa. De acordo

com Parsons (1992, p. 37): “Cada estádio é uma estrutura frouxamente organizada onde um

certo número de idéias são modeladas por uma perspectiva dominante da arte”.

O pesquisador alerta, no entanto, que não é o leitor que se encontra em um

determinado estágio, mas que este serve-se das idéias de um ou mais estágios no momento da

leitura. Reforçando essa tese, Parsons (1992, p. 27) diz que: “Descrever um estádio não é

descrever uma pessoa, mas um conjunto de idéias. As pessoas servem-se dessas idéias para

compreenderem a pintura”.

Para o autor, quase todas as crianças pequenas, em idade pré-escolar, utilizam idéias

do Primeiro Estágio. Os principais elementos enfocados por elas são a cor e o tema. No

entanto, a atenção desloca-se de um ponto a outro da imagem, pois ainda não apreendem o

todo do quadro, mas suas partes. Sentem uma forte atração pela cor, mas o fato de um quadro

ser figurativo ou abstrato não faz muita diferença. O que importa, mesmo, é que este seja

muito colorido. Ao ver uma imagem que represente um cão, por exemplo, podem dizer que

gostam do animal e que também têm um. Os sujeitos que apresentam idéias desse estágio não

fazem distinção entre gostar e julgar. Parsons diz que, neste estágio, é difícil imaginar um

quadro mau. Assim, uma imagem é boa se, por exemplo, tiver a cor preferida da criança.

O tema é o tópico estético predominante no Segundo Estágio e está relacionado aos

conceitos de beleza e de realismo, ou seja, de acordo com Parsons (1992, p. 40), uma imagem

é bela porque seu tema é belo: “Por exemplo, o Renoir pode ser considerado um bom quadro

porque representa um cão, e os cães são bonitos. Mas esta última observação sublinha agora

uma característica própria do cão, e não os gostos do observador, ao contrário do que

acontecia no primeiro estádio”.

A análise de Parsons revela um progresso psicológico nesse estágio, pois a idéia de

beleza é construída, considerando o ponto de vista dos outros. No entanto, tais sujeitos

fundem a idéia de belo com a idéia de moralmente bom. Um quadro é bom quando seu tema é

belo e quanto mais realista for a representação. Os leitores aceitam melhor uma imagem

figurativa do que uma abstrata, pois buscam entender o que estão vendo. Também admiram a

habilidade do artista ao pintar quadros que aparentam ter tido uma realização mais demorada

e difícil.

Como a análise é mais emotiva e menos cognitiva, a expressividade passa a ser o

tópico estético principal do Terceiro Estágio. Parsons (1992, p. 86) diz que o sentimento ou

pensamento expresso pode ser o do artista, o do observador ou de ambos: “Os quadros não

são tanto sobre objectos concretos como sobre aquilo que podemos pensar ou sentir e

devemos apreender interiormente. Exprimem aspectos da experiência, estados de espírito,

significações, emoções: coisas subjectivas [...]”. O tema passa ser o sentido do objeto e não

mais o objeto. Os sujeitos olham uma imagem em função da experiência que pode

proporcionar: quanto mais intensa e interessante for a experiência, melhor será o quadro. Por

isso, a beleza está relacionada ao caráter expressivo da obra.

No Quarto Estágio, as experiências e sentimentos são mais sociais do que

individuais, pois a interpretação é um processo público em que os leitores vão confrontando

as suas idéias com as de outros. Segundo Parsons (1992, p. 41): “À medida que as comentam,

vão considerando determinados aspectos mais relevantes do que outros. Ajudam-se umas às

outras a ver com maior acuidade”. Nesse estágio, os interesses consideram aspectos

históricos, artísticos e centram-se na organização e no estilo da obra que dão sentido ao todo.

Para Parsons (1992, p. 42):

Do ponto de vista estético, o quarto estádio representa um avanço porque considera

relevantes o meio de expressão, a forma e o estilo e estabelece uma distinção entre a

atracção literária do tema e do sentimento e aquilo que a obra em si consegue realizar.

Põe em evidência as relações estilísticas e históricas entre os quadros, e alarga a gama

dos sentidos que a pintura pode exprimir. Permite-nos descobrir a utilidade da crítica

de arte enquanto guia da nossa percepção e considerar o juízo estético como racional e

susceptível de objectividade.

O sentido do quadro não é dado apenas pelo conteúdo de uma consciência individual,

mas pela interpretação pública que vai sendo construída e aperfeiçoada ao longo do tempo a

partir da tradição em observar um conjunto de obras. A compreensão de uma determinada

imagem é coletiva, pois o leitor dialoga com as idéias presentes no mundo da arte.

No Quinto Estágio, os leitores conseguem fazer um julgamento estético por si

mesmos, não utilizando apenas recursos tradicionais e históricos, embora respeitem o

ponto de vista dos outros.

Conforme Parsons (1992, p. 163), no último estágio os leitores distinguem mais

claramente o juízo da interpretação:

A interpretação é a reconstrução do sentido; o juízo é a avaliação que fazemos do

valor do sentido. Anteriormente não distinguíamos uma coisa da outra. Estávamos

mais interessados em descobrir a significação dos quadros do que em discutir o valor

dessa significação, e considerávamos válido todo o quadro que tivesse sentido. No

quinto estádio, todavia, interrogamos-nos também sobre a validade do sentido.

A pesquisa de Parsons aponta, no entanto, que os adultos que se servem das idéias dos

últimos estágios, as quais permitem que discutam racionalmente os juízos estéticos, são

aqueles que freqüentemente são confrontados com obras de arte e refletem seriamente sobre

elas.

1.5.2. O pensamento estético segundo Rossi

Por mais de três anos, Rossi realizou uma pesquisa fundamentada nas teorias de

Parsons e de Freeman & Sanger. Seus estudos foram desenvolvidos com alunos da Educação

Básica da cidade de Caxias do Sul, RS, com o objetivo de conhecer a compreensão estético-

visual no contexto brasileiro. Dos 168 sujeitos entrevistados, 56 eram crianças das séries

iniciais, com idade entre seis e nove anos; 56 alunos de 5ª e 6ª séries, com idades entre 10 e

13 anos, 56 adolescentes do final do Ensino Fundamental e do Ensino Médio, com idades

entre 14 a 18 anos. Os 168 estudantes foram divididos em dois grupos: 84 alunos de uma

escola pública estadual, constituindo o Grupo A (não-familiarizado com arte), e 84 estudantes

de três escolas particulares, constituindo o Grupo B (familiarizado com arte e discussão

estética).

Rossi identificou as idéias utilizadas pelos dois grupos de estudantes para interpretar e

julgar as obras e propôs uma classificação destas idéias em três tipos, que denominou “Níveis

de pensamento estético”.

No Nível I, os leitores buscam o tema através do real, do mundo física e

concretamente representado na obra. O artista é considerado como um copista do real, o qual

é transferido para a obra.

Os leitores que apresentam um pensamento do Nível I ainda não têm consciência da

autonomia e da intencionalidade do artista para usar símbolos em sua arte, demonstrando um

pensamento realístico (determinado pelo real).

Ao julgar a imagem, o leitor deste Nível não faz distinção entre o julgamento moral e

o estético. Um tema bom torna a imagem boa. Como critérios de julgamento aparecem o

tema, a cor, o realismo, a maestria do artista e a utilidade da obra.

O pensamento de Nível II se caracteriza pela crença de que o artista transfere seu

sentimento e estado de espírito para a obra no momento da produção. Ainda é um pensamento

realístico, pois não admite a intencionalidade do artista em decidir sobre a natureza da obra.

Se no nível anterior o mundo transferido para a obra era o mundo físico, agora é o mundo

subjetivo do artista.

Gradativamente aparece a depreciação do realismo fotográfico para começar a

valorização da criatividade, que passa a ser um critério de julgamento, juntamente com a cor e

sua expressividade.

Os leitores que utilizam o pensamento do Nível III deixam para trás o real (seja o

concreto, seja a interioridade do artista), para buscar diferentes possibilidades de significados

da imagem, que passam a ser mais subjetivos e abstratos. Primeiramente, suas interpretações

focalizam a subjetividade do artista. É ele o responsável pelo significado da obra, cabendo ao

leitor a função de decifrar os sentidos da obra. Posteriormente, o papel do leitor passa a ter

importância. Ele, o leitor, já tem consciência de que sua subjetividade é importante na

significação da obra.

Com a aquisição do pensamento formal, os sujeitos que utilizam idéias do Nível III

desprezam os atributos do mundo para buscar as subjetividades presentes na obra em si,

fazendo uma distinção entre julgamento estético e moral. O critério de julgamento por

excelência é a expressividade da obra. Assim, uma imagem triste não será mais julgada como

ruim.

Na análise e interpretação dos dados, Rossi (2003, p. 130) identificou que os alunos

sem familiaridade com arte (Grupo A) transitam entre uma leitura ingênua e realística e outra

mais avançada, enquanto os alunos que têm familiaridade com imagens (Grupo B) apresentam

um pensamento mais complexo em suas interpretações estéticas, concluindo:

Parece que, enquanto o desenvolvimento cognitivo permite o acréscimo de

complexidade do pensamento nos dois grupos, a familiaridade com a arte e com as

imagens em geral gera as diferenças no ritmo do desenvolvimento estético entre os

grupos. Tanto Piaget quanto Vygotsky permitem deduzir que tais diferenças se devam

ao meio adulto (familiar, escolar, social) em que os alunos vivem. Um meio passivo e

indolente não permite o mesmo desenvolvimento que outro, mais rico em interações,

pode permitir.

A pesquisa aponta que nas séries iniciais há uma maior correlação entre as leituras

mais ingênuas e elementares com os fatores cognitivos. À medida que as leituras apresentam-

se mais complexas e sofisticadas, menos determinantes são os fatores cognitivos e mais

relevante se torna a familiaridade com arte e discussão estética.

1.6. O DESENHO E AS INFLUÊNCIAS CULTURAIS

Entre as muitas teorias acerca do desenvolvimento do desenho infantil, estão os

estudos de Wilson & Wilson

(1997) e de Cox (2001), que apontam as influências culturais

na produção dos desenhos das crianças.

Temos percepções prévias de objetos, carros, seres humanos, animais, casas, cidades,

árvores. Desenhamos o que já olhamos os outros desenharem, o que lembramos das

ilustrações dos livros infantis, dos desenhos animados, das revistas, pois, de acordo com

Wilson & Wilson (1997, p. 58), as imagens do passado continuam a ser transmitidas. Os

autores dizem que: “[...] todos nós, inclusive as crianças, sofremos influências externas,

fazendo imitações quando desenhamos”. Assim, é plenamente aceitável que elas necessitem

de modelos, isto, é de referências que ampliem suas capacidades visuais.

Conforme reforçam Wilson & Wilson (1997, p. 61):

Os estudos dos Wilsons datam da década de 1970.

A criança aprende a formar seus próprios signos configuracionais principalmente por

meio da observação do comportamento-de-fazer-signos-configuracionais de outras

pessoas, por observar inicialmente que outras pessoas fazem desenhos, verificando

então, a maneira pela qual são feitos, as razões pelas quais são feitos, as situações nas

quais são feitos a variedade de signos configuracionais feitos e as diversas formas que

tais signos tomam em nossa cultura. Sim, estamos dizendo que, sem modelos para

serem seguidos, haveria pequeno ou nenhum comportamento de realização de signos

visuais nas crianças [grifo dos autores].

Nesse sentido, pode-se dizer que as teorias espontaneístas estavam equivocadas ao

tentarem proteger as crianças dos modelos e das intervenções do meio. Os autores observaram

em suas pesquisas que as crianças desenham imagens que são “emprestadas” dos mais velhos.

Por exemplo, crianças que sempre moraram em prédios, desenham casas com telhados; as que

andam em carros de linhas sinuosas, desenham modelos com design dos anos 30, fontes essas

que muitas vezes nunca viram no original.

Embora as pesquisas apontem essa realidade, Cox (2001, p. 185) diz que os adultos

ficam apreensivos quando as crianças copiam desenhos, principalmente personagens de livros

ou revistas em quadrinhos. Assim como as teorias espontaneístas temiam que a interferência

das fontes externas prejudicasse o desenvolvimento da criatividade, segundo ela, alguns pais e

professores continuam reprimindo e negando tais contribuições:

Apesar dos receios dos adultos, muitas vezes as crianças realmente [grifo da autora]

copiam desenhos, e minha opinião é de que isso não lhes inibe necessariamente a

criatividade. Afinal, os maiores artistas copiaram rotineiramente a obra dos grandes

mestres que os antecederam. Compreender como outros haviam conseguido um certo

efeito não os impediu de progredir e tentar algo diferente.

A afirmação de Cox (2001, p. 207) é sem dúvida pertinente, pois, ao copiar, a criança

está agindo sobre a imagem, ampliando seu repertório visual e percebendo as soluções

apresentadas nos desenhos de outros. O fato de a criança imitar os desenhos alheios ou os seus

não é condenável, como ainda reforça a autora:

Muitas crianças crescidas também começam a olhar o trabalho de outras crianças e de

artistas adultos e a copiá-los, a fim de ampliar seu repertório de desenho e fazer

desenhos mais realistas. Parece-me que não deveríamos menosprezar sua habilidade

de fazer isso, mas sim fomentá-la e pensar em meios de usá-la para fins criativos.

Reflexões como as trazidas por Cox não eram permitidas na livre-expressão. A

conseqüência do deixar fazer sem a interferência de modelos, conforme Iavelberg (1995, p.

8), é que “[...] muitos adultos, cuja educação de desenho foi relegada a atos espontâneos, ou a

práticas que desconsideravam os processos de construção de conhecimento em desenho,

interrompem seu desenvolvimento gráfico em níveis conceituais infantis”.

Reitero que se os artistas, repetidas vezes, copiaram as obras de outros; então, as

fontes imagéticas são fundamentais para as crianças que estão em processo de construção de

desenhos.

Muitos anos se passaram, como lembram Wilson & Wilson (1997, p. 57), após

Lowenfeld declarar ao mundo: “Não imponha suas próprias imagens a uma criança [...]

Nunca dê o trabalho de uma criança como exemplo para outra [...] Nunca deixe uma criança

copiar qualquer coisa”. Essas máximas consideravam apenas as elaborações internas da

criança, e, por isso, nada deveria contaminar seu espírito livre. Hoje, sabemos que as crianças

desenham por influência dos mais velhos e das imagens da arte, como assinalam Wilson &

Wilson (1997, p. 65) “[...] a cultura da infância efetivamente transmite jogos e rimas de um

século para outro. Assim fazem também os irmãos e companheiros ‘ensinando’ uns aos outros

como desenhar, bem como o que desenhar”. Para esses autores, não se trata de negar as

estruturas cognitivas da criança, mas de não negligenciar a influência dos contextos. Wilson

& Wilson (1997, p. 61) declaram:

É claro que reconhecemos o fato de haver padrões de maturação universal para

desenhar. Toda criança faz rabiscos da mesma forma que balbucia. Tanto os rabiscos

quanto o balbucio desenvolvem-se muito pouco, a menos que existam modelos para

serem seguidos. Por exemplo, trabalhando com um grupo de imigrantes judeus idosos

que, até onde podiam se lembrar, não haviam desenhado desde a infância,

descobrimos que, quando se pedia a eles para desenhar e pintar, a maioria produzia

figuras do estágio de criança muito pequena, com braços e pernas emergindo da

cabeça. Por quê? Pode ser que, tendo crescido em culturas nas quais não era dada

ênfase à realização de signos configuracionais, em que portanto poucos modelos eram

representados para que eles pudessem imitar, estas pessoas não se desenvolveram

além dos estágios iniciais da maturação.

Na constatação dos pesquisadores, os adultos que viveram em contextos em que as

imagens não foram priorizadas na infância, continuaram, idosos, não tendo onde buscar

referência para uma produção rica de seus desenhos, pois faltou-lhes referenciais a serem

seguidos. Esse fato confirma que a originalidade é um mito da Modernidade e que os

desenhos não surgem de dentro dos sujeitos. Desenhar não significa colocar no papel o que a

criança não conhece. A mente percebe, registra e classifica as imagens, por isso, precisamos

oferecer às crianças o maior número de fontes visuais de qualidade.

Wilson & Wilson (1997, p. 72-73), no entanto, lamentam que tais influências não

sejam devidamente exploradas no ensino da arte:

Acreditamos que não haja nada inerentemente errado com o fato de as crianças serem

influenciadas por professores ou apresentarem comportamento de cópia. Estes são os

meios primários pelos quais as habilidades de construir símbolos visuais são

expandidas. Pensamos ser um mal, entretanto, que haja tão pouco para influenciar os

estudantes em suas aulas de arte, pois estas influências derivam muito mais de

assuntos fora do campo de Belas Artes. De fato, se tivéssemos de prescrever usos

pedagógicos para as aulas de desenho, muitos deles se centrariam na ajuda de crianças

a partir de oito ou nove anos na aquisição de programas em maior número possível,

para construção de signos visuais.

Poderíamos pensar que tais programas enriqueceriam o repertório visual das crianças e

talvez os desenhos estereotipados como, por exemplo, sol com raios e “carinhas” e árvores

com maçãs vermelhas na copa e troncos sorrindo não fossem tão freqüentes até mesmo nos

desenhos dos adultos.

Em grande parte das escolas, as imagens reduzem-se às ilustrações de cartazes com

personagens da Walt Disney, datas comemorativas e estações do ano que decoram as paredes

das salas de aula. É preciso que o banco de imagens seja ampliado nas instituições de ensino,

desde a Educação Infantil, para que os desenhos das crianças não se limitem aos estereótipos.

Convidar os educandos a desenhar A cidade na qual vivem, impregnada pela cultura de seus

habitantes pode ser um bom começo para discuti-la e para ampliar seu repertório imagético,

desde que possam olhar como outros a olharam e a representaram em suas produções. Obras

de artistas locais, fotografias e desenhos dos próprios colegas terão muito o que contar da

mesma cidade.

2. A PESQUISA

Iniciei esta pesquisa em março de 2003, com 50 educandos, com idades entre 10 e 11

anos, que estavam cursando a 5ª série do Ensino Fundamental do Colégio Estadual Professor

Ulisses Cabral, da cidade de Antônio Prado, RS, quando eu era uma das educadoras em Arte

da escola. Assim, esta dissertação não é um relato de prática no ensino da arte, mas sim um

estudo de caso do tipo etnográfico, que busca, através do aprofundamento teórico, conhecer a

compreensão estética acerca da cidade e da arte e suas relações com a produção artística de

um grupo de estudantes de um determinado contexto sem ignorar as suas inter-relações com a

sociedade.

Optei pela pesquisa qualitativa porque pretendo descrever os processos dos educandos,

não quantificá-los.

Eisner diz que a diferença entre as investigações quantitativa e qualitativa é a mesma

que entre fazer arte e fazer ciência. De acordo com ele, essa divergência está nas formas de

representação utilizadas para apresentar o trabalho. Eisner (1998, p. 133) refere-se a esses

dois termos observando que:

Em los enfoques cualitativos de la investigación, el campo de acción es amplio para

que las personas vean lo que eligen ver, o interpreten lo que ven de acuerdo con su

propria luz teórica. En la metodología convencional de investigación, el

procedimiento objetivo, cuando está presente, proporciona mucho menos campo de

acción para la interpretación personal o para la descripción [...]. La metodología

cualitativa de investigación en general, y la crítica educativa en particular, proporciona

un espacio mayor para las inclinaciones personales del investigador y, por lo tanto, un

mayor potencial para la heterogeneidad.

Na pesquisa qualitativa no campo da arte e do ensino da arte, os dados se transformam

em textos que trazem interpretações e pontos de vista, através de entrevistas em profundidade,

aproximando pesquisador e sujeitos, considerando fatores sociais, emocionais e cognitivos,

enfim, o contexto onde se desenvolve a investigação. Por isso, o pesquisador precisa ter

sensibilidade para apreciar com coerência, intuição e utilidade instrumental, para que o vivido

no passado torne-se texto vivo no presente.

Considerando as especificidades da pesquisa em arte, volto-me a Dewey, que traz ao

longo de sua obra discussões sobre as relações entre o conhecimento artístico e a experiência.

Eisner diz que Dewey é um dos filósofos que prestou atenção na maneira como as formas

construídas qualitativa e artisticamente podem expressar significados. Para Dewey (1934 apud

EISNER, 1998, p. 47): “La ciencia afirma significados; el arte los expresa”. Assim, a primeira

procura abordar de forma objetiva a realidade do cotidiano; a segunda, interpretar qualidades

do mundo que vivemos ou construímos. Sobre esses dois campos do conhecimento, Zamboni

(1998, p. 48) observa:

À medida que se caminha das áreas tidas como exatas para as ciências humanas e

sociais, vai se tornando mais difícil a utilização de parâmetros quantificáveis, e se

adentrando em metodologias mais complexas com resultados menos exatos.

Possivelmente a arte é a área que está no fim dessa seqüência de subdivisões do

conhecimento humano, onde é mais difícil qualquer possível quantificação.

Na pesquisa qualitativa em arte e no ensino da arte, é preciso prestar atenção nas

subjetividades que permitem diversas visões e interpretações, pois, segundo Eisner (1998, p.

15): “Imaginar es generar imágenes, ver es experimentar cualidades”.

Diante de tal complexidade, utilizei uma variedade de materiais e procedimentos para

que, através de fotografias, entrevistas, falas, questionários, desenhos, escritos, leituras e

releituras de imagens, fosse possível conhecer e interpretar as múltiplas significações

presentes nos dados coletados.

Além das imagens, as entrevistas revelaram aspectos importantes nesta pesquisa, por

isso, procurei gravá-las para investigar não apenas a fala, mas o que estava por trás das

palavras manifestas, ou seja, os silêncios e as indagações. Quando as entrevistas referiam-se à

compreensão estética, renunciei a um questionário fechado acerca das imagens apresentadas

para facilitar a comunicação com os sujeitos selecionados. Desse modo, conservei a primeira

questão sobre cada imagem, mas conforme o que cada um falava, a entrevista tomava novos

direcionamentos.

Parti de alguns estudos que me possibilitaram descobrir o que acontecia numa

investigação realizada em outro contexto. Eisner (1998, p. 218-219) considera a teoria como

um dos instrumentos mais importantes do pesquisador:

La importancia de estas teorías o estructuras no es sólo que proporcionan un conjunto

de lentes a través de las cuales cabe interpretar lo que se há descrito, sino también el

ámbito en el cual son una parte del mapa cognitivo del investigador y guían el curso

de la investigación. Tendemos, [...], a buscar lo que sabemos cómo encontrar. Lo que

sabemos cómo encontrar está bajo la influencia de los instrumentos que hemos

aprendido a utilizar. A este respecto, la teoría está entre los instrumentos más útiles

que poseemos, incluso cuando no está preparada para ocuparse las particularidades del

campo en que trabajamos.

Seguindo tal pensamento, as teorias são, portanto, o suporte de uma pesquisa para que

o investigador possa ver semelhanças e diferenças entre o seu trabalho e dos autores que

estuda. Desse modo,

conforme já mencionei no capítulo 1, busco como referências teóricas,

acerca da compreensão estética, as pesquisas de Parsons, que propõe cinco estágios do

desenvolvimento estético, e de Rossi, que identifica as idéias utilizadas pelos estudantes para

interpretar e julgar as obras em três tipos, os quais denominou de “níveis de pensamento

estético”.

Buscando os estudos de Rossi e Demoliner, procurei interpretar as relações entre as

leituras e as releituras dos sujeitos pesquisados.

Já as teorias de Wilson & Wilson e de Cox contribuíram, significativamente, para

analisar as influências culturais presentes nos desenhos resultantes das interações com a

cidade e seus eventos. Mas ao desenharem e falarem sobre Uma cidade (que poderia ser

qualquer cidade) e A cidade de Antônio Prado busquei referência em Freitag que discute as

cidades utópicas, em Freire que fala da leitura de mundo e das relações entre texto e contexto

e em Hillman e Duarte Jr. que analisam como se dão hoje as ações humanas no cotidiano das

cidades.

A ética é um aspecto de extrema importância para o desenvolvimento de uma

investigação. Bogdan e Biklen (1994, p. 75) dizem que nada pode ser mais devastador para

um profissional do que ser acusado de uma prática pouco ética. Para os autores, “[...] a ética

consiste nas normas relativas aos procedimentos considerados correctos e incorrectos por

determinado grupo”. Quando a pesquisa envolve crianças e adolescentes, os cuidados éticos

devem ser redobrados, a começar, pelo consentimento do responsável pelo menor para que

participe da investigação. Por isso, para a realização desta dissertação, busquei o aval

equipe diretiva da escola e dos pais dos seis sujeitos selecionados, descrevendo o que trataria

o trabalho e quais seriam os procedimentos utilizados para sua realização. Também colhi

assinaturas que autorizavam o uso de fotografias, imagens de pessoas e de obras de arte,

enfatizando que o material serviria exclusivamente para a pesquisa e que a concessão seria

totalmente gratuita.

Seguindo as normas éticas que regem uma pesquisa, também é necessário deixar claro

como e de que forma os sujeitos foram mencionados. Por isso, optei por preservar as

identidades dos educandos, substituindo seus nomes por outros fictícios, levando em

consideração que a pesquisa desenvolveu-se numa cidade com poucos habitantes, e, por isso,

seria fácil reconhecer seus participantes.

Os modelos das Declarações que utilizei para a realização da pesquisa estão no Anexo D desta dissertação.

2.1. OS EDUCANDOS

Apresento aqui os seis sujeitos selecionados para análise da pesquisa, descrevendo

quem eram, como viviam, qual era o grau de escolaridade de seus pais e suas concepções

sobre arte. Antes disso, mostro um breve panorama da realidade social e cultural de todos os

estudantes que estavam freqüentando a 5ª série do Ensino Fundamental na escola na qual

desenvolvi este trabalho.

Em 2003, quando iniciei esta pesquisa, 50 educandos com idades entre 10 e 11 anos,

divididos entre as turmas 51 e 52, cursavam a 5ª série do Ensino Fundamental, no Colégio

Estadual Professor Ulisses Cabral, no centro da cidade de Antônio Prado, RS, o único

estabelecimento de ensino da rede pública localizado no perímetro urbano que oferece o

Ensino Médio. Poucos deles tinham alguma familiaridade com imagens da arte, não obstante

uma das educadoras da escola, na 4ª série, já tivesse trabalhado com reproduções de obras de

Van Gogh, Pablo Picasso e Leonardo da Vinci.

Para dar continuidade à coleta de dados, aprofundando o diálogo com a cidade e a arte,

selecionei seis sujeitos entre os 50 entrevistados, os quais foram escolhidos, conforme os

seguintes critérios:

(a) Mesmo número de educandos dos sexos feminino e masculino;

(b) Moradores do centro e moradores de diferentes bairros da cidade

;

eram provenientes de instituições da rede municipal

;

Em cidades pequenas, o centro, via de regra, é o espaço onde estão a prefeitura, a igreja, praças,

estabelecimentos comerciais e instituições de ensino. Já nos bairros, em geral, moram as pessoas com menor

poder aquisitivo e é onde estão as escolas municipais, que oferecem apenas o Ensino Fundamental.

Nas escolas da rede estadual, as séries finais do Ensino Fundamental contam com educadores com formação

em Arte, enquanto as escolas municipais, em geral, não contam.

(d) Educandos que já tinham alguma familiaridade com imagens da arte e educandos sem

familiaridade.

Como já assinalado, o trabalho teve como principal objetivo analisar a leitura e a releitura

de imagens de educandos do Ensino Fundamental da rede pública, aos quais se propôs um

olhar sensível, estético e crítico sobre a cidade e a arte. Por meio desse estudo, interessava-me

investigar as seguintes questões:

- Que concepções sobre arte trazem os educandos quando chegam à 5ª série do

Ensino Fundamental?

- Qual a compreensão estética sobre a cidade e a arte?

- Qual a relação entre as leituras e releituras dos educandos?

- O que revelam os desenhos, escritos e falas dos educandos em relação à cidade e à

arte?

Na coleta de dados, desenvolvida em 2003, utilizei diferentes procedimentos:

realização de entrevistas, questionários, leituras e releituras de imagens, desenhos, encontro

com uma artista local e interação com os espaços da cidade. Em 2004, procurei priorizar os

diálogos com os seis sujeitos selecionados e seus desenhos sobre Uma cidade (que poderia ser

qualquer cidade) e A cidade de Antônio Prado.

Faço, agora, uma breve descrição dos seis sujeitos selecionados, seguindo a ordem

alfabética dos nomes fictícios adotados.

Joana tinha 10 anos, era moradora de um dos bairros não-centrais da cidade e tinha

estudado até a 4ª série do Ensino Fundamental em uma escola pública da rede municipal de

ensino. Ela afirmou que não conhecia nenhum artista e que não tinha nenhuma familiaridade

com imagens da arte, mas que seus pais, desde os quatro anos de idade, tinham lhe

proporcionado materiais para desenhar e pintar. Ainda reforçou, dizendo que mais tarde, a

escola, também lhe possibilitou o uso de lápis de cor, giz de cera e tintas.

João tinha 11 anos, era morador de um dos bairros não-centrais da cidade e havia

estudado até a 4ª série do Ensino Fundamental em uma outra escola pública da rede estadual

de ensino. O educando falou que também não tinha nenhuma familiaridade com imagens da

arte e que nunca tinha estudado a obra de um artista, mas que sempre teve oportunidade de

desenhar e pintar com lápis de cor e têmpera.

Maria tinha 10 anos, era moradora do centro da cidade e estudava desde a 1ª série no

Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral. Antes, ela havia freqüentado, no período de 1996

a 1998, uma escola particular de Educação Infantil, em que a diretora tinha formação em

Licenciatura Plena – Habilitação em Educação Artística. É importante ressaltar que a escola

fundamentava todo o trabalho em direção à arte. Desse modo, a educanda já tinha alguma

familiaridade com imagens desde que estudou na escola particular e, posteriormente, durante

a 4ª série. Entre os artistas estudados e obras analisadas, ela destacou que Leonardo da Vinci

era seu artista preferido, assim como Mona Lisa, a obra. Maria também disse que começou a

desenhar aos três anos de idade, quando ganhou de presente de sua mãe lápis, giz de cera e

um caderno para colorir.

Matheus tinha 11 anos, era morador de um dos bairros não-centrais da cidade e

também havia estudado até a 4ª série em uma escola pública da rede municipal de ensino. Ele

declarou que não tinha nenhuma familiaridade com imagens da arte, mas que a mãe sempre

lhe possibilitou diferentes materiais para que pudesse desenhar e pintar, desde os três anos de

idade.

Pedro tinha 11 anos, era morador do centro da cidade e, até aquele momento, havia

estudado somente no Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral. O educando afirmou que já

tinha alguma familiaridade com imagens da arte desde a 4ª série e entre os artistas e obras

lembrados destacou Van Gogh. Ele também salientou que já aos dois anos de idade sua mãe

lhe incentivou a desenhar e a pintar e que os materiais eram oportunizados por ela e por uma

tia.

Rita tinha 11 anos, morava no centro da cidade e tinha freqüentado até a 4ª série uma

escola pública da rede municipal de ensino. A educanda afirmou que já tinha alguma

familiaridade com imagens da arte, pois sua tia, que era artista plástica, dedicava-se muito à

pintura de quadros e telas com tinta acrílica. Ela ainda destacou que sempre tivera a

oportunidade de trabalhar com materiais artísticos.

Para aprofundar meu conhecimento sobre o contexto social e cultural desses

educandos, solicitei que os pais respondessem, em março de 2003, um questionário

, o que

possibilitou-me identificar que os seis sujeitos selecionados eram de classe média

Ao responder a questão O que a família faz nos momentos de lazer?, os pais

afirmaram que conversavam, pescavam, viajavam, visitavam parentes e acompanhavam os

filhos em jogos e torneios. Também gostavam de tomar chimarrão, assistir à televisão ou

filmes e brincar com as crianças. Em nenhum momento citaram programas culturais como

visitar museus, exposições de arte, ir ao cinema, ler livros, freqüentar shows ou teatro.

Entretanto, ao responderem a questão Os pais incentivaram a criança em trabalhos criativos

antes de esta ir para a escola?, todos os pais afirmaram que sim.

Nas respostas sobre o grau de escolaridade, dois pais possuíam o Ensino Médio

completo, dois o Ensino Fundamental completo e dois o Ensino Fundamental Incompleto.

Entre as mães, três delas possuíam o Ensino Médio completo; uma o Ensino Médio

Incompleto; uma o Ensino Fundamental completo e uma o Ensino Fundamental Incompleto.

Quanto às profissões dos pais, um era instrutor de escola técnica, dois eram

microempresários e três caminhoneiros. Já as mães, uma era dona de casa, uma era

Anexo A

A identificação da posição social dos sujeitos pesquisados foi realizada com base na profissão e nível de

escolaridade dos pais e escolaridade dos educandos.

cabeleireira, uma era professora, uma era microempresária e duas eram secretárias em

escritórios.

Ao responderem a questão: Para os pais, qual é a importância das aulas de Arte na

escola? Por quê?, a maioria declarou que “era muito importante para desenvolver a

imaginação, a criatividade”, além de compreendê-la como um momento de descontração. As

respostas confirmaram a concepção que as pessoas têm de que a arte é algo que está dento da

criança, além de estar muito ligada ao lazer. Apenas um dos pais falou, entre outras coisas,

que “tornava a criança ou adolescente mais inteligente”.

2.2. OS EDUCADORES

As famílias, por diferentes razões – falta de conhecimento, situação social e

econômica ou distância de locais com galerias e cinemas –, deixam de proporcionar aos seus

filhos a interação com imagens da arte, nem mesmo visitando o museu da cidade. No entanto,

lhes proporcionam uma rica leitura da natureza e do meio onde vivem. A escola, então, seria o

local que possibilitaria o acesso ao conhecimento da arte.

Por isso, solicitei às educadoras (são todas do sexo feminino) da Educação Infantil à 4ª

série do Ensino Fundamental do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral e das demais

escolas do município pelas quais os educandos tinham passado, para que também

respondessem, em março de 2003, a um questionário

. Para que elas pudessem sentir-se à

vontade em suas respostas dispensei a identificação.

Em algumas escolas, grande parte respondeu prontamente, em outras, apenas uma ou

duas educadoras se dispuseram a participar.

Anexo B

As respostas mostraram que apenas uma delas tinha formação na área de Arte e que a

maioria das atividades que eram realizadas pelas demais se resumia a técnicas, desenhos

livres ou ilustrações de datas comemorativas. Das 31 educadoras que responderam às

entrevistas, com idades entre 17 a 52 anos, dez possuíam Ensino Superior: seis em Pedagogia,

duas em História, uma em Biologia e uma em Licenciatura Plena – Habilitação em Educação

Artística. Desse total, três tinham pós-graduação em Pedagogia, sendo que a educadora em

Arte já tinha concluído o curso de especialização em Administração Educacional. Das 21

educadoras restantes, seis estavam cursando o Ensino Superior em áreas como Letras e

Psicologia e 15 possuíam apenas o Ensino Médio – Habilitação Magistério. Assim como as

idades variavam muito, o tempo no magistério também, pois algumas tinham iniciado o

trabalho um mês antes da entrevista e outras já tinham completado 30 anos em sala de aula.

Ao responderem a questão: Para você, qual é a importância das aulas de Arte na

escola? Por quê?, apenas três delas consideraram a importância de olhar, utilizando os termos

ver e observar, sendo que a educadora com formação na área de Arte, e que também é

diretora de uma Escola de Educação Infantil, mencionou a importância dos sentidos e da

percepção.

As demais educadoras responderam que as aulas de arte são importantes para

descobrir talentos ou porque desenvolve a criatividade, a coordenação motora, a livre-

expressão. Concebiam, assim, a arte como um lazer ou apenas um fazer, ou seja, uma

atividade de atelier, referindo-se ao conjunto de habilidades e capacidades de expressar

sentimentos, criar, desenhar, colorir e recortar.

Quanto à questão O que você trabalha com os seus educandos nas aulas de Arte?,

apenas a educadora com formação na área do ensino de artes visuais articulava o fazer e o

pensar. Entre as demais, quatro citaram que utilizavam a observação, a visualização e a leitura

de imagens, mas essas também declaravam que utilizavam técnicas e atividades livres. O

restante desenvolvia ações que estavam intimamente ligadas às linguagens de pintura, recorte,

colagem e desenho livre, como um “fazer por fazer”, sem uma reflexão e uma

contextualização ou não “trabalhavam especificamente arte”, ou ainda, “procuravam integrar

a arte aos conteúdos”.

As respostas, enfim, confirmaram a idéia, infelizmente ainda vigente nas escolas, de

que a Arte é uma disciplina que auxilia as demais e não uma área de conhecimento.

Na questão Você segue uma metodologia para o ensino da arte na sala de aula?

Como você planeja suas aulas?, apenas a educadora com formação na área considerou a

importância de uma “atitude pedagógica” em relação ao ensino da arte. Todas as outras

afirmaram que não seguiam nenhuma metodologia – reforçando que não tinham a mínima

formação na área e, por isso, faltava-lhes conhecimentos acerca de propostas pedagógicas em

Arte. Contudo, algumas consideravam as “construções das crianças, suas necessidades,

bagagens e suas leituras de mundo”.

A respeito da questão: Você já ouviu falar em leitura de imagem? O que é ler uma

imagem?, apenas duas educadoras responderam não, outras duas deixaram em branco e

algumas confundiram leitura com releitura, entendida por elas como copiar a obra através de

um desenho.

Apesar de a maioria delas terem demonstrado familiaridade com o termo leitura,

pouquíssimas educadoras trabalhavam com imagens na sala de aula. Apenas a educadora em

Arte mencionou a produção de sentido, conforme se pode conferir:

- Sim. Ler uma imagem é produzir sentido ao que se está vendo

Quanto à questão: Você costuma levar seus educandos para visitar exposições de

arte? Por quê?, das 31 educadoras, 16 responderam que sim; 10 responderam que não; quatro

Adotei este procedimento no modo de apresentar todas as respostas selecionadas das entrevistas desta

dissertação para diferenciá-las das citações bibliográficas.

não responderam e uma afirmou que às vezes. Duas educadoras argumentaram que não

levavam, pois “são muito pequenos” ou “devido à idade deles”.

As respostas da maioria das educadoras indicaram a visão de grande parte das escolas

brasileiras, que ainda reservam ao ensino da arte, até a 4ª série do Ensino Fundamental,

apenas atividades de desenho, pintura, recorte e colagem. São raros os educadores e

instituições de ensino que abrem espaços para uma discussão estética. Quando as imagens

entram nas salas de aula, as variações de obras e artistas são muito pequenas, girando em

torno dos mesmos autores europeus e pouquíssimos brasileiros. Essas concepções de que as

crianças são muito pequenas para ler imagens, visitar exposições de arte ou galerias não

significa falta de interesse, mas falta de conhecimento da área, já que na maioria das escolas

públicas, não há educadores com formação específica que trabalhem com Arte nas séries

iniciais.

2.3. PROCEDIMENTOS

Para a realização da coleta de dados, foram utilizados diferentes procedimentos. No

mês de março de 2003, iniciei a pesquisa com questionários aos pais, educadores e educandos

sobre suas experiências com arte e com trabalhos criativos

. Em seguida foi desenvolvida

uma Proposta de trabalho, dividida em duas etapas: (1) Realização de desenhos e de leituras e

releituras de imagens da cidade e da arte procurando analisar a relação entre ambas, de abril a

outubro de 2003 e (2) Produção de desenhos sobre Uma cidade e A cidade de Antônio Prado

e conversa sobre tais criações, a partir de julho a setembro de 2004.

Anexos A, B e C

Desse modo, a pesquisa estava composta por atividades de leitura de imagens da arte,

principalmente acerca da obra produzida por uma artista da cidade, através de entrevistas

gravadas em fitas cassete. Tais entrevistas aconteceram através de um diálogo informal entre

a pesquisadora e os educandos, com uma estrutura inicial com questões como: O quê você

pode olhar nesta imagem?; Que sentimentos você lembra quando olha para esta imagem?;

Esta é uma boa imagem?; Qual das imagens é a mais interessante? Qual das imagens é a

menos interessante? No decorrer dos diálogos, as respostas dos entrevistados levavam a

novas questões. Outras atividades realizadas foram a interação com o 8º Festival de Arte e

Cultura de Antônio Prado; trilha ecológica; visitas às mostras de arte da cidade e encontro

com uma artista local. Também foram feitos desenhos a partir das interações com eventos e

espaços mencionados e releitura da arte, com ênfase na obra produzida por uma artista

plástica da cidade, bem como desenhos e falas sobre Uma cidade e A cidade de Antônio

Prado.

Para a realização das entrevistas acerca da compreensão estética, foram selecionadas

sete reproduções de imagens

, a cores, em tamanho A3. Seis delas eram imagens de pinturas

e a sétima, apesar de também ser uma pintura que focava o olhar da artista sobre os

lambrequins

da cidade, tinha um suporte não-tradicional. A seguir, estão relacionadas as

imagens que foram utilizadas para a realização das leituras:

Guernica (Pablo Picasso, 1937);

Pereira em flor (Vincent van Gogh, 1888);

Os Ciprestes (Vincent van Gogh, 1889);

A árvore vermelha (Piet Mondrian, 1909/1910);

A árvore cinza (Piet Mondrian, 1911);

Os critérios para a seleção de imagens estavam relacionados às propostas realizadas com os educandos,

envolvendo o meio ambiente natural e construído.

As reproduções das imagens aqui explicitadas aparecem mais adiante, na análise da pesquisa.

Os rendilhados em madeira nas bordas dos beirados dos prédios é uma das principais características dos

casarios de Antônio Prado tombados pelo IPHAN.

Farmácia Palombini (Neusa Welter Bocchese, 1989);

Lambrequins em Totens (Neusa Welter Bocchese, 2001).

2.4. SITUAÇÃO EXPERIMENTAL

Em março de 2003, propus aos educandos um diálogo sobre o que pensavam da arte e

o que conheciam.

Solicitei que cada um respondesse a um questionário

acerca de seus dados pessoais e

da arte, para que eu pudesse registrar quais eram os seus conhecimentos a respeito da área.

É importante ressaltar que as afirmações que aqui apresento são dos seis sujeitos

selecionados, as quais revelaram também o pensamento dos demais estudantes que

participaram da primeira etapa da Proposta de trabalho, pois as respostas repetiam-se com

muita freqüência.

Vale mencionar que optei pela questão O que torna algo arte, ao invés de perguntar O

que é arte?. Escolhi a primeira porque considerei mais adequada ao século XXI, mesmo que

estivesse almejando pensá-la com educandos do Ensino Fundamental. Tal questão exigiu com

que eu também perguntasse o seu oposto O que faz com que algo não seja arte?, ao invés de

ter indagado O que não é arte?.

Através da educação estética, sensível e dialógica, também desejei discutir com os

educandos o que lhes dizia uma obra apresentada fora do suporte tradicional

, o que sentiam

ao olhar para ela, o que a artista poderia estar expressando por meio de sua arte. Esta

Anexo C

Enteda-se como suporte tradicional obras apresentadas em telas, quadros e molduras.

discussão foi possível através da leitura da obra Lambrequins em Totens, de Neusa Welter

Bocchese, produzida em 2001, conforme mostro ainda neste capítulo.

Nas entrevistas com os seis sujeitos, ao responderem a questão: O que torna algo

arte?, apenas Rita, que tinha alguma familiaridade com imagens da arte, disse: “É

criatividade, trabalhar com cores, estudar quadros”.

A maioria dos entrevistados afirmou que o que tornava algo arte eram os desenhos

“bonitos” e pinturas em quadros. Assim como Rita, todos os outros também citaram a

criatividade e as cores, como poderemos conferir a seguir:

Joana - É pintar, desenhar tudo o que é bonito.

João - É desenhar, pintar, poesia.

Maria - Desenhos, pinturas, pinturas abstratas, a natureza com suas cores.

Matheus - É pintura, criatividade, etc...

Pedro - São, desenhos, esculturas e obras.

a concepção desses sujeitos pesquisados, arte era desenho, pintura e cores. Então, ao

responderem a questão O que faz com que algo não seja arte?, relacionavam com

instrumentos utilitários, isto é, com materiais que muitas vezes eram usados na produção

artística:

Joana - É o lápis, a caneta, a porta.

Matheus - Grampeador, borracha, folha etc....

Pedro - Máquinas, ferramentas....

Para alguns, tudo era arte. A resposta de Maria poderia sinalizar que para ela um

objeto utilitário, como um pincel, também poderia ser uma obra de arte, pois a menina

afirmou: “Por mim não existe coisa que não é arte”. Outros como João e Rita também deram

respostas sem muito sentido ao dizerem: “É ao contrário da arte” e “não sei”.

A respeito da questão O que é ler uma imagem?, apenas Pedro referiu-se à

possibilidade de dar um significado à obra ao declarar: “É dizer o que ela significa só olhando

para ela”.

Os sujeitos como Joana e João, que não tinham familiaridade com imagens

responderam: “É dizer o que está nela, quantas pessoas ou objetos são, o lugar onde acontece”

e, ainda, “é dizer tudo o que está desenhado”. Mas essas afirmações davam a idéia de que ler

uma obra era elencar os elementos presentes.

Para Maria, que tinha alguma familiaridade com imagens da arte, ler uma imagem era

“dizer o que estava representando”. Já para Matheus, que não tinha familiaridade, tratava-se

de “ver, observar”. Essas idéias, no entanto, ainda não estavam ligadas à possibilidade de o

leitor dar uma significação à obra.

Rita, disse “não sei”, revelando que para ela era um conceito desconhecido.

Os sujeitos pesquisados, mesmo aqueles que afirmaram ter alguma familiaridade com

imagens, usaram termos como criatividade não para falar da expressividade da arte, mas por

relacioná-la às cores chamativas, pinturas e desenhos considerados por eles como bonitos.

Mas quando referiram-se à leitura de imagens, apenas um deles mencionou que era dizer o

que ela significava. Ao abordarem a leitura, também usaram termos como olhar, ver e

observar.

2.5. PROPOSTA DE TRABALHO

A pesquisa desenvolveu-se através de uma proposta de trabalho dividida em duas

partes. O primeiro momento da coleta de dados aconteceu de março a outubro de 2003 e o

segundo, de julho a setembro de 2004. Apresento, a seguir, o resultado dos desenhos, leituras

e releituras de imagens. Nas seções 2.5.8. e 2.5.9. são mostrados os desenhos, acompanhados

de falas sobre Uma cidade e A cidade de Antônio Prado, respectivamente. Devido à grande

quantidade de dados coletados, estou trazendo em cada uma das etapas realizadas um

desenho, ou uma leitura e releitura de um dos seis sujeitos que tinham alguma familiaridade

com imagens da arte e de um sem familiaridade.

2.5.1. Guernica e o Festival de Arte e Cultura

Em abril de 2003, propus aos educandos a leitura da imagem Guernica, de Pablo

Picasso, através de uma entrevista individual. Embora a dissertação estivesse tratando da

cidade de Antônio Prado e sua arte, pareceu-me oportuno discutir uma obra que é um dos

maiores ícones da arte e que foi produzida, em 1937, num determinado contexto. Exilada por

mais de 40 anos em Nova Iorque, a obra denunciou os horrores da guerra que deixou a cidade

de Guernica destruída após sucessivos ataques de bombas.

Fig. 14: Guernica

O assunto “guerra” estava muito presente na sala de aula no início do ano letivo: a

mídia estava fazendo um verdadeiro “bombardeio” de imagens ao explorar o conflito entre

Estados Unidos e Iraque.

Após as entrevistas a respeito da imagem, levantei a seguinte questão: Contra o quê

fazemos guerra hoje? As respostas foram: fome, desemprego, tráfico de drogas,

desmatamento ambiental, violência, analfabetismo, desigualdade social, e claro, o conflito

entre os Estados Unidos e Iraque, assunto do momento. Quando falaram da fome,

desemprego, tráfico de drogas, entre outros problemas sociais, afirmaram que essas eram as

guerras que todos viviam nas grandes cidades, mas quando referiram-se à “guerra” que estava

acontecendo entre os dois países disseram que deveríamos fazer guerra contra a guerra

porque, segundo eles, “as guerras eram tristes, morria muita gente, inclusive crianças, e tinha

sangue”.

Posteriormente, solicitei uma releitura de Guernica, utilizando têmpera e lápis de cor

sobre papel, por ser o material de que todos dispunham.

Leituras e releituras de Guernica

A seguir, trago as leituras e releituras de Rita e João. Enquanto ela permaneceu

buscando o mundo concreto, apenas transferindo alguns elementos da obra para outro

contexto, João generalizou o significado da imagem, atribuindo sentidos mais amplos e

abstratos. Essas constatações puderam ser feitas tanto em suas leituras como em suas

releituras.

Rita conservava em suas respostas o pensamento característico do Nível I, segundo a

classificação de Rossi. Suas falas também revelaram as idéias do Segundo Estágio, de acordo

com os estudos de Parsons.

João embora tenha apresentado algumas idéias do Nível III, demonstrou um

pensamento mais aprofundado do Nível II e do Segundo Estágio da Teoria de Parsons.

Inicialmente, o pensamento de Rita pareceu mais ingênuo e realístico. Ela buscou o

que estava fisicamente representado na imagem, desconsiderando a intencionalidade do artista

em usar simbolismos na produção da obra:

M - O que você pode olhar nesta imagem?

Rita - O boi, a vaca, sei lá... a mulher com a criança, o cavalo, pés, mãos. Parece uma vaca,

pessoas voando, cavalo. Uma mão segurando uma vela que não tem cabeça, nem nada.

Tem fantasmas, tem o sol, aliás, não é o sol, é uma lâmpada. Parece que tem uma janela.

Mas ao falar de tristeza e de sofrimento, Rita usou idéias do Nível II. Ela estava

referindo-se não só a tristeza dos personagens, mas ao mundo subjetivo do artista que estava

sendo transferido para obra. Esse ainda é um pensamento realístico, pois o leitor não admite a

intencionalidade do artista em decidir sobre a obra:

M - Que sentimentos você lembra quando olha para esta imagem?

Rita - Aparece bastante gente sofrendo, tristeza, sofrimento, tipo um estábulo.

M - Por que um estábulo?

Rita - Porque tem animal, vaca. Sei lá... Um cavalo e é muito escuro. Parece onde eles

guardam as vacas.

M - Por que você diz que há gente sofrendo?

Rita - Porque estão gritando. Eles estão com umas expressões bem tristes no rosto.

M - Esta é a imagem de uma pintura ou de uma fotografia?

Rita - É pintura. Porque se fosse fotografia... Acho que é uma cena meio... Acho que

quiseram...

M - Então, é fotografia ou pintura?

Rita - Com certeza uma pintura.

M - Por quê?

Rita - Porque é uma pintura. Ele misturou várias coisas querendo retratar tudo a mesma

coisa.

M - Que coisas são essas?

Rita - Pessoas, animais...

M - E o que é retratar tudo a mesma coisa?

Rita - Tristeza.

Para ela a fome e a guerra eram temas identificáveis na imagem e presentes no mundo

físico. A imagem não era bela porque seu tema não era belo, pois tinha “gente esquisita, era

triste e estava sem cor”. Os conceitos de realismo e beleza são critérios do Segundo Estágio

da Teoria de Parsons:

M - Como assim?

Rita - Fome.

M – Por que fome?

Rita - Não só fome, mas, às vezes, as pessoas morrem de fome e também nas guerras,

entre outras coisas.

M – Então, essa poderia ser uma imagem da guerra ou da fome?

Rita - Poderia ser das duas, mas acho que está mais para guerra. Tem pedaços, mãos...

M – Esta é uma boa imagem?

Rita - Não.

M - Por quê?

Rita – É feio.

M - Por que é feio?

Rita - Porque tem gente esquisita. É triste e está sem cor.

Na releitura Rita também se referiu à fome, chamando atenção pelo estilo figurativo.

Mesmo enfocando um tema triste mostrou, que ao menos na produção, ainda não relacionava

a cor aos sentimentos. Ao contrário de Guernica, em que o artista optou pela não-cor (um dos

motivos pelos quais Rita considerou que a imagem não era boa), ela usou cores alegres e

convencionais nos desenhos das crianças e adolescentes como, por exemplo, o amarelo usado

para pintar o rosto e as mãos.

Apesar de ter mencionado, na leitura, que a obra estava mais para guerra do que para a

fome, Rita buscou em Guernica, na sua releitura, a mão estendida segurando a vela em

direção ao cavalo em agonia e a colocou em outro contexto. Assim como as figuras de Picasso

traduzem o desespero nos rostos com bocas abertas que parecem gritar, na releitura, a menina

também está com a boca aberta e chora de fome sentada atrás de uma mesa que tem sobre ela

talheres e um prato vazio. Ela parece ter seus pés afundados na lama, enquanto um braço

permanece erguido, segurando uma colher entre os dedos. Em Guernica, há um braço caído

ao chão e que traz na mão fechada uma espada.

Portanto, sua releitura foi coerente com a leitura do Nível I na classificação de Rossi e

com o Segundo Estágio da pesquisa de Parsons.

Rita manteve-se ligada ao que estava fisicamente representado na imagem, ou seja, de

acordo com suas palavras, “gente sofrendo”, ou ainda, “[...] umas expressões bem tristes no

rosto”. Mesmo evidenciando as habilidades do pensamento formal ao usar termos como

“tristeza” e “sofrimento”, não aprofundou uma leitura com idéias dos Níveis II e III.

O realismo é a segunda idéia importante no Segundo Estágio, por isso, o objetivo das

pinturas é sempre mostrar alguma coisa, neste caso, a fome através do figurativismo.

Fig. 15: Releitura de Guernica realizada por Rita

João apresentou idéias de níveis diferentes, ora mais sofisticadas, demonstrando um

pensamento de Nível III, ora mais ingênuas, demonstrando um pensamento de Nível II. Suas

respostas ainda sinalizaram o Segundo Estágio da Teoria de Parsons. Rossi analisou que os

leitores usam idéias de vários níveis na mesma leitura. De acordo com a autora, não há uma

linearidade no pensamento estético. Ele não é estanque ou monolítico. Com base em sua

pesquisa, Rossi (2000, p. 149) diz:

No decorrer da análise, muitos depoimentos se mostraram “inclassificáveis”. Os

alunos lançaram mão de vários tipos de leitura, mostrando concepções diversas na

mesma entrevista, dificultando uma classificação rígida dos pensamentos envolvidos

em suas interpretações. Isso aconteceu em todos os níveis de escolarização.

As respostas de João confirmaram a constatação de Rossi. Primeiramente, ele

enfatizou a “guerra”, mencionando sentimentos como tristeza e violência. Esses sentimentos,

no entanto, não eram somente das personagens ou do artista, como se referiu Rita, mas de um

modo geral, da humanidade. Quando afirmou: “Ele quis retratar as guerras, a violência, a

tristeza”, João reconheceu a autonomia do artista para falar de temas abstratos. Tais respostas

revelaram o pensamento do Nível III:

M - O quê você pode olhar nesta imagem?

João - É muito triste.

M - Por quê?

João - Porque está representando a guerra.

M - Por que você acha que representa a guerra?

João - Porque ele quis retratar as guerras, a violência, a tristeza.

M - O que você lembra olhando para esta imagem?

João - Lembro a Guerra no Iraque.

Logo depois, João demonstrou depreciar o realismo fotográfico em função da

valorização da criatividade e da expressividade das cores presentes na imagem. Esse é um dos

critérios de julgamento do pensamento de Nível II. No Segundo Estágio da teoria de Parsons

(1992, p. 79), a expressividade da cor é associada aos sentimentos. Ele afirma: “No primeiro

estádio associávamos as cores com a beleza, mas não com os sentimentos. No segundo

estádio já estabelecemos esta última relação”. Os leitores passam a falar não apenas da

existência das cores, mas do caráter das cores, o que é diferente de mencionar as suas

preferências individuais:

M - Esta é a imagem de uma pintura ou de uma fotografia?

João - Uma pintura.

M - Por quê?

João - Porque tem muita criatividade nas poucas cores num só trabalho.

M - Por que foram usadas poucas cores?

João - Porque o preto e o branco representam tristeza.

M - O branco também representa tristeza?

João - Junto com o preto acho que representa.

M - Por quê?

João - Porque quando o branco está sozinho representa a paz. E quando está com o preto

não.

Ao mesmo tempo em que Guernica não poderia ser considerada uma obra de arte

porque era uma imagem muito triste e a arte deveria representar temas alegres, João

reconheceu que poderia ser porque esta tinha sido criada por um artista. O pensamento do

Nível II se caracteriza pela crença de que o artista transfere seu sentimento e estado de

espírito para a obra no momento da produção. Ao afirmar que a arte se torna arte, “quando ela

serve para retratar o mundo”, João demonstrou ainda acreditar que as coisas representadas são

reais e concretas. Segundo Rossi (2003, p. 94), a utilidade não é mencionada como critério de

julgamento estético na literatura, mas é freqüente no julgamento dos alunos. Ela diz: “Pode-se

relacionar esse critério com um pensamento estético muito superficial, próprio das pessoas

que não convivem com arte e com imagens”. Para esses leitores representar um problema

social pode ser útil para resolver os problemas da sociedade.

Assim como o pensamento dos leitores do Nível I não faz distinção entre o julgamento

moral e estético, pois um tema bom torna a imagem boa, no Nível II, a indistinção continua:

M - É uma boa imagem?

João - É muito triste.

M - Por que é muito triste?

João - Porque mostra a tristeza das pessoas quando tem guerra no país delas.

M - Esta é uma obra de arte?

João - Pode até ser, porque o pintor fez. Para mim, não.

M - Para você o que torna algo arte?

João - Quando ela serve para retratar o mundo.

M - Só é arte porque o pintor fez, embora para você não seja, pois considera muito triste.

Então, uma obra de arte tem que ter um tema alegre?

João - Sim.

A releitura de João foi coerente com a compreensão estética acerca da imagem.

Tanques de guerra, aviões, mísseis e bombas imprimiram realidade à releitura. Assim, a

expressividade das cores serviu para tratar do tema, ou seja, o conflito entre Iraque e Estados

Unidos. No fundo, o cinza estampou o céu azul, o preto atingiu parte da igreja destruída, o

marrom misturou-se ao amarelo, vermelho e novamente ao preto, formando uma grande

mancha.

Assim como na leitura, na releitura, João enfatizou a Guerra do Iraque (o tema é o

tópico estético predominante do Segundo Estágio de Parsons). Como já mencionei na análise

de sua leitura, a expressividade da cor também passa a ser um critério do pensamento do

Nível II.

Fig. 16: Releitura de Guernica realizada por João

Tanto Rita, que tinha alguma familiaridade com imagens da arte e morava no centro,

como João, que não tinha e era morador de um bairro não-central da cidade, estavam com 11

anos. Os estudos de Piaget apontam que a partir dessa idade pode-se dar início ao pensamento

formal

No entanto, João mostrou em sua leitura idéias mais sofisticadas do que Rita. Em sua

releitura, ele pontuou o significado do tema levando-o para o contexto contemporâneo ao

referir-se a “Guerra do Iraque”. Enquanto Rita manteve-se presa ao sofrimento e sentimentos

de uma personagem, ou seja, da menina que chora de fome, João apresentou o sofrimento da

humanidade.

A análise das leituras e releituras destes sujeitos revelou que ter alguma familiaridade

com as imagens não garantiu um enriquecimento no pensamento estético. Somente o fato de

Rita ver as obras da tia, que é artista plástica, não garantiu a ela um olhar atento para que

pudesse apresentar uma compreensão mais complexa que João acerca de Guernica. Nesse

caso, aconteceu justamente o contrário.

Considero que, para alcançar níveis mais sofisticados, é preciso uma ampla discussão

com textos visuais desde a Educação Infantil. O que as escolas vêm fazendo, geralmente no

final das séries iniciais, e chamando de leitura, é o ato de mostrar algumas imagens de obras

de artistas consagrados para que os educandos apreciem muito rapidamente. Nesses

exercícios, educadores em Arte ou não, “despejam” informações sobre as cores e linhas

presentes na imagem, técnica utilizada pelo artista, ano em que a obra foi produzida e

Segundo Piaget (1973) o desenvolvimento intelectual das crianças e adolescentes divide-se em três grandes

períodos. O Estágio Sensório-motor inicia com o nascimento da criança e se estende até aproximadamente os

dois anos de vida. Nesse nível, os objetos percebidos são caracterizados em função das formas de ação que o

sujeito pode perceber sobre eles (objetos para sacudir, fazer rolar, sugar, etc.). O Estágio Operatório-concreto

(é precedido de um longo período preparatório – nível pré-operatório) se estende de dois anos mais ou menos a

11-12 anos, mas é em torno dos sete ou oito anos, que a criança atinge o Estágio das operações concretas com as

formas de raciocínio mais elaboradas. Aparecem então, em certos domínios como as operações aritméticas e as

classificações dos objetos. Após os 11 ou 12 anos, com patamar de equilíbrio entre os 13 ou 14, surge o Estágio

Operatório-formal, que se concluirá em torno dos 15 anos. Nesse momento, o pensamento passa de concreto

para abstrato, com a capacidade de raciocinar sobre hipóteses.

curiosidades sobre a vida do autor, que muitas vezes não interessam à criança naquele

momento.

O 8º Festival de Arte e Cultura nas vitrinas da cidade

O momento vivido na pesquisa realizada na sala de aula culminou com o 8º Festival

de Arte e Cultura, organizado por Coro Del Paese e Prefeitura Municipal de Antônio Prado,

que aconteceu de 23 a 27 de abril de 2003. O evento, uma tradição na cidade, a cada edição

ampliado, reuniu artes plásticas, dança, música, canto-coral, teatro e artesanato. Além dos

artistas locais e convidados especiais de outras cidades do Estado e do Brasil, as escolas do

município participaram através de seus trabalhos, que como nos anos anteriores, foram

expostos nas vitrinas dos estabelecimentos comerciais do Centro Histórico.

Oliveira (1997, p. 165) aborda as vitrinas como elementos estéticos que compõem as

cidades: “Alertados para o poder persuasivo da mídia vitrina, reconhecemos mais uma vez

que essas janelas de sentidos levam para as ruas formas estéticas antes restritas às salas de

arte”. A pesquisadora traz exemplos de diferentes vitrinas brasileiras e estrangeiras ao mostrar

como os produtos são expostos e quais as sensações provocadas a quem olha, seja pela

contenção, excesso, originalidade, equilíbrio, construção poética, conceitos e significações

presentes ou não em cada composição. Enquanto as vitrinas analisadas por Oliveira chamam

atenção pelo fato de as mercadorias serem expostas como objetos artísticos para serem

vendidos, no Festival, ao contrário, os produtos comerciais saem das vitrinas do Centro

Histórico de Antônio Prado e essas se transformam, literalmente, em galerias, para dar

visibilidade às produções dos estudantes.

Desse modo, as releituras de Guernica feitas pelos educandos foram para as ruas da

cidade, ou melhor dizendo, para uma de suas vitrinas.

Talvez não fosse bem o que as pessoas esperavam ver num Festival em uma cidade

que se orgulha de sua história, cultura e arquitetura. Alguns chocaram-se, outros elogiaram...

De acordo com Oliveira (1997, p. 133), são mesmo inúmeras as reações experimentadas pelos

sujeitos no encontro com o objeto:

Com suas qualidades sensíveis, o objeto estético fisga a atenção do sujeito e pode

surpreendê-lo, espantar, encantar. Enfim, provocando reações ou estados de ânimo

diversos, as propriedades irradiantes do objeto são, após o seu sentir, reelaboradas

pelas lembranças, reestruturadas e valoradas pelo sujeito na sua apreciação. Mais

complexamente, nos julgamentos interatuam os valores que os estruturam, ao mesmo

tempo em que esses são organizados, em relação ao contexto sócio-econômico-

político-cultural em que os sujeitos e as coisas se inserem e desempenham papéis. A

valoração está em conformidade com o sistema que organiza a vida coletiva; ela é,

pois, circunstancial e historicamente marcada, o que confere um teor de temporalidade

aos julgamentos de gosto.

Provocar reações era justamente o propósito da exposição que convidava moradores e

visitantes da cidade para olhar as releituras dos educandos. Além de refletir sobre os

simbolismos presentes em Guernica, puderam, também, perguntar-se: Contra o quê fazemos

guerra hoje?

O relevante é o interesse que a vitrina suscitou. Diante dela, olhos atentos. Podia-se

observar reações de espanto, admiração, alegria e tristeza. O olhar solicitou os demais

sentidos, despertou sentimentos, fez pensar.

Fig. 17: Releituras de Guernica expostas em uma das vitrinas do Festival

Viver esse Festival, no entanto, não se restringiu apenas a participar das exposições

nas vitrinas com as demais escolas, mas integrar os educandos ao evento. Levei-os à cidade,

ou seja, aos locais onde aconteciam os espetáculos e às mostras, para que pudessem dialogar

com os artistas e suas obras. É o que propõe Ott (1997, p. 121):

Quando se expõe os alunos a obras de arte no original, essas desafiam seu poder de

observação e oferecem conhecimento que os habilita para esforços criativos

posteriores. O mundo orientado visualmente torna-se um elemento ativo na sala de

aula por meio da percepção, da análise, da imaginação e da expressão, da produção ou

do fazer arte na classe. A observação é um dos elementos fundamentais da

investigação em ambas as áreas: artística e científica. Alunos que observam arte em

galerias e museus estão engajados em uma forma de pesquisa artística que exerce um

papel essencial na arte-educação.

Além de assistirmos aos shows musicais e espetáculos teatrais, fomos visitar a Galeria

de Arte do Festival, que reunia dez mostras. O propósito dessa visita foi exatamente pesquisar

o que estava ao alcance do olhar dos educandos.

A primeira mostra era Canções Ilustradas II, que se referia à segunda etapa de um

projeto em que as antigas canções vênetas foram reinterpretadas plasticamente através de

técnica mista pelas artistas do ARVI. Ao lado dessa, a Coletiva de artistas independentes de

Antônio Prado apresentou pinturas, esculturas e instalações. Ainda, puderam ser apreciadas a

exposição Peças antigas de mobiliário restauradas, de Clóvis Carra, e a Coleção de Rádios

Antigos, que reuniu o acervo da Rádio Solaris AM.

Do Museu Municipal de Caxias do Sul, foi trazido o Projeto Extra Muros, que

apresentou uma série de exposições itinerantes abordando aspectos socioeconômicos e

culturais daquela cidade, da região e do país. De Caxias do Sul, também estiveram presentes

os painéis que traziam rótulos de produtos de vinícolas daquele município entre 1920 e 1970.

As exposições Ponto a ponto, de Joel Jordani, que reuniu banners com reproduções

fotográficas, representando o trabalho manual da mulher na Serra Gaúcha, e Múltiplos Perfis,

de Júlio César Soares, que trouxe fotografias da paisagem e do homem do interior de Caxias

do Sul, abordavam o trabalho, a cultura e aspectos geográficos do município e da região.

Ainda foi possível voltar ao passado, ou melhor, conhecer outros carnavais, no espaço Abre

Alas, composto por quadros que traziam fotografias dos blocos de carnaval nos clubes da

região serrana, inclusive do União, de Antônio Prado.

A última parte da mostra era composta por banners que apresentavam a trajetória

histórica do Estado através da exposição Bens tombados no Rio Grande do Sul, da 12ª

SR/IPHAN.

Para que os educandos compreendessem esse ir à cidade não como um simples

passeio

, primeiramente coloquei os objetivos da visita, apresentei o guia da mostra e

solicitei que fizessem anotações enquanto olhavam as obras. Em outro momento, já na sala de

aula, procurei investigar o que a visita tinha significado para aqueles educandos. Solicitei que

respondessem por escrito a seguinte questão: Qual a obra mais interessante da coletiva? Por

quê? Qual é o título, técnica e autor da obra?

Em eventos como esse, muitos educadores ficam do lado de fora das exposições, enquanto os estudantes,

“muito à vontade”, correm por entre as obras sem olhá-las com atenção.

Apesar da variedade exposta, a obra escolhida por Maria

, 10 anos, que tinha alguma

familiaridade com imagens e era moradora do centro e Matheus, 11 anos, que não tinha e era

morador de um bairro não-central da cidade, foi a pintura à óleo, Navio Negreiro, realizada

em 1998, pela artista plástica independente Giovana Bocchese Leal

. Mas em nenhum

momento Maria e Matheus interessaram-se pelo contexto da obra. Para eles, a pintura

figurativa e realista, mostrava nada além de barcos, inclusive, deram novos títulos à ela:

Maria - Barcos. Escolhi esse trabalho porque é muito criativo. O título é Barcos, a técnica é

óleo sobre tela e a autora é Giovana Bocchese Leal.

Matheus - Da tela a óleo Os barcos, de Giovana Bocchese Leal. Eu gostei dela por que tem

muitas cores, são muito vivas e muito bem representadas.

Maria apresentou um pensamento do Nível I, da classificação de Rossi, e idéias do

Segundo Estágio da Teoria de Parsons. Ela buscou o tema através do real. Mesmo referindo-

se à criatividade da obra, Maria estava dizendo que a obra “Barcos” (leia-se Navio Negreiro)

era boa porque o tema era belo. Por isso, é importante lembrar que a palavra criatividade não

é sinônimo de expressividade. Como diz Rossi (2003, p. 96):

Talvez o uso indiscriminado do termo [criatividade] seja o responsável pela presença

deste critério no julgamento dos alunos, que o relacionam com coisas interessantes,

incomuns, diferentes, espontâneas, inéditas, originais, resguardadas, pouco expostas,

incompreensíveis.

Além de apresentar as leituras, releituras e desenhos de sujeitos que tinham alguma familiaridade com imagens

da arte e de sujeitos que não tinham, em algumas das questões relacionadas à cidade, seus eventos e outras

atividades desenvolvidas, novamente analiso as respostas de Maria

– por sua familiaridade com imagens da arte

já na Escola de Educação Infantil

–, para poder conhecer se há ou não diferenças entre as suas idéias e dos

demais sujeitos que não tiveram o mesmo acesso.

Giovana Bocchese Leal cursa Artes Plásticas no Instituto de Artes da UFRGS. Sobre o seu trabalho, Giovana,

comenta (Informação verbal): Aos 12 anos fui morar em Guarapari, Espírito Santo, onde comecei a cursar aulas

particulares de pintura a óleo sobre tela, por cinco anos. Neste meio tempo fiz, durante um ano, aulas de

desenho. Em 1998 (quando eu ainda morava em Guarapari e fazia aulas de pintura e desenho) pintei o quadro a

óleo sobre tela Navio Negreiro. Primeiramente trabalhei o Navio Negreiro no desenho até a evolução para a

pintura. Esta tela é uma reprodução de uma imagem selecionada, portanto a carga de significado não foi

primeiramente atribuída por mim, mas aprecio a cultura negra, me interesso por toda a história implícita nela,

bem como também o tráfico de escravos trazidos da África em navios negreiros. Depoimento [ago. 2005].

Entrevistadora: Mara Aparecida Magero Galvani.

Embora Matheus tenha mencionado que as cores estavam bem representadas,

demonstrando valorizar a maestria do artista, que é um critério de julgamento do pensamento

de Nível I e uma habilidade do Segundo Estágio da Teoria de Parsons, ele revelou uma

atração pelas cores “vivas”, que é um dos interesses dos leitores que se servem das idéias do

Primeiro Estágio. De acordo com Parsons esses leitores usam convenções das cores: as vivas

são alegres e as escuras são tristes.

O que diferencia a leitura de um e de outro é que Matheus ainda estava julgando a

obra em função das cores vivas presentes nela. Mas é interessante observar que ambos

optaram por um quadro que tinha como tema “barcos”, que é um tema belo e realista.

A opção de ambos em escolher o quadro Navio Negreiro entre tantos trabalhos

expostos na Galeria de Arte do Festival demonstrou que buscaram algo que poderiam

entender o que estavam olhando, por isso, aceitaram melhor uma obra figurativa, que tinha

um tema agradável, ao invés de uma abstrata. Mas ao justificar a escolha, os argumentos não

foram os mesmos. Enquanto para ela, o trabalho era “muito criativo”, o que quer dizer que era

interessante, ou diferente, ou original; o interesse de Matheus deveu-se às muitas cores, pois

segundo ele, eram “muito vivas”. Apesar do pensamento concreto de Maria, suas justificativas

em defesa da imagem sugerem um certo avanço em relação às idéias de Matheus que atribuiu

a sua escolha em função das cores chamativas.

2.5.2. As árvores na cidade e na arte

Em junho e julho de 2003, convidei os educandos a pensarem a cidade através da

interação com a natureza.

Num primeiro momento, solicitei que desenhassem uma árvore, para que eu pudesse

analisar como representavam esse tema, sempre presente nos desenhos das crianças. É

importante destacar, que nesta dissertação, os desenhos serão analisados, considerando as

influências culturais tratadas por Wilson & Wilson e Cox, sem pretender, em nenhum

momento, abordar os estágios da representação gráfica.

Considerando que a criança precisa ter acesso a fontes diversas, ou seja, não somente

desenhos de irmãos e colegas, levei para a sala de aula as imagens Pereira em Flor e Os

Ciprestes, de Van Gogh e A Árvore Vermelha e A Árvore Cinza, de Mondrian.

Fig. 18: Pereira em Flor Fig. 19: Os Ciprestes

Fig. 20: A Árvore Vermelha Fig. 21: A Árvore Cinza

Enquanto apreciavam as quatro imagens expostas, escolhidas pela variedade de estilos,

conversamos sobre o que estavam olhando. Cada um dos educandos que se prontificava a

falar sobre as imagens levava algum tempo expondo suas idéias.

Leituras de imagens de árvores

Entre os muitos diálogos gravados, apresento, a seguir, as leituras de Rita e Joana:

Rita considerou que o artista transferia seus sentimentos para a obra, o que caracteriza

o pensamento dos leitores do Nível II, de acordo com a classificação de Rossi. No entanto,

mesmo tendo alguma familiaridade com imagens da arte, sua compreensão estética foi muito

semelhante à apresentada por Joana, que não tinha o mesmo convívio. As leituras também

revelaram as idéias do Nível I e do Segundo Estágio de acordo com os estudos de Parsons.

Tanto Rita como Joana elegeram Os Ciprestes como sendo a imagem mais

interessante e A árvore Cinza, a menos interessante. Para Rita, a obra Os Ciprestes estava

bem-desenhada, tinha cores bem-misturadas e texturas, enquanto na obra A árvore Cinza não

se distinguia direito as cores, parecendo que o artista “passou uns riscos”. Para ela, a falta de

cor numa árvore a tornava “muito apagada”. Joana justificou sua preferência pelos “galhinhos

bonitos” e pelas várias cores, também referindo-se ao movimento das pinceladas, que segundo

ela, emprestou à imagem a impressão de “vento”. Já sobre a opção pela menos interessante,

declarou que parecia que tinha “os galhos secos”. Em seguida, quando perguntei se as quatro

imagens tinham sido produzidas pelo mesmo artista, Joana disse que cada um pintava de um

jeito (referindo-se ao tema das obras) o que estava sentindo. Rita e Joana demonstraram um

pensamento característico do Nível II, pois eram as qualidades do tema “árvores” que estavam

sendo julgadas e não as obras em si.

Elas também apresentaram idéias do Nível I e do Segundo Estágio ao optarem por

uma imagem mais realística, que lembrava um “pinheiro”, ao invés das obras de Mondrian.

Muitas vezes, quando as crianças desenham árvores, elas buscam referência nos pinheiros

ilustrados nos cartões de Natal e/ou nos que enfeitam lojas, ruas e casas nas festas de final de

ano e, ainda, nos desenhos estereotipados de paisagens que os adultos fazem. No Segundo

Estágio os leitores buscam entender o que estão vendo. Outra característica do mesmo Estágio

é o fato de terem mencionado a habilidade do artista ao pintar Os Ciprestes:

M – O que podemos olhar nessas imagens?

Rita - São árvores.

Joana - Árvores.

M - O quê tem nessas árvores?

Rita - Tem cores.

M - São todas árvores?

Joana - Acho que são.

M - Qual das imagens é a mais interessante?

Rita - Eu achei a do pinheiro (apontando para a imagem Os Ciprestes).

Joana - Eu acho que é a segunda (também apontando para a imagem Os Ciprestes).

M - Por quê?

Rita - Porque eu achei legal, desenharam bem.

Joana - Ela tem os galhinhos bonitos, a cor dela. Dá pra perceber que a árvore não é só

verde. Tem vermelho, preto, azul. Também dá a impressão que tem vento.

M – Somente por isso?

Rita - Porque eu achei que ele misturou bem as cores e tem texturas. É a mais legal.

Joana - Porque dá pra ver que tem texturas.

M - E qual delas é a menos interessante?

Rita - Acho que é essa (apontando para a imagem A Árvore Cinza).

Joana - A última (também apontando para a imagem A Árvore Cinza).

M - Por quê?

Rita - É que não dá para ver direito as cores. Na árvore eu acho mais legal se tu usar cor,

porque senão fica muito apagada.

Joana - Parece ser meia... Tem os galhos secos.

M - As quatro pinturas são do mesmo artista?

Rita - Acho que não.

Joana - Acho que não.

M - Por quê?

Rita - Porque essa aqui (apontando para a imagem Os Ciprestes) está bem-detalhada.

Nessa aqui (apontando para a imagem A árvore Cinza) ele passou uns riscos. E nessas

aqui ele já fez um pouco diferente também (referindo-se às imagens Pereira em Flor e A

Árvore Vermelha

Joana - Acho que cada artista usa um jeito de pintar o que está sentindo. E aí tem mais de

um jeito.

Ao responderem se, em suas pinturas, o artista deveria fazer uma árvore parecida com

o mundo real ou criar uma árvore diferente, elas continuaram julgando as qualidades do tema.

Rita salientou que se o artista criasse algo feio não ficaria “legal”, ao passo que se ele

copiasse algo bonito, sim. No Nível II, permanece a fusão entre os julgamentos estético e

moral.

Mais adiante, uma delas falou que “a pessoa” (referindo-se ao artista) importava-se em

fazer o que estava sentindo, e a outra, porque ele podia usar a criatividade, fazer coisas novas

e que a inspiração vinha de dentro do artista. Essas leituras revelaram que Rita e Joana

acreditavam que, para produzir sua arte, bastava ao artista deixar aflorar o que estava em seu

interior; assim, ele poderia criar, desde que transferisse seus sentimentos bonitos para o

quadro, o que o tornaria “legal” (leia-se: bom). Embora aponte para algo subjetivo – o

sentimento –, este é ainda um pensamento realístico, pois trata do estado de espírito concreto

e vivido do artista. Todas essas falas são características do pensamento de Nível II:

M - Quando um artista faz uma pintura, ele deve fazê-la o mais parecida possível com o

mundo real ou ele pode criar uma árvore diferente?

Rita - Pode criar uma diferente.

Joana - Ele pode criar uma árvore diferente.

M – Então, é mais interessante criar uma pintura do que copiá-la do mundo concreto?

Rita - Aí depende o que o artista criou, né. Se ele copiar uma coisa bonita vai ficar legal. Se

ele criar uma coisa feia não vai ficar legal. Se ele criar uma coisa legal, também vai ficar

legal. Depende do que ele criar.

M – Como assim?

Rita - Quando a pessoa (referindo-se ao artista) está desenhando, ela não está se

importando se os outros vão gostar, ela está se importando em fazer o que ela está

sentindo. Não existe isso, tipo, bá, não desenha isso ai porque é feio! Tu vai lá fora e olha o

sol. Daí te dá vontade de desenhar o sol, tu vai lá dentro e desenha o sol.

Joana - Por que daí ele está usando a criatividade, ele está fazendo coisas novas, que

interessam mais para as pessoas.

M - E de onde vem a criatividade do artista?

Joana - Acho que vem quando ele gosta de desenhar mesmo. Ele se inspira.

M – E de onde vem a inspiração do artista?

Joana - De dentro dele. Por que cada um desenha do jeito que gosta de representar as

coisas.

As entrevistas de Rita, que tinha 11 anos e era moradora do centro e de Joana, que

tinha 10 anos e era moradora de um bairro não-central da cidade, revelaram um pensamento

característico dos Níveis I e II, e do Segundo Estágio da Teoria de Parsons, confirmando mais

uma vez, nesta dissertação, que alguma familiaridade com as imagens não permite uma

compreensão estética mais sofisticada. Por isso, insisto que uma leitura mais elaborada deve-

se a uma ampla discussão estética na escola, o que quer dizer um longo tempo em confronto

com as imagens. Pode-se constatar, mais uma vez, que ver as obras da tia, artista plástica, não

garantiu à Rita um olhar atento, demorado, para que ela pudesse refletir sobre outras imagens.

O fato é que tanto Rita como Joana estavam tendo, pela primeira vez, a oportunidade na

escola de atribuir significação às imagens. Talvez por isso, suas leituras ainda eram

determinadas pelo mundo real.

Trilha Ecológica

Na etapa seguinte, chamei-os para fazermos a Trilha Ecológica do Arroio, no Parque

Municipal de Antônio Prado.

Como muitos deles que nasceram na cidade, eu também não conhecia o local, mas

queria aventurar-me para descobri-lo com eles. Fomos acompanhados de um guia da

Prefeitura Municipal e da educadora de Ciências do Colégio. Enquanto ambos falavam das

plantas, seus nomes científicos, famílias e dos benefícios de seus chás e frutos para a saúde,

eu solicitava aos educandos que olhassem, cheirassem e tocassem as árvores e que ouvissem

os sons da mata. Fiquei impressionada pela infinidade de espécies (Sabugueiros, Carrapichos,

Murtas, Cedros, Xaxins, Pitangueiras, entre outros), mas, sobretudo, pelas cores, sons,

formas, texturas e aromas presentes naquele lugar.

Olhamos as árvores, mas também as tocamos, abraçamos, sentimos o perfume de suas

flores e ouvimos o vento soprando em seus galhos.

Fig. 22: Educandos na Trilha Ecológica do Arroio

Sobre a importância de educar nossos cinco sentidos para olhar, ouvir, tocar, cheirar e

saborear a arte e o mundo, Duarte Jr. (2003, p. 26-27) enfatiza:

Entendamo-nos: a educação do sensível não prescinde da arte – pelo contrário –, mas

deve atuar num nível anterior ao da mobilização estética. Mais do que nunca, é preciso

possibilitar ao educando a descoberta de cores, formas, sabores, texturas, odores etc.

diversos daqueles que a vida moderna lhe proporciona. Ou, com mais propriedade, é

preciso educar o seu olhar, a sua audição, seu tato, paladar e olfato para perceberem de

modo acurado a realidade em volta e aquelas outras não acessíveis em seu cotidiano.

O que se consegue de inúmeras maneiras, incluído aí o contato com as obras de arte.

Não nos esqueçamos, portanto, da arte culinária, dos perfumes e cheiros, das

paisagens e noites estreladas, das frutas coloridas e saboreadas “no pé”, das

caminhadas por trilhas e bosques, enfim disso tudo de que a vida moderna nos vem

afastando.

Dentro da proposta de uma educação do sensível, a trilha ecológica foi o momento em

que os educandos não apenas olharam, mas sentiram as árvores. Ali na mata estava o corpo

vivo, presente, que olhava, sentia, vivia, lia, (re)significava, para então, na sala de aula, criar

um novo desenho de uma árvore.

Fig. 23: A volta ao Colégio depois da Trilha Ecológica

Ao voltarmos para o Colégio, discutimos se após tais experiências ainda permaneciam

olhando as árvores do mesmo modo. Para responderem a essa questão, desafiei-os a

novamente desenharem árvores, conforme mostro na análise das primeiras e das segundas

configurações visuais feitas pelos educandos. Como o trabalho envolveu outras ações além da

leitura, aqui, as imagens das obras de Van Gogh e Mondrian foram usadas como fonte para

ampliação do repertório gráfico-plástico das crianças a partir de um tema, e não como fonte

de releitura

. Assim, apresento os desenhos de árvores produzidos por Rita e por Joana antes

da Trilha Ecológica e da leitura das imagens e os desenhos feitos por elas após a interação

com o meio ambiente e com a arte.

Quando a investigação iniciar com a leitura de imagem e a produção for realizada a partir da obra lida, esta

será tratada e analisada como releitura, mas quando iniciar com ações como, por exemplo, visitas a exposições

ou outras interações com a cidade e seus espaços, a produção será analisada e tratada como desenho, conforme já

mencionei no capítulo 1 desta dissertação.

Desenhos de árvores

Em seu primeiro desenho, Rita usou cores e formas convencionais, ou seja, criou uma

árvore com tronco, em dois tons de marrom, e copa, em dois tons de verde, colocada sobre a

grama com pequenos círculos vermelhos, os quais representavam flores e ainda com um

fundo azul, representando o céu. Mesmo sendo um desenho figurativo e com elementos

estereotipados, ela usou texturas e preocupou-se em distribuí-lo no espaço, ocupando toda

folha de papel.

Fig. 24: Primeiro desenho de uma árvore realizado por Rita

Em seu segundo desenho, Rita apresentou uma composição semelhante à primeira,

mas é inegável o “empréstimo” que fez da obra Os Ciprestes, de Van Gogh, evidenciado pelas

pinceladas gestuais, maior mistura de cores, uso do amarelo na copa da árvore e na grama e

tratamento dado ao céu, nas pinceladas espirais em azul e branco. A produção do segundo

desenho foi mais aprimorada, mais solta e fiel à escolha feita durante a leitura das quatro

imagens, pois ela tinha julgado Os Ciprestes como sendo a obra mais interessante.

Fig. 25: Segundo desenho de uma árvore realizado por Rita

Embora estivesse solicitado o desenho de uma árvore, Joana desenhou uma árvore

maior centralizada e duas menores ao lado desta. Todas elas tinham troncos marrons

contornados e copas verdes também contornadas. A copa da árvore do meio era formada por

galhos e folhas marcadas pelos contornos. Apesar de o desenho ter sido apresentado de frente,

a parte superior do tronco estava sendo vista de cima, como se os galhos tivessem colocados

na borda, assim como o próprio caule da árvore sobre o chão, em função do contorno que

cortava a forma. Um grande fundo azul representou o céu. Todo o desenho estava enrijecido

pelos contornos, formas presas, cores puras, convencionais e chapadas e sem nenhuma

textura.

Fig. 26: Primeiro desenho de uma árvore realizado por Joana

Apesar de Joana ter mantido a forma de uma das árvores menores, com o tronco

marrom e a copa verde fechada e arredondada, típica dos desenhos feitos pelas crianças

pequenas, ela demonstrou, no segundo desenho, um avanço em relação ao primeiro ao ter

explorado melhor o espaço e misturado as cores. O seu desenho já não estava contornado e

apresentava pinceladas que o tornaram mais solto. Mesmo ainda sendo uma árvore

estereotipada, também foi possível perceber o “empréstimo” que fez da obra Os Ciprestes, ao

carregar o amarelo nas pinceladas da copa da árvore – o que não fez no primeiro desenho, no

qual utilizou apenas o verde puro. O fundo, representando o céu também remeteu ao céu de

Van Gogh sugerindo um certo movimento nas pinceladas em azul e branco, ao contrário da

primeira produção, em que ela utilizou azul puro e não fez nenhuma textura.

Fig. 27: Segundo desenho de uma árvore realizado por Joana

Rita e Joana conservaram as formas figurativas em seus segundos desenhos, pois foi

assim que, ao longo do tempo, vieram observando as árvores dos livros infantis, revistas de

histórias em quadrinhos e os desenhos feitos por colegas, irmãos mais velhos e outras pessoas.

Mas não se pode negar que ao buscarem a imagem Os Ciprestes, de Van Gogh, os últimos

desenhos apresentaram-se mais elaborados, menos enrijecidos e estereotipados do que os

primeiros.

Wilson & Wilson (1997, p. 65), ao responderem por que as crianças “emprestam”

imagens, em vez de inventarem suas próprias, dizem:

Pensamos que a resposta reside na natureza da percepção e no fato de que os

programas que usamos para as tarefas diárias de viver no mundo não são facilmente

convertidos em programas para a produção de desenhos. O que conhecemos sobre a

figura humana, por exemplo, vem da nossa atual percepção da figura humana junto

com, literalmente, milhões de percepção anteriores desta figura captadas em inúmeras

posições – em pé, sentada, deitada, andando, correndo –, de milhares de pontos de

observação – acima, de perfil –, e em formas incontáveis – homem, mulher, velho,

moço, baixo, alto, etc.

Os autores sustentam que embora o processo de invenção visual exista, ele é

extremamente difícil e raro, por isso, os desenhos desenvolvem-se quando existem modelos

para serem seguidos. De acordo com a idéia de que as crianças desenham através da

observação de desenhos de outros, Cox (2001, p. 185) afirma: “Na verdade, há um pouco de

cópia em quase tudo o que precisamos aprender. Não é natural, portanto, que se espere que na

arte as crianças se desenvolvam sem ajuda”.

Se na leitura não foi possível observar uma diferença explícita na compreensão

estética entre a menina que tinha alguma familiaridade com imagens da arte e a outra que não

tinha, já na produção, a diferença foi mais acentuada. Tanto o primeiro quanto o segundo

desenhos de Rita apresentaram-se mais elaborados do que os produzidos por Joana. No

entanto, nenhuma delas buscou como fontes de enriquecimento de seus repertórios visuais as

imagens A árvore Vermelha ou A árvore Cinza, de Mondrian. Como ambas elegeram, na

leitura, Os Ciprestes como a imagem mais interessante, pareceu-me aceitável que tenham

“emprestado” da mesma imagem referências para os seus últimos desenhos.

Wilson & Wilson (1997, p. 59), dizem que:

[...] o aprendizado mais importante de arte está intimamente ligado ao processo da

perda da primeira infância por meio da experiência temporal. De fato, o processo de

perda da ingenuidade em arte envolve a aquisição de convenções artísticas – processo

imitativo este que permaneceu escondido. Ele necessita ser trazido à luz.

Os segundos desenhos de árvores produzidos por Rita e Joana confirmaram as

palavras dos autores, pois é inegável os avanços apresentados nas configurações visuais após

a leitura das imagens. Somente percebendo as árvores do Parque Municipal, e principalmente,

olhando as quatro imagens das obras de Van Gogh e de Mondrian, elas puderam perceber as

soluções encontradas pelos artistas ao representarem um tema que vinham desenhando desde

a Educação Infantil, quase sempre do mesmo modo. Se os desenhos não nascem no vazio, se é

inevitável que as crianças copiem os desenhos de outros e se ao copiar estão aprendendo os

códigos visuais de sua cultura, continuo insistindo que a escola precisa oferecer uma variada

gama de possibilidades de imagens de qualidade para que os educandos possam produzir

desenhos mais elaborados e menos estereotipados.

2.5.3. O Museu

Propondo aprender na cidade, como Bernet refere-se a uma das dimensões de relação

entre a educação e o meio urbano através de suas instituições, recursos, relações e

experiências educativas, convidei os estudantes, em setembro de 2003, para visitarmos o

Museu Municipal de Antônio Prado. Alguns estavam entrando pela primeira vez no prédio

onde também teriam acesso a outras obras de Neusa Welter Bocchese – que não estavam na

Galeria do Festival de Arte e Cultura –, pois o Museu reúne as pinturas dos capitéis do

município feitas pela artista, que mais tarde veio até à escola.

Além dos capitéis, o acervo é composto por louças, talheres, enxovais, móveis,

imagens de santos, roupas, artesanato, utensílios, ferramentas, restos de lambrequins em

madeira e algumas peças do figurino usado pelas atrizes Patrícia Pillar e Glória Pires durante

as gravações de O Quatrilho, rodado na cidade, momentos os quais também estão registrados

nas fotografias expostas nas paredes. Assim, o interior do Museu conta a história dos

imigrantes italianos que fundaram a Colônia Antônio Prado em 1886, preservando a memória

de fé, trabalho, crenças, valores, usos e costumes. Apesar de ser um dos imóveis tombados

que compõem o Centro Histórico de Antônio Prado, ao redor da Praça Garibaldi, e de muitos

pais terem o hábito de levar seus filhos para brincar no Leo Parque

, são raras as famílias que

fazem uma visita ao local.

Desse modo, incluí na pesquisa a experiência de olhar para dentro do museu. Nossos

educandos somente compreenderão a cidade que aí está com sua cultura, sua história, sua

arquitetura, seus problemas e sua relação com as pessoas, se puderem compreender o passado.

Precisamos possibilitar uma perspectiva dialética, para que olhem o presente como o passado

que foi sendo transformado. Se a família oferece outras vivências na cidade, mas não garante

tal olhar, então a escola precisa democratizar o acesso aos museus para que crianças e

adolescentes possam conhecer a cultura que há ali e da qual fazem parte e para que também

possam discutir a arte produzida por seus artistas.

Fig. 28: Visita ao Museu Municipal Fig. 29: Restos de lambrequins

Fig. 30: Capitel – pintura Fig. 31: Capitel Sto. Antônio – pintura

Parque Infantil adotado pelo Leo Clube de Antônio Prado com apoio da Prefeitura Municipal e que está

localizado próximo ao Museu.

2.5.4. Universo feminino e cotidiano escolar

Atenta aos acontecimentos artísticos e culturais da cidade, levei os educandos à mostra

coletiva Universo Feminino, das artistas do ARVI. A exposição aconteceu no mês de

setembro de 2003, no saguão do Clube União, e culminou com a 7ª Mostra Del Paese

As obras – em acrílico, colagem, lápis de cor, pastel oleoso –, mostravam pinturas que

representavam crochê; tricô; trançados em palha de milho; antigas máquinas de costurar;

ferros à brasa usados para passar roupas; ervas expostas para secar e, posteriormente, preparar

os chás; conjuntos de xícaras com bule, ou seja, o cotidiano de trabalho das mulheres da

região no passado.

Figs. 32 e 33: Visita à mostra coletiva Universo Feminino

Programação que acontece no município bienalmente, sendo que as primeiras edições ocorreram no mês de

maio, e que reúne no Parque Municipal de Eventos uma mostra da indústria, culinária e artesanato local,

incluindo ainda esportes, apresentações artísticas e exposições de arte. O evento também resgata a história do

município desde a chegada dos imigrantes italianos em Antônio Prado até os dias atuais, através dos desfiles

alegóricos e dos roteiros turísticos.

Embora a mostra estivesse resgatando um tempo histórico, as pinturas representavam

o Universo Feminino de muitas mulheres das famílias dos educandos que a visitaram, pois

algumas de suas mães, avós, tias conservavam os mesmos rituais nos trabalhos domésticos ou

na confecção de algum tipo de artesanato. Aliás, a produção artesanal era e continua sendo tão

representativa na cidade, a qual pode ser conferida todos os finais de semana e feriados em

três das seis réplicas em madeira de algumas das casas tombadas que estão colocadas na Praça

Garibaldi – ponto de referência para moradores e visitantes – e que servem de abrigo para os

produtos que permanecem expostos e são comercializados. Quem andar pela praça poderá

encontrar o mais variado artesanato local, como: panos-de-prato, trilhos, tapetes e jogos de

quarto em crochê, sportas

, echarpes pintados à mão, chapéus de palha ou de crochê e

carrinhos-de-mão. Nas outras três réplicas são vendidos pipoca, crepes, refrigerantes e

cachorros-quentes.

De acordo com Salete Cecconello Carossi, tudo iniciou há oito anos quando ela e uma

amiga buscaram um ponto no qual fosse possível divulgar e comercializar os trabalhos que

faziam. Carossi (Informação verbal)

conta:

Lutamos muito para conseguir um espaço onde pudéssemos promover o artesanato de

Antônio Prado através dos trabalhos em crochê que eu fazia e dos chinelos de pano

que a Ermida confeccionava. Na época só existia a Casa da Neni que vendia produtos

artesanais e quando o turista chegava aqui ele não tinha onde ir e logo procurava

informações na Praça. Com o apoio da Prefeitura que também nos cedeu as casas, de

alguns vereadores e da Secretaria de Turismo, que trazia as excursões até nós, foi

possível que eu e a Ermida começássemos a mostrar e comercializar as nossas peças e

as de outras pessoas em uma das casinhas. Em termos de vendas, já tivemos tempos

melhores, mas hoje os turistas nos procuram cada vez mais; querem conhecer o que

fazemos. Nesse aspecto cresceu muito.

Cestas confeccionadas em palha de milho.

Salete Cecconello Carossi e Ermida Viapiana Scopel foram as artesãs pioneiras no trabalho de divulgação do

artesanato da cidade, na Praça Garibaldi. Depoimento [ago. 2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero

Galvani.

Fig. 34: Réplica das casas tombadas que abrigam o artesanato na Praça Garibaldi

A iniciativa dessas mulheres artesãs deu tão certo que outras se seguiram. Depois

disso, foram criadas as associações de artesãos de Antônio Prado: La Nostra Arte – que é da

cidade e a qual Carossi e Scopel fazem parte – e Lavoro Delle Mani – que é da Linha 21 de

Abril, uma das comunidades do interior do município. Mas não é só isso, também foi aberta a

Casa do Artesão

, que comercializa, diariamente, o mais diversificado artesanato local.

Em 2004 a Secretaria Municipal de Turismo e o escritório local da Emater/RS se

aliaram às duas associações de artesãos e organizaram a 1ª Expo Artesanato, que aconteceu de

A loja está instalada em uma das salas da frente da casa Luciano Zanella (trago maiores detalhes sobre a

edificação no final deste capítulo), construída em madeira, entre 1919 e 1920 e localizada na Rua Luiza

Bocchese, número 80, defronte à Praça Garibaldi. O prédio é um dos cinco imóveis tombados pelo IPHAN, que

receberam pintura nova em 2004 através do projeto Colorir o Patrimônio, coordenado por Roveda. No total são

22 casas inscritas no projeto, numa parceria entre a Tintas Renner que fornece o material e os proprietários que

se encarregam com a mão de obra, sendo que até agosto de 2005 foram pintadas 10 e outras 12 também serão.

No entanto, nenhuma alteração nas características originais podem ser feitas sem a autorização do IPHAN que é

o órgão fiscalizador do projeto no que se refere à intervenção das casas tombadas. De acordo com Roveda

(Informação verbal): A iniciativa tem como objetivo, “colorir as casas tombadas como Patrimônio Histórico e

Artístico Nacional em Antônio Prado, com vistas a promover a conservação, a divulgação, a educação

patrimonial, bem como proporcionar o embelezamento geral desse patrimônio”. Em seu livro, o autor também

traz que, desde o tombamento, uma parte dos imóveis foram restaurados. Em alguns casos com recursos dos

proprietários, outros, como a SOCIETÀ del Mutuo Soccorso Vitório Emanuelle IIIº (Sociedade de Mútuo

Socorro), num convênio do Ministério da Cultura, Prefeitura Municipal de Antônio Prado e associados da

entidade com apoio da comunidade local no ano de 1999. Já a Casa Luiz Sgarbi (Casa Scopel), às custas do

Projeto Adote uma Casa, promovido pela Associação Industrial e Comercial e Prefeitura Municipal no ano de

1991. Segundo ele, outras edificações foram restauradas com recursos do IPHAN. Roveda (2003, p. 71), declara:

“Uma pequena parte dos imóveis tombados foi beneficiada com recursos junto ao Ministério da Cultura IPHAN,

no período compreendido entre os anos de 1989 e 2002 (13 anos que sucederam ao tombamento)”. O Chefe da

Área Técnica da 12ª SR/IPHAN, Eduardo Hahn (Informação verbal), afirmou que desde 1988 o órgão vem

restaurando alguns dos imóveis tombados da cidade. Segundo ele, em 2003, a Casa Zilba Grazziotin

(mencionada nesta pesquisa como Secretaria de Turismo) e a Casa Zulian, situada na Avenida Valdomiro

Bocchese, número 1072 foram restauradas pelo IPHAN. Hahn também informou que no mesmo ano foram

restauradas ainda, as coberturas de duas casas da Avenida dos Imigrantes e a cobertura, os vitrais e o

Campanário da Igreja Matriz, destruídos por um tornado ocorrido em 11 de dezembro de 2003.

sexta-feira a domingo, durante os dois últimos finais de semana de julho. O sucesso do

evento, que teve como objetivo mostrar a riqueza do Patrimônio Histórico de Antônio Prado

junto à riqueza cultural, do artesanato, garantiu que em julho de 2005 ocorresse a 2ª edição.

Assim, a Expo Artesanato passou a ser considerada uma mistura de exposição e de feira na

qual foram mostrados e comercializados os artigos que ocuparam vários ambientes do

segundo andar da casa Francisco Grazziotin

. Quartos, banheiros, salas e cozinhas foram

“decorados” com móveis confeccionados pelos profissionais da cidade, além de xales,

mantas, bonecas, almofadas, toalhas, caixas, quadros, flores, cestas e uma infinidade de

artigos produzidos em linho, madeira e palha de trigo pelos artesãos. Sobre essa fórmula

inovadora de expor raridades como macramê

, crivo

entre outras técnicas, uma das matérias

veiculadas pelo Jornal Pioneiro (2004, p. 11) diz:

A Expo Artesanato é exposição quando cria ambientes no qual as peças interagem

com o espaço. Ou seja: na sala, o turista encontrará almofadas em cadeiras, no quarto

das crianças achará brinquedos, e assim por diante. O evento também é exposição

quando mostra uma faceta histórica da imigração italiana na Serra. Por meio de artigos

de vime, palha, madeira, bordados e crochê, por exemplo, ele revela que o artesanato

de Antônio Prado ainda mantém as raízes culturais. Mas a exposição ganha a cara de

feira quando coloca à venda as peças expostas. A comercialização incentiva a

sobrevivência da atividade artesã, uma das tradições da cidade com o maior acervo de

arquitetura em madeira da colonização italiana.

Os visitantes da Expo Artesanato puderam, não apenas, conhecer ou recordar o

trabalho feito com técnicas que vinham se perdendo no tempo – e que foram ensinadas por

avós e mães que, por sua vez, aprenderam com os seus antepassados –, como também ver o

processo de produção, pois durante o evento, os artesãos confeccionavam as peças em vários

ambientes da casa.

A edificação, tombada pelo IPHAN, construída em madeira, em 1930 e localizada na Rua Valdomiro

Bocchese, número 587, também foi contemplada pelo projeto Colorir o Patrimônio. Em 1995, o prédio foi uma

das locações utilizadas nas gravações do filme O Quatrilho, transformando-se na Casa de Negócios Gardone.

Tipo de trançado.

Tipo especial de bordado.

Fig. 35: Casa Francisco Grazziotin onde aconteceu a 1ª e a 2ª edições da Expo Artesanato

Abordo a produção artesanal da cidade, pois muitos dos trabalhos das mulheres artesãs

também estavam impressos nas pinturas das mulheres artistas. Assim como a coletiva do

ARVI, a Expo Artesanato mostrava criações feitas quase que exclusivamente por mulheres. É

importante esclarecer que um trabalho não foi produzido em função do outro, mas ambos

traduziram o cotidiano de algumas dessas mesmas mulheres e resgataram a história de outras,

tanto é que a mostra coletiva Universo Feminino também pôde ser conferida na 1ª edição do

evento.

As fronteiras entre o artesanato e a arte são discutidas por Ivone Richter no livro

Interculturalidade e estética do cotidiano no ensino das artes visuais. A autora relata a

pesquisa de campo desenvolvida em parceria com Rachel Mason e com participação de Iona

Cruickshank numa escola municipal, de um bairro da cidade de Santa Maria, RS. Uma das

reflexões de Richter (2003, p. 137) talvez caiba no contexto aqui abordado acerca das

produções das artistas e das artesãs de Antônio Prado, quando ela afirma:

Associar o trabalho artístico das mulheres que é realizado em casa com o trabalho de

mulheres artistas contemporâneas significa entender que os dois tipos de trabalho

estão relacionados pela mesma linha estética. Trata-se de uma tentativa de levar os

(as) estudantes a se tornarem conscientes de que as artes visuais representam uma

experiência estética para o (a) artista e para os (as) fruidores (as), da mesma forma que

os fazeres especiais das mulheres também representam uma experiência estética para

elas e para as pessoas que os apreciam [...]

As relações entre as artes do cotidiano e as obras de artes visuais são abordadas pela

autora no livro, através de um relato da pesquisa em que buscou compreender como

aconteciam as relações estéticas entre a escola e os elementos da sociedade na qual se inseria,

concentrando-se no papel da mulher como disseminadora e promotora da herança cultural e

estética por meio de seu trabalho na família. A partir da investigação das origens étnicas dos

alunos de 5ª série, foram selecionadas cinco mulheres que tinham alguma relação com a

escola e que realizavam algum tipo de atividade reconhecida como esteticamente válida e

interessante.

Posteriormente foi desenvolvida, na escola, entre outras atividades, uma proposta de

ensino da arte a partir da análise de seus trabalhos e de obras contemporâneas produzidas por

artistas também mulheres que guardavam alguma relação ou tinham como referência a

estética do cotidiano feminino.

Interessa ressaltar, na pesquisa, considerações feitas quanto à dissolução entre a arte

erudita e a arte popular. Embora o foco desta dissertação não seja o de tratar da

interculturalidade, é pertinente considerar a reflexão da pesquisadora quando ela questiona o

ensino da arte do século XX, que dominado pelos conceitos formais e expressivos, deixou de

lado todas as artes consideradas “menores”. De acordo com ela, a questão do artesanato como

cultura popular, se é ou não arte, é sempre levantada pelos professores e é um dos pontos mais

difíceis de serem discutidos. Sobre esse aspecto, Richter (2003, p. 201) enfatiza:

Se considerarmos que estamos trabalhando com um conceito abrangente de arte, não

mais nos moldes modernistas e sim com uma visão antropológica, artesanato é arte no

momento em que apresenta características de “fazer especial”, significando

envolvimento, prazer, sentimento estético, busca de perfeição técnica. É preciso retirar

O conceito de “fazer especial”, desenvolvido por Dissanayake (1991), foi utilizado por Richter em sua

pesquisa.

da palavra “artesanato” sua conotação pejorativa de trabalho manual feito de forma

repetitiva, monótona, sem envolvimento pessoal, produzido apenas para venda.

Nesta perspectiva, a estética do cotidiano diminui o distanciamento entre a arte e a

vida. Conforme Richter (2003, p. 108), a produção artesanal pode mesmo expressar um

comportamento artístico dependendo do sentido dado a esse fazer:

Tanto na arte pura como na arte aplicada, funcional, o “fazer especial” revela essa

esfera especial da realidade. A realidade tornada “especial” provoca em nós reações de

emoção e sensibilidade que não acontecem numa realidade “não especial”.

Consideramos que os objetos produzidos no cotidiano, sem uma intenção de produzir

arte, mas certamente com uma intenção estética muito definida de “fazer especial”,

podem e devem ser considerados como objetos artísticos. Existem certamente

gradações do “fazer especial”. É, preciso, portanto, cuidado, porque, nesse sentido, a

arte, vista como “fazer especial”, pode abarcar um domínio muito amplo, que se

estende desde o resultado mais alto até o mais prosaico. No entanto, o simples fazer

não é nem “fazer especial” nem é arte [grifo meu]. Para tanto, é necessário o algo a

mais que retira o objeto de sua simples função utilitária e o reveste de um sentido mais

profundo e estético.

Considerando as reflexões de Richter em sua pesquisa, volto à mostra coletiva

Universo Feminino e à Expo Artesanato, pois até mesmo na última percebia-se a preocupação

estética não somente na confecção dos artigos bordados ou pintados, como também no modo

como foram expostos na casa, superando o simples fazer. Assim, insisto que ir com os

educandos a uma exposição de arte ou a uma feira de artesanato é mais do que visitar esses

espaços; significa considerar como foram feitas as obras e as peças expostas, quais as

intenções e as origens culturais de seus produtores. Precisamos proporcionar o diálogo entre a

arte e o artesanato, isto é, conforme Ott (1997, 122), os “meios de aprender olhando para os

objetos, não particularmente para seu valor material, mas para a experiência das idéias e da

qualidade estética que eles podem conter”.

A interação com arte erudita e com a arte popular é uma parte muito importante da

educação, pois esses encontros são tempos diversos daquele em que as crianças estão em

frente ao computador, à TV, ou o tempo que passam num shopping center. Por isso, antes de

levar os estudantes aos espaços pedagógicos informais de outras cidades – atividade sempre

usada como pretexto para, na verdade, ir ao shopping –, devemos perguntar-lhes se já

conhecem os museus, bibliotecas, meios de comunicação, repartições públicas, igrejas, feiras

e mostras locais. Já acompanhei as escolas em muitas de suas viagens para bienais de arte e

outros eventos, mas todos esses roteiros sempre eram vistos de forma apressada, ‘na corrida’.

Sobre esse aspecto, Ott (1997, p. 122) reforça que “visitantes olham rapidamente para as

obras nas exposições, sendo que a maior parte do breve tempo em que o fazem é usada na

atividade de leitura da etiqueta colocada ao lado da obra”.

Os educandos só se interessarão pelo texto visual das mostras de arte ou pelo

artesanato local quando essas visitas significarem uma rotina na vida da escola, assim como

ler e escrever. Conforme o próprio Ott, aprendemos a olhar, olhando e numa exposição

devemos dirigir nosso olhar para a obra que será interpretada, não para a etiqueta que a

acompanha.

A escola precisa estar consciente de que não é necessário sair da cidade para educar o

olhar de nossos educandos, pois toda a cidade é um agente educativo. A arte e a estética do

cotidiano estão na cidade, através de seus museus, de suas mostras, de suas feiras, de suas

praças, de seus artistas e de seus artesãos. Proporcionar constantemente essa familiaridade

significa oferecer condições para que possam compreender algo de um tempo e lugar.

Falas e desenhos sobre o Universo Feminino

Durante a visita à mostra coletiva Universo Feminino, solicitei que olhassem

atentamente para as obras expostas. Voltando para a sala de aula, levantei apenas a seguinte

questão, cuja resposta deveria ser entregue por escrito: O que você achou da mostra Universo

Feminino, do Atelier de Artes Visuais de Antônio Prado? Por quê?

Todos os educandos demonstraram gostar muito da mostra, especialmente de sua

temática, como podemos perceber nas respostas de dois dos sujeitos pesquisados que tinham

11 anos:

Rita - Eu achei muito legal, bonito e interessante. Porque nós aprendemos a ver tudo o que

as mulheres trabalhadoras fazem, através da arte.

Matheus - Muito interessante, pois nos mostrou o que a mulher pradense fazia e ainda faz.

Também solicitei que representassem o tema Universo Feminino a sua maneira. O

objetivo do trabalho era conhecer quais tinham sido as pinturas que influenciaram na

produção dos desenhos dos educandos, ou seja, quais as imagens que tomariam

“emprestadas” para a criação de suas configurações visuais.

A opção de Rita, que tinha alguma familiaridade com imagens da arte e de Matheus,

que não tinha, em desenhar a partir de seus olhares sobre o díptico Tricô, de Rosa Maria

Guerra, também revelou a escolha da quase totalidade dos educandos.

Fig. 36: Tricô – Díptico

Questionei-os porque tinham escolhido essa obra, entre tantas, e as respostas dos dois

foram:

Rita – Achei mais legal porque é um trabalho mais abstrato, mas ao mesmo tempo, têm as

lãs, agulhas e pontos do tricô.

Fig. 37: Tricô - desenho realizado por Rita

Matheus – Porque é bem detalhado, é bem feito e mostra as lãs de tricô.

Fig. 38: Tricô - desenho realizado por Matheus

Ambas as produções demonstraram que Rita e Matheus buscaram como modelo para

os seus desenhos apenas algumas das configurações que memorizaram de uma das partes do

díptico, ou seja, novelos de lã e agulhas, desprezando a outra, com a trama dos pontos de

tricô.

Quando Rita falou que era um “trabalho mais abstrato”, ela estava querendo dizer que

era diferente das outras obras que traziam pinturas representando máquinas de costurar, ferros

de passar roupas, bules e xícaras, entre outros objetos. Embora algumas das telas mostrassem,

através das pinturas, os trançados das cestas que poderiam ser considerados “abstratos” por

esses educandos, elas representavam algo distante, que fazia parte do cotidiano de seus avós e

bisavós, enquanto a obra Tricô estava muito mais próxima deles, pois tratava-se de um tema

que fazia parte de seus cotidianos. Como a cidade de Antônio Prado está localizada numa

região do Rio Grande do Sul que tem um inverso rigoroso, é comum mães, avós ou tias

confeccionarem peças de lã para a família. Esta é uma forma carinhosa de aquecer filhos,

esposos, netos e sobrinhos com o trabalho produzido pelas próprias mãos.

Tanto Rita como Matheus já tinham observado alguém fazer tricô, assim como já

tinham usado alguma roupa ou acessório confeccionado com essa técnica, mas os demais

trabalhos representados nas pinturas, faziam parte de um “universo” muito antigo e, por isso,

distante deles. Muito dificilmente, alguém já tivesse desenhado algo parecido para eles

olharem ou copiarem. Quando as crianças solicitam que os irmãos ou outras pessoas

desenhem para elas, surgem pedidos de carros, motos, animais, casas, jogadores de futebol ou

heróis de desenhos animados. Conforme Wilson & Wilson, raramente as crianças inventam

imagens. Ainda, de acordo com os autores, não há nada de errado com o fato de elas serem

influenciadas pelos desenhos de outros ou apresentarem comportamentos de cópias, pois esses

são meios primários para que símbolos visuais sejam expandidos.

Assim, os desenhos de Rita e Matheus a partir de seus olhares atentos sobre a mostra

coletiva Universo Feminino demonstraram que eles tomaram como modelo a obra mais

próxima de seus contextos históricos e culturais. O díptico Tricô, era a única pintura que

poderia lembrar as roupas que usavam e os seus próprios desenhos ou de outros em que,

muitas vezes, apareciam personagens com mantas, luvas e toucas. A relação entre texto e

contexto, tratada por Freire (2003), apareceu ao se apropriarem do mundo que conheciam, o

que possibilitou que produzissem através dos desenhos suas “re-escritas” do lido.

2.5.5. A arte da cidade

Por muito tempo, o Brasil, como colônia de Portugal – tendo, portanto, herdado os

códigos culturais europeus –, virou as costas para o que era seu, ignorando que muito antes do

descobrimento do país os índios já produziam sua arte. As conseqüências dessa mentalidade

colonizada também se manifestaram no ensino da arte: mesmo hoje, quando tem espaço na

escola, a arte de que se fala é a erudita européia, ou, quando muito, dos artistas brasileiros

consagrados; na maioria das vezes, a arte e os artistas da cidade são negligenciados.

Contrapondo-me a essa cultura, busquei, ainda no mês de setembro de 2003, aprofundar os

laços dos educandos com a cidade e a arte local.

Primeiramente, realizei entrevistas individuais para análise de suas leituras sobre a

obra Farmácia Palombini, feita em lápis de cor, em 1989, pela artista plástica Neusa Welter

Bocchese. Após esse momento, apreciamos a imagem no grande grupo.

A seguir trago duas imagens, sendo a primeira, uma fotografia do prédio – para

mostrá-lo como ele é – e a outra, a obra pintada pela artista. É importante ressaltar que Neusa

Welter Bocchese diz que ao criar obras como o quadro Farmácia Palombini ela procura

observar cada detalhe da casa (Informação verbal)

: “Trata-se de um registro da história

daquela casa, sua arquitetura em uma outra linguagem, diferente da fotografia, e que permite

que eu me encante com as possibilidades de luzes e cores, sobrepondo várias camadas de lápis

de cor”.

Fig. 39: Farmácia Palombini

– fotografia

Fig. 40: Farmácia Palombini

– pintura

Depoimento: [ago. 2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero Galvani.

Segundo dados trazidos por Roveda (2003), a Casa Vicente Palombini,/Farmácia

tombada pelo IPHAN e construída em 1989, localiza-se na Avenida Valdomiro Bocchese,

número 439, esquina com a Rua Dr. Oswaldo Hampe, número 176. O prédio, em alvenaria,

foi mandado construir em 1930, pelo farmacêutico prático Palombini que instalou na parte

térrea a Farmácia e utilizou o andar superior como moradia para a família. Em 1967, após a

morte de Vicente Palombini, ocorrida em 1965, o imóvel e a farmácia foram adquiridos pelo

médico Mário Bocchese que deu continuidade ao negócio.

Odila Furlin

conta que o Doutor Mário

doou ainda em vida, em 1983, o imóvel para

a Mitra Diocesana de Caxias do Sul. Ela diz (Informação verbal)

: “Hoje a casa continua

sendo da Mitra que aluga a parte da frente do primeiro andar para o proprietário da Farmácia

– que está instalada no mesmo local – e os fundos para a Pastoral da Saúde de Antônio

Prado”.

Leituras e releituras da Farmácia Palombini

Apresento as leituras e releituras da obra Farmácia Palombini, de Neusa Welter

Bocchese, feitas por dois dos sujeitos pesquisados:

No livro Memória & Identidade: Antônio Prado, patrimônio histórico e artístico nacional, Roveda faz uma

reconstituição da história das casas do Conjunto Arquitetônico através de pesquisa realizada de 1996 a 2002. O

autor utiliza a norma científica ao nomear todos os imóveis pelo sobrenome precedido do prenome daqueles que

deram origem às casas, ou seja, as famílias que as construíram, mas como nesta dissertação não pretendo

aprofundar a questão histórica, uso os nomes conforme os sujeitos pesquisados se referiram a elas ou como as

edificações são conhecidas popularmente. Em 2004 foi lançada a Rota Cultural, idealizada por Roveda, então

coordenador do Projeto Memória e Secretário de Turismo da cidade. O projeto divulga as casas tombadas através

de material de apoio que inclui o livro já mencionado, uma fita de vídeo, um mapa para visitação, um Guia

sonorizado, CD explicativo e placas indicativas que estão afixadas nas fachadas de cada prédio trazendo dados

sobre eles e depoimentos de descendentes e da comunidade local que contribuíram para a reconstituição histórica

do conjunto arquitetônico e urbanístico de Antônio Prado.

O médio faleceu em 1997.

Odila Furlin é a funcionária mais antiga da Farmácia Palombini. Depoimento: [fev. 2005]. Entrevistadora:

Mara Aparecida Magero Galvani.

A seguir trago a leitura de Maria:

M - O que você pode olhar nesta imagem?

Maria - Onde tem a Farmácia?

M - Esta imagem é de uma fotografia ou de uma pintura?

Maria - Pintura em lápis de cor.

M - A pintura foi feita por quem?

Maria - Pela Neusa, a artista de Antônio Prado.

M - Como você sabe que foi ela quem pintou?

Maria - Porque eu já vi os quadros dela.

M - Você já viu essa casa na cidade de Antônio Prado?

Maria - Já.

M - O que você acha dela?

Maria - Eu acho ela bem bonita.

M - Esta pintura pode ser considerada uma obra de arte?

Maria - Sim.

M - Por quê?

Maria - Porque todo o desenho é obra de arte.

M – Você tem certeza que todos os desenhos são obras de arte?

Maria - Sim.

M - Os desenhos feitos pelas crianças também são obras de arte?

Maria - Também.

M - Por quê?

Maria - Porque elas desenham.

M - Então, todo e qualquer desenho é uma obra de arte?

Maria - Sim.

M - O que mais você pode dizer sobre a imagem da obra Farmácia Palombini?

Maria - É bonita.

Maria demonstrou um pensamento do Nível I, da classificação de Rossi, ao utilizar o

tema como critérios de julgamento da obra. O tema também é o tópico estético predominante

do Segundo Estágio da Teoria de Parsons.

Para ela, a casa, no quadro Farmácia Palombini, estava relacionada aos conceitos de

beleza e de realismo. Assim como considerava o prédio bonito, também julgou a imagem bela

porque “casa” era um tema belo. Seu pensamento ainda era concreto, pois os critérios de

julgamento utilizados por ela não estavam relacionados à expressividade da pintura, mas pelo

quadro ser realístico. O fato de ter considerado a pintura uma obra de arte porque “todo o

desenho é obra de arte”, inclusive aqueles produzidos pelas crianças, também apontou um

pensamento ainda ingênuo de Maria.

Em sua releitura, Maria manteve-se muito próxima ao texto lido. Não há um

deslocamento, isto é, uma reelaboração em relação à pintura figurativa produzida pela artista.

Ela apresentou uma das partes do prédio, desprezando assim, a perspectiva utilizada por

Neusa Welter Bocchese. Quando questionei porque havia apresentado esse ângulo da

Farmácia Palombini, respondeu que era “para diferenciar da obra da artista, porque senão ia

ficar igual”. O argumento da menina também poderia explicar, embora ela não tenha

mencionado, porque usou o laranja e o amarelo para pintar a casa, cores estas que não

existiam no prédio original e nem mesmo no quadro.

Fig. 41: Releitura da Farmácia Palombini realizada por Maria

Apresento, a seguir, a leitura de João:

M - O que você pode olhar nesta imagem?

João - É uma casa tombada.

M - Qual casa tombada?

João - A Farmácia Palombini.

M - Esta imagem pode ser considerada uma obra de arte?

João - É.

M - Por quê?

João - Porque dá pra gente ver as sombras, as coisas que eles usam.

M - Onde tem sombra?

João - Aqui (apontando para a imagem) onde tem esses claros. Essa sombra na calçada

(também apontando para a imagem).

M - Você considera esse um bom quadro?

João - Sim.

M - Por quê?

João – Porque é bonito e porque têm várias cores.

M - Que técnica foi utilizada pela artista nessa obra?

João - Lápis de cor.

M - Por que você acha que é lápis de cor?

João - Porque se fosse tinta “taria” mais grossa a tinta.

Do mesmo modo que Maria, João apresentou um pensamento de Nível I, da

classificação de Rossi e do Segundo Estágio, dos estudos de Parsons. Em sua leitura, ele não

fez distinção entre o julgamento estético e o moral, ao afirmar que era um bom quadro porque

era bonito e tinha várias cores. Suas palavras significaram dizer que era bom porque o tema

era belo e a representação realista, o que caracteriza uma leitura do Segundo Estágio.

Além de ter reconhecido a técnica utilizada, João demonstrou admiração pelo

realismo, – que é um dos critérios de julgamento dos leitores que apresentam um pensamento

do Nível I – ao falar que dava para ver as “sombras”, mesmo confundindo “as sombras” com

a luz, onde tinham os “claros”.

Em sua releitura, João fez um close do quadro Farmácia Palombini, selecionando a

parte da esquina em que aparece a sacada. Ele não se afastou do que estava fisicamente

representado na imagem, tanto é que logo acima da vitrina apareceu a inscrição Palombini.

Quando questionei porque havia apresentado esse ângulo da Farmácia Palombini em sua

releitura, ele disse: “Porque identifica mais a casa, por isso, escrevi o nome”. Tanto no prédio

original como na obra da artista estava escrito Farmácia, mas ele sentiu necessidade de deixar

claro qual era a Farmácia, ou melhor, qual era a casa, devido à sua busca pelo concreto que

também ficou evidente em sua leitura.

Fig. 42: Releitura da Farmácia Palombini realizada por João

É inegável que o desenho de Maria, que estava com 10 anos, morava no centro e que

tinha tido alguma familiaridade com imagens da arte, era mais elaborado do que o desenho de

João, que estava com 11 anos, morava em um bairro da cidade e não tinha nenhuma

familiaridade. Mas como se trata aqui de uma releitura da obra da artista, o fato é que ambos

se afastaram minimamente da imagem lida, momento em que também buscaram a concretude

do mundo. O máximo que se permitiram fazer foi um pedaço da casa apresentando-a em outro

ângulo, ou ampliando um detalhe e/ou, ainda, trocando algumas cores que não foram usadas

pela artista.

Maria representou a mesma casa, com árvores ao redor, um fundo azul, remetendo a

uma cena diurna e até mesmo a sombra de um prédio do lado apareceu em sua releitura, assim

como fez a artista em sua obra.

João representou a mesma vitrina, ou seja, um fragmento da obra da artista que foi

ampliado.

É como se, ao invés de uma releitura, tivessem feito um desenho de observação da

casa, buscando os ângulos que mais os agradaram ou que eram mais fáceis de desenhar. Essas

constatações revelaram que eles não tinham consciência de que aquela era a escolha da artista,

a sua obra, que mesmo sendo figurativa, estava impregnada por seus traços, gestos, cores,

texturas, estudos, valores, conceitos e vivências, ou seja, aquele era o seu olhar sobre a casa

colocando-a no mundo da arte. Mas como os sujeitos pesquisados ainda estavam buscando o

concreto não foi possível que em suas releituras se afastassem da imagem original, embora

como já disse, o desenho de Maria estivesse mais elaborado do que o apresentado por João.

Mesmo assim, ambos tinham ausências de amplas leituras na arte, impedindo que até mesmo

Maria, que tinha alguma familiaridade com imagens, desenvolvesse uma compreensão

estética mais avançada e, consequentemente, apresentasse uma reelaboração da obra

Farmácia Palombini.

O encontro com a artista e sua arte

Desejava não apenas propor uma reflexão sobre o quadro Farmácia Palombini, mas o

encontro com a autora. Conforme já abordei, as imagens mostradas na sala de aula são

freqüentemente reproduções de obras consagradas que estão nos tradicionais museus do

mundo – muito distantes dos estudantes da escola pública –, e que foram feitas pelos grandes

mestres. Considerando isso, procurei aproximar a arte de suas vidas, convidando Neusa

Welter Bocchese para ir até o Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral falar de seu trabalho,

processo de criação, materiais utilizados, temática e para mostrar outras de suas obras.

A presença da artista da cidade na escola talvez venha ao encontro da reflexão de Moll

(2002, p. 23), quando questiona:

O que lemos e o que lêem as pessoas que vivem em nosso entorno? Como

organizamos nosso lixo doméstico? Encontramos alternativas para o tempo livre?

Conhecemos as rotas culturais da cidade? Conhecemos nossos artistas? [grifo meu]

Como lidamos com os problemas de trânsito? Como transitam na cidade os

conhecimentos e experiências dos velhos? Que olhares e que lugares existem na

cidade para as crianças e os jovens? Tomamos decisões sobre a vida da cidade?

Opinamos sobre as propostas do governo local?

Refletimos muito pouco sobre tais aspectos com nossos educandos. O encontro com a

artista mostrou que conhecer a arte da própria cidade aproxima tal produção da vida dos

educandos. Cada um deles pôde olhar, perguntar e dialogar com Neusa Welter Bocchese e sua

obra durante duas horas no auditório do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral. Através

da pesquisa que vinha sendo desenvolvida, já conheciam as obras que estavam na Galeria do

Festival de Arte e Cultura, no Museu Municipal e na mostra coletiva Universo Feminino.

Havia lhes falado sobre as temáticas, técnicas e modo de trabalhar da artista, mas eles não

tinham tido oportunidade de um encontro com o artista e sua obra.

Primeiramente, Neusa Welter Bocchese apresentou-se como uma das artistas do

ARVI, dizendo ter sido responsável por ele durante 13 anos. Comentou, ainda, sobre a

história do atelier, seus objetivos, seus integrantes, como funcionava e quais as principais

mostras das quais o grupo tinha participado.

Depois contou que tinha nascido em 3 de setembro de 1936, em Vacaria, RS, que

concluiu o Ensino Médio como Técnica em Contabilidade e o curso superior em Educação

Física, mas embora sempre tivesse gostado de arte só pôde dedicar-se a ela mais tarde.

Segundo a artista, seu interesse também a levou, já adulta, a fazer o curso de Acordeon –

Teoria e Solfejo com Eleonor Caffi. Nas artes visuais, no entanto, afirmou que iniciou

somente aos 47 anos, após aposentar-se como professora de Educação Física. Neusa Welter

Bocchese declarou (Informação verbal)

A arte faz parte da minha vida. Sou neta e bisneta dos escultores José e Napoleone

Nodari, que produziam santos em madeira policromada para as igrejas de Antônio

Prado e região. Meu bisavó tinha feito cursos de desenho, escultura e entalhe em

Pádua, na Itália, mas eu comecei a pintar tarde por falta de professor e por trabalhar

todo o dia. Iniciei fazendo dois anos de desenho e pintura com Beatriz Ballen Susin e

depois 15 anos com Odete Garbin. Foi um mundo maravilhoso que descobri e uma

vasta janela que se abriu para muitos sonhos, pois desde pequena tive um grande

fascínio pelas cores e pela formas. Meu trabalho é figurativo e as cores que mais uso

são os tons terrosos como o amarelo, o laranja, enfim as cores quentes.

A artista disse, também, que tinha participado de mais de 30 mostras coletivas na

cidade e em outros lugares do Estado e de cinco individuais, sendo uma na Casa de Cultura,

em Caxias do Sul e as demais na Casa da Neni, Biblioteca Municipal, Prefeitura e Clube

União, em Antônio Prado.

Enquanto mostrou alguns de seus quadros, fotografias de obras, catálogos de

exposições, matérias sobre o seu trabalho divulgado na mídia, também falou da temática de

suas obras, cores, materiais e técnicas utilizadas. Sobre a temática de suas pinturas, a artista

disse (Informação Oral)

Em minha arte há flores, naturezas-mortas, casarios e seus detalhes, como os

lambrequins, portas, janelas e trancas. Quanto mais velhas são as casas mais eu gosto

de tratá-las em minhas pinturas. Elas me fascinam pela história que trazem, pela luz,

sombra e cores que possibilitam que eu trabalhe com lápis de cor sobrepondo várias

camadas. Minhas últimas criações são sobre os lambrequins, capitéis, ruas e casarios

de Antônio Prado e também a partir das tramas das sportas de palha do milho.

Trabalhei pouco com figura humana, mas estou desenvolvendo.

Quanto às técnicas, observou que gostava de pesquisar materiais e que utilizava vários,

desde o lápis 6B, conté, carvão, lápis de cor, pastel seco e oleoso, até as aquarelas, tintas a

óleo e acrílica. Segundo ela, não importa o material, mas o resultado do trabalho.

Depoimento: [set. 2003]. Encontro da artista Neusa Welter Bocchese com os educados, realizado no Colégio

Estadual Professor Ulisses Cabral.

Depoimento: [set. 2003]. Encontro da artista Neusa Welter Bocchese com os educados, realizado no Colégio

Estadual Professor Ulisses Cabral.

Neusa Welter Bocchese salientou que lia bastante para aprender sempre mais a

respeito da arte e que além de trabalhar como artista também dava aulas de Iniciação ao

desenho e à pintura para adolescentes. O entusiasmo com que falava de seu trabalho deixava

claro que a arte era a sua vida e que nesse processo de profunda busca estava “sonhando”,

conforme (Informação verbal)

declarou:

À medida que trabalho vejo que melhoro e faço arte com mais facilidade, pois é uma

área ampla e vejo quão pouco sei. Comecei tarde. Será para mim sempre um prazer e

um mundo com o qual sempre sonhei. Sei que não vou fazer tudo o que desejaria fazer

em arte, mas estou me realizando e sonhando. Também procuro incentivar meus

alunos o mais que posso, pois eles são talentosos e aplicados.

No final do encontro os educandos, impressionados por poderem olhar tantas de suas

obras no original e ouvi-la falar de sua paixão pela arte, fizeram muitas perguntas. Queriam

saber mais sobre cada obra e identificaram-se muito com o trabalho por este tratar,

plasticamente, de algo que conheciam e pelo fato da artista usar o lápis de cor em suas

pinturas da arquitetura da cidade.

Aliás, o lápis de cor é um material que acompanha as crianças na escola desde a

Educação Infantil, mas cujas possibilidades ninguém mostra. Por isso, eu vinha insistindo nas

possibilidades desse material e apresentando imagens com essa técnica, inclusive e,

principalmente, as obras de Neusa Welter Bocchese. Ela reforçou o que ninguém diz às

crianças quando essas recebem lápis de cor para desenhar, ou seja, que “devemos começar

pelas cores mais claras até as mais escuras, que podemos misturá-las e sobrepô-las, que não

precisamos fazer contornos, mas que podemos dar volume às formas através da luz e

sombra”. O encontro com a artista revelou que é possível uma educação sensível e estética,

ou, ainda, que é possível educar o olhar dos educandos para discutir arte na sala de aula,

Depoimento: [set. 2003]. Encontro da artista Neusa Welter Bocchese com os educados, realizado no Colégio

Estadual Professor Ulisses Cabral.

abrindo espaços para que a “cidade como pedagogia

” entre na escola ou a sala de aula possa

se expandir para além da escola.

A seguir, alguns dos registros de momentos da artista no Colégio e algumas das

imagens de suas obras:

Fig. 43: Neusa Welter Bocchese e sua obra Fig. 44: O encontro com os educandos

Fig. 45: A artista fala de sua arte Fig. 46: Casas tombadas pintadas pela artista

Na aula seguinte, os educandos estavam eufóricos e só falavam da artista e de seu

trabalho. Após alguns comentários, levantei quatro questões sobre o encontro com a artista e a

Elàlia Vintró (2003, p. 45) diz: Temos de passar, definitivamente, de uma “pedagogia da cidade” para a idéia

de “cidade como pedagogia”, na qual cada agente – empresas, museus, meios de comunicação, famílias,

associações, urbanistas e planejadores – assuma sua responsabilidade educativa e seja capaz de fazer seu

currículo educativo.

sua obra que deveriam ser respondidas por escrito. As respostas de Maria e João foram as

seguintes:

M - O que você achou mais interessante na palestra da artista plástica Neusa Welter

Bocchese?

Maria - O jeito como fica o quadro quando ela pinta as casas com lápis, porque aparecem

todas as cores que ela usou.

João - Eu gostei das pinturas das casas e seus detalhes usando muitas cores e dando vida

às pinturas.

M - Você já tinha tido a oportunidade de conhecer a obra de um artista através das pinturas

no original e de seu relato pessoal?

Maria - As obras sim, mas nunca tinha ouvido alguém falar.

João - Só as obras nas exposições que visitamos.

M - Como você descreveria a arte de Neusa Welter Bocchese?

Maria - Ela pinta casas, lambrequins e capelas. As casas são pintadas, na maioria das

vezes, em lápis de cor, o céu é mais escuro embaixo e vai clareando no alto. Ela faz a

pintura dos lambrequins com tinta ou pastel (referindo-se ao pastel oleoso) e sempre onde

tem sombra ela pinta idêntico.

João – Ela faz sua obra com muito cuidado e dedicação para não borrar. Seus trabalhos

são pintados com lápis de cor passando oito ou nove vezes sobre a folha e usando muitas

cores.

M - Depois do encontro com a artista e sua obra, o que mudou no seu olhar sobre a arte?

Maria – Que o artista pode escolher o que fazer. Quando ela pintou obras com os

lambrequins, ela escolheu como fazer e não como via na realidade. Muitas vezes, não

deixou os lambrequins um do lado do outro como são nas casas e sim fez uma arte

diferente, que era sua, para que as pessoas prestassem atenção na pintura.

João – Que pintar não é apertar o lápis e fazer um risco forte, é passar uma vez o lápis

fraco depois um pouco mais forte, fazendo muitas camadas.

Como já mencionei, assim como Maria e João, os demais educandos responderam que

conheciam algumas pinturas porque tinham visitado a Galeria do Festival de Arte e Cultura,

o Museu Municipal e a mostra coletiva Universo Feminino, mas afirmaram que nunca tinham

tido um encontro com um artista para ouvi-lo falar de sua obra.

Após o diálogo com Neusa Welter Bocchese, Maria passou a acreditar que o artista

poderia escolher o que fazer em sua arte, exemplificando as pinturas em que apareciam os

lambrequins e que foram mostradas na palestra. Esse é um pensamento característico dos

leitores do Nível III, que passam a acreditar na autonomia do artista para produzir sua obra.

Ao falar da palestra João valorizou o modo como a artista pintava, demonstrando

acreditar que não bastava só pintar. Ele admirou a maestria do artista em fazer a obra “com

muito cuidado e dedicação para não borrar” e em usar várias camadas de lápis de cor,

revelado um pensamento do Nível I.

O encontro com a artista possibilitou que os educandos aprofundassem seus

conhecimentos sobre arte e suas capacidades de apreciar obras de arte. Talvez agora

pudéssemos considerar que se Maria tivesse tido a oportunidade de continuar familiarizando-

se com as imagens da arte, processo iniciado numa escola particular de Educação Infantil, que

tinha seu ensino fundamentado na arte, sua compreensão estética poderia ter alcançado níveis

mais sofisticados. O fato é que ao transferir-se de instituição, ela só voltou a ter acesso a

imagens na 4ª série, mas quando lhe foi oportunizado novamente a discussão estética, através

do encontro com a artista, Maria passou a pensar em diferentes possibilidades sobre as

imagens. Seu pensamento parece que deu salto e ela, agora, atribui ao artista a

responsabilidade pela obra.

2.5.6. Lambrequins: olhando os detalhes da cidade

Em outubro de 2003, portanto, após o encontro com a artista, solicitei que os

educandos fizessem uma releitura da obra Lambrequins em Totens, de autoria de Neusa

Welter Bocchese. Antes, no entanto, propus a leitura da imagem. Como já mencionei

anteriormente neste capítulo, desejava conhecer quais os significados que atribuiriam a uma

obra tridimensional, ou seja, o que lhes dizia esta arte apresentada fora do suporte tradicional,

apesar de trazer um tema que era recorrente nas produções da artista e muito conhecido por

eles. Vale destacar que o trabalho não tinha sido mostrado pela artista em sua visita ao

Colégio.

Conversei com Neusa Welter Bocchese sobre sua obra Lambrequins em Totens e ela

disse (Informação verbal)

que ao criá-la estava interessada em pensar as formas dos

rendilhados, mas como algo que carregava uma história e ia além da decoração dos beirais das

casas antigas: “O tema é o mesmo, mas o modo de representá-lo é diferente de outros

trabalhos que fiz sobre os lambrequins. Neste caso, trata-se de um olhar contemporâneo sobre

um detalhe da arquitetura do passado que foi preservado não só pela riqueza das formas como

também por ser o testemunho de uma história e de uma cultura”.

Os lambrequins sempre estiveram presentes em sua arte, seja nas pinturas que

representavam as casas ou sozinhos, quando a mesma forma repetia-se no quadro. Esse “olhar

contemporâneo”, no entanto, permitiu à artista tirá-los das telas e colocá-los no espaço. Agora

é possível o espectador andar ao redor da obra – que ganhou status de objeto artístico – para

perceber novas relações.

Fig. 47: Lambrequins em Totens

Depoimento: [Out. 2003]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero Galvani.

Leituras de Lambrequins em Totens

Tanto Pedro como João reconheceram os lambrequins na obra e mencionaram que se

tratava de um novo suporte diferente dos quadros e telas que a artista tinha lhes mostrado.

Quando perguntei se era uma boa imagem, Pedro respondeu que sim, argumentando,

“porque é bonita e dá para ver os lambrequins”. Aqui parece que tem duas idéias: ele julgou

que era bonita, mas não disse porque e depois falou que dava para ver os lambrequins. Neste

último argumento Pedro usou o critério do realismo, pois viu e reconheceu, com realismo, os

lambrequins. No Segundo Estágio da Teoria de Parsons o tema é o tópico estético

predominante e está relacionado aos conceitos de beleza e de realismo. Segundo o autor, uma

imagem é bela porque seu tema é belo. Sobre a mesma questão João respondeu que sim,

justificando, “porque representa os lambrequins das casas de Antônio Prado”. No Nível I, os

leitores buscam o tema através do real, do mundo física e concretamente representado na

obra.

Ao responderem por que as casas tombadas tinham lambrequins, eles usaram palavras,

como por exemplo, “para ficar mais enfeitadas” ou “mais bonitas”. Se os lambrequins

deixavam esses prédios mais bonitos, segundo eles, os demais imóveis também “poderiam”

ou “deveriam” ter. Tais afirmações demonstraram que Pedro e João não tinham consciência

de que os lambrequins faziam parte da arquitetura das casas tombadas porque estas foram

construídas no final do século XIX e início do século XX pelos imigrantes italianos. Para eles,

os lambrequins eram “enfeites” que conheciam e gostavam, mas não representava nada “além

disso”. Como não consideravam o significado histórico e cultural deste importante detalhe da

arquitetura em madeira também acreditavam que os lambrequins poderiam ser adaptados a

todos os prédios, mesmo aqueles que ainda seriam construídos.

As entrevistas com Pedro, 11 anos, morador do centro da cidade e que tinha alguma

familiaridade com imagens, e com João, 11 anos, morador de um bairro não-central e que não

tinha familiaridade com imagens, revelaram um pensamento ainda concreto a respeito da

imagem Lambrequins em Totens e uma concepção ingênua sobre os lambrequins das casas

tombadas da cidade. Como já mencionei, esses leitores apresentaram um pensamento do

Nível I, da classificação de Rossi, pois o ponto de partida de suas interpretações foi o mundo

fisicamente representado na imagem, ou seja, os lambrequins. Revelaram, também, idéias do

Segundo Estágio, da Teoria de Parsons, ao julgarem a imagem em função do tema belo.

A análise das respostas de Pedro e João apontou, mais uma vez, nesta dissertação, que

o fato de Pedro ter tido alguma familiaridade com a imagem, na 4ª série, não garantiu a ele

uma compreensão estética mais ampla do que a de João que não tinha. Se pesquisas mostram

que o processo da alfabetização escrita continua além da 1ª série, é importante considerar que

a criança precisa ser alfabetizada visualmente desde pequena para que possa, nas séries finais

do Ensino Fundamental, estar efetivamente familiarizada com as imagens.

Antes da realização das releituras pensei que seria pertinente caminhar com os

educandos pela cidade para apreciarem a arquitetura, ou melhor, os detalhes da arquitetura de

cada um dos prédios tombados. Caminhando pela Praça Garibaldi, requisitei que observassem

os lambrequins das casas para que pudessem desenhar um deles. Em seguida, sugeri que

recortassem o desenho para perceberem as formas que surgiam e que seus vazados também

possibilitavam novas formas. Cada um poderia sobrepor essas formas livremente sobre folha

de papel ou criar outras, utilizando lápis de cor, têmpera, colagem ou material que julgassem

ser mais adequado para fazer suas composições a partir de um detalhe da arquitetura da

cidade, os lambrequins, presentes na obra de Neusa Welter Bocchese, como haviam

observado na visita dela ao Colégio.

Fig. 48: Série Lambrequins – pintura

Fig. 49: Série Lambrequins - pintura

A brincadeira com as formas propôs um exercício do olhar antes das releituras. Como

um jogo de quebra cabeças, era preciso olhar o todo para enxergar o detalhe, e então

selecionar uma parte da arquitetura das casas para que pudessem descobrir outros olhares,

novos lambrequins.

Releituras de lambrequins

Em sua releitura da obra Lambrequins em Totens, Pedro representou quatro formas de

lambrequins sobrepondo as três menores sobre a maior. Na obra da artista estão representados

diferentes lambrequins através de pintura em acrílico sobre quatro tubos de PVC em tamanhos

também diferentes. O mais interessante é que Pedro apresentou, em tamanho maior e

centralizado na folha, o lambrequim que aparece em várias obras da artista, como também em

um dos Totens, conservando as cores azul, vermelho, marrom e verde da obra lida. Ele, ainda

tentou manter a mesma forma em dois dos lambrequins menores que estão sobre o maior.

Fig. 50: Releitura de Lambrequins em Totens realizada por Pedro

João escolheu apenas a forma que estava pintada em azul em um dos Totens. Embora

tenha reconhecido, em sua leitura, que se tratava de um suporte diferente, o qual afirmou que

eram “objetos”, em sua releitura, trabalhou o lambrequim em lápis de cor sobre papel, ora

preenchendo com cor o espaço dentro da forma, ora apenas contornado ao redor. Ele repetiu a

mesma forma várias vezes na folha, sobrepondo-a sobre as outras. Esse é um jogo que nunca

era utilizado pela artista, muito menos em Lambrequins em Totens. Em outras obras da série

Lambrequins, Neusa Welter Bocchese repete as formas dos lambrequins, sobrepõe as cores,

recurso utilizado por João, mas nunca sobrepõe as formas. A referência à obra da artista

também ficou por conta do lambrequim escolhido e das cores como o azul, o marrom, o

vermelho e o verde.

Fig. 51: Releitura de Lambrequins em Totens realizada por João

Apesar de Pedro ter apresentado em sua releitura um desenho mais elaborado e

definido, ambos repetiram a mesma forma e buscaram um fragmento da imagem lida,

tentando reproduzi-lo, quando poderiam ter reelaborado suas releituras, criando outros

“lambrequins”, entre tantos possíveis. Portanto, as releituras de Pedro e João revelaram suas

leituras, pois ambos os meninos escolheram aquela forma que estava pintada em um dos

Totens e que aparecia em outras obras da artista. Ao tentar representar o lambrequim que era o

mais freqüente na obra, eles permaneceram relacionando o tema ao mundo físico e concreto.

Como esta parte da pesquisa aborda um importante detalhe da cidade, considerei

pertinente trazer mais uma vez, nesta dissertação, a discussão de Farias. Ao comentar alguns

trabalhos artísticos e sua relação com os espaços públicos, o autor menciona como exemplo o

filme Smoke (Cortina de Fumaça), de Paul Auster, interpretado por Harvey Keitel que faz o

papel de Auggie Wren. Ele fala da relação da arte com o cotidiano da cidade, chamando

atenção para olhar o detalhe. Farias

, diz:

Um detalhe no filme me interessou em particular, por essa relação da arte com o

cotidiano da cidade. O Auggie é gerente de uma tabacaria que fica numa esquina do

Brooklyn, em Nova York, e que tem entre seu público consumidor um escritor,

interpretado por William Hurt. O escritor fica amigo do Auggie, se aproxima dele, até

que um dia eles estão na casa do Auggie e ele resolve mostrar o trabalho fotográfico

que realiza. É muito interessante essa passagem porque o trabalho consiste no

seguinte: todo o dia, às 8 horas da manhã, há muitos anos, ele coloca a câmera

fotográfica exatamente no mesmo lugar, na mesma posição, e bate uma foto. William

Hurt fica olhando o livro de fotografias, diz que está achando interessante, e vai

virando, virando, virando as páginas. Então o Auggie diz: "Mais devagar, você não

está olhando". E o escritor responde: "Mas é tudo igual". E o fotógrafo insiste: "Não.

Não é tudo igual, olhe com atenção". Só então o escritor observa as nuances, à medida

que vai desacelerando o olho e começando a perceber luzes diferentes, nas diferentes

épocas do ano. Ele vai vendo as pessoas, até que vê a própria mulher que foi

assassinada. Aquilo é surpreendente e ele não se controla e começa a chorar. Esse

momento é muito tocante, muito forte essa surpresa de que aquilo que interessa é o

detalhe, desde que você esteja atento.

O comentário de Farias nos faz refletir, justamente sobre o fato de estar atento ao

detalhe, por isso, olhar o detalhe é mais do que simplesmente ver. É preciso dirigir o olhar,

selecionar e concentrar o foco para poder realmente enxergar. De acordo com este trabalho, é

preciso prestar atenção no detalhe para olhar a cidade e a arte. Por isso, antes da releitura e

após a leitura, caminhar pela cidade possibilitou aos educandos um olhar atento e demorado

no detalhe, muitas vezes despercebido, quando vemos o todo apressadamente em meio às

atividades do cotidiano.

<www.artenaescola.org.br>

2.5.7. Olhar as casas da cidade

Depois de os educandos olharem as obras com lambrequins e casarios de Antônio

Prado, produzidos por Neusa Welter Bocchese e de irem até a Praça Garibaldi para olharem

os detalhes da arquitetura, convidei-os a olharem novamente o todo. Então, no mesmo mês,

voltamos à cidade para que olhassem cada prédio tombado localizado nas ruas Luiza

Bocchese e Francisco Marcantônio, duas das vias que contornam a Praça Garibaldi. Após

dialogarmos sobre o que estavam olhando, solicitei que desenhassem uma das casas a seu

modo, utilizando lápis de cor (ou seja, o material usado pela artista nas obras de mesmo

tema). O objetivo do trabalho era conhecer até que ponto estariam desenhando a partir de suas

percepções do objeto ou buscando as configurações memorizadas das casas representadas por

Neusa Welter Bocchese.

Pedro, 11 anos, que tinha alguma familiaridade com imagens da arte e morava no

centro da cidade, e Joana, 10 anos, que não tinha familiaridade com imagens da arte e morava

num bairro não-central, escolheram, entre tantas possibilidades, duas das casas representadas

na obra da artista. Pedro desenhou a Casa Antônio Mengatto, (popularmente chamada de

Secretaria Municipal de Turismo); Joana, a Casa Antônio Bocchese (conhecida como Casa da

Neni)

. Cabe reforçar que antes de levar a artista para o Colégio Estadual Professor Ulisses

Cabral eu havia mostrado para os educandos as imagens de suas obras, sendo duas delas as

pinturas das referidas casas.

Apresento, em seguida, as fotografias das casas – para mostrar como são – juntamente

com as imagens das obras da artista:

Conforme já mencionei neste capítulo, Roveda (2003) utiliza a norma científica ao nomear todas as casas pelo

sobrenome precedido do prenome daquelas famílias que as construíram, mas nesta dissertação uso os nomes

conforme os sujeitos pesquisados se referiram a elas ou como são conhecidas popularmente.

Fig. 52: Secretaria Municipal de Turismo

– fotografia Fig. 53: Secretaria Municipal de Turismo – pintura

A Casa Antônio Mengatto, (Secretaria Municipal de Turismo) tombada pelo IPHAN e

construída em alvenaria na frente e madeira nos fundos, de 1896, localiza-se na Rua Luiza

Bocchese, número 68, defronte a Praça Garibaldi. Segundo Roveda (2003, p. 385): “Em 1906,

Pelegrino adquiriu de Antônio Mengatto o lote de número 9, da quadra 38 [...]. Pelegrino, no

entanto, não utilizou a casa para moradia, pois a família vivia na casa ao lado. Ao longo do

tempo alugou-a para diversos inquilinos, os quais destinaram as dependências do prédio para

várias funções”. Entre elas, o autor destaca que a edificação já serviu de residência, grupo

escolar, hotel, sede de banco, loja de roupas e calçados, consultório dentário, salão de beleza,

Secretaria de Educação e Biblioteca Municipal. A casa também transformou-se numa

alfaiataria durante as gravações do filme O Quatrilho, rodado na cidade, em 1995.

Em 1961, Zilba Maria Empinotti Grazziotin passou a morar na casa com sua mãe,

Anna Maria Empinotti. Zilba declara (Informação verbal)

Sou a filha caçula entre 15 irmãos e depois da morte de meu pai eu e minha mãe

viemos morar nesta casa. A minha mãe faleceu em 1963 e eu continuei morando aqui.

Adoro morar nesta casa e nesta rua. Conheço todo mundo e ainda tenho o privilégio

de morar em frente à praça onde eu posso sentar nos bancos, conversar com as pessoas

e caminhar. Eu continuo ocupando os fundos e a parte superior do prédio como

residência, mas a parte da frente continua alugada para a Prefeitura Municipal, que

colocou ali a Secretaria de Turismo.

Zilba Maria Empinotti Grazziotin é proprietária do imóvel desde 8 de outubro de 1973. Depoimento: [fev.

2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero Galvani.

Fig. 54: Casa da Neni

– fotografia Fig. 55: Casa da Neni – pintura

A Casa Antônio Bocchese (Casa da Neni) localiza-se na Rua Luiza Bocchese, número

34, também defronte à Praça Garibaldi e apresenta um rico trabalho em serra-fita,

principalmente os lambrequins.

De acordo como Roveda, Antônio Bocchese adquiriu, em 1909, um terreno com um

imóvel em alvenaria e, em 1910, mandou construir uma casa de madeira com dois pisos,

utilizando a sala da frente da parte térrea como ourivesaria. Depois de seu falecimento, em

1919, o prédio passou a ser de propriedade de sua esposa, Maria Marin Bocchese e de seus

filhos. Na partilha dos bens da família, a filha Joana Magdalena Bocchese, conhecida por

todos como Neni, emprestou seu apelido à casa e conservou nela, por muitos anos, uma loja

de comércio de objetos variados, entre os quais artigos religiosos. Roveda (2003, p. 364)

comenta sobre a importância histórica da primeira edificação tombada na cidade:

Joana Magdalena Bocchese faleceu em 1981. Em 1983, Valdomiro Bocchese

Participações Societárias Ltda. adquiriu a casa e a restaurou completamente, mantendo

no local um comércio de artesanato, onde pode ser encontrada e adquirida uma rica

variedade de trabalhos da região. Em 1985, foi registrado no Livro Tombo de Belas

Artes como Patrimônio Histórico e Artístico Nacional e, em 1986, foi usada como

símbolo nas comemorações do Centenário da Colonização Italiana em Antônio Prado.

Além de sempre ter sido usada como ponto comercial, a Casa da Neni serviu de

residência, espaço cultural, cenário para o filme O Quatrilho e, conforme já mencionei no

início desta dissertação, lá também funcionou, por mais de dez anos, o Atelier de Artes

Visuais de Antônio Prado (ARVI). Desde 2004, a casa pertence à Lúcia Helena Zanella e sua

filha Sofia Zanella Carra, que mantém no primeiro andar a loja de artesanato com artigos em

crochê, tricô, macramê e produtos coloniais produzidos na cidade e no segundo andar um

espaço para mostras culturais.

Desenhos das casas

Pedro desenhou a Secretaria Municipal de Turismo, representando apenas a frente da

casa, para facilitar a construção de um objeto tridimensional no plano bidimensional. O

desenho está “carregado” de convenções gráficas de nossa cultura visual, começando pelos

contornos em preto, inclusive nas janelas e nas portas, que têm uma cor clara tanto no prédio

original como na obra pintada pela artista Neusa Welter Bocchese. As convenções gráficas

também podem ser observadas no grande coqueiro com tronco marrom, copa verde e com três

cocos pendurados, nas linhas azuis que representam os reflexos dos vidros das janelas e da

porta e nos círculos vermelhos e amarelos que representam as flores que enfeitam os beirais

das janelas.

Ao desenhar a porta e o telhado da casa, Pedro inventou uma solução que lhe era

possível naquele momento: tanto no prédio como na obra da artista a porta não é toda de vidro

e o telhado não aparece nesta perspectiva para quem olha a casa de frente. O provável é que o

menino tenha sido influenciado muito mais pela obra de Neusa Welter Bocchese do que pelo

objeto na realidade, pois, entre tantas casas que poderia ter escolhido representar, ele optou

por desenhar uma que já tinha sido tema das pinturas da artista e a qual memorizou das

imagens que tinha olhado na sala de aula quando as mostrei.

Fig. 56: Desenho da casa onde está instalada a Secretaria Municipal de Turismo, realizado por Pedro

Conversei com Pedro sobre o seu desenho, e os argumentos apresentados por ele para

a escolha da casa que representou não me pareceram muito convincentes, pois, na Rua

Francisco Marcantônio, a qual os educandos também puderam olhar, a maioria das

edificações é em alvenaria. Pode-se pensar que sua escolha deveu-se ao fato de a casa ser

menos rica em detalhes e, por isso, mais fácil de desenhar:

M - Quando solicitei que desenhassem uma das casas do Centro Histórico, qual você

desenhou?

Pedro - A Secretaria de Turismo.

M - Por que escolheu esta casa?

Pedro - Porque é bonita e diferente das outras.

M - O que difere esta casa das outras que também são tombadas?

Pedro - As outras são de madeira e essa é de tijolos.

Assim como Pedro, Joana desenhou a Casa da Neni de frente. Não se pode ignorar que

a obra da artista serviu como modelo para a produção de seu desenho. O “empréstimo” que

fez do céu foi o mais acentuado, pois ela pintou o fundo de azul, clareando o alto e deixando

algumas partes brancas para representar as nuvens. Ao desenhar uma árvore – na obra da

artista apareciam mais árvores dos lados da casa –, Joana, representou um “pinheiro”,

conforme suas palavras, com o tronco marrom e a copa verde, mas já misturando tons de

amarelo ao verde, recurso utilizado pela artista que sobrepunha várias camadas de cores em

suas obras. Do mesmo modo, continuou sendo uma árvore com certo grau de estereotipia,

assim como fez quando solicitei a ela que desenhasse uma árvore antes e após a trilha

ecológica e a leitura de imagens das obras de Van Gogh e Mondrian, conforme já analisei

nesta dissertação. Outro recurso que buscou na obra da artista foi o modo como pintou os

vidros, que apesar de muito azuis (nos desenhos das crianças os vidros sempre aprecem nessa

cor), já não eram cheios de linhas representando os reflexos, como no desenho de Pedro. Mas

quando Joana desenhou a floreira na sacada do segundo andar e as roupas da vitrina, ela

estava representando, à sua maneira, o que estava olhando no mundo concreto.

Pode-se concluir que ela “emprestou” da obra de Neusa Welter Bocchese o que

memorizou da imagem quando a mostrei antes da visita da artista ao Colégio, procurando,

ainda, suas próprias soluções através de configurações que eram disponíveis naquele

momento, como nos casos da sacada, dos lambrequins e da proteção da vitrina.

Fig. 57: Desenho da Casa da Neni, realizado por Joana

Conversei com Joana sobre o seu desenho e ela argumentou que escolheu representar a

Casa da Neni porque a casa tem história e é importante para a cidade. Ela também a

considerava “bem-interessante e cheia de detalhes”. Os mesmos detalhes que chamaram sua

atenção não a impediram que representasse o prédio, modificando-o de acordo com suas

condições gráficas disponíveis. Joana ressaltou que: “Nas janelas têm um detalhe, os detalhes

com ferro são mais desenhados. Os detalhes dos lambrequins são mais bonitos, os detalhes da

janela também. As janelas são arredondadas e das outras, não”.

Embora nos desenhos de Pedro e Joana ainda seja clara a presença de convenções

gráficas de nossa cultura visual, também foi possível observar que buscaram nas obras de

Neusa Welter Bocchese soluções para seus próprios desenhos.

As colocações de Wilson & Wilson (1997, p. 66) talvez expliquem porque tanto o

menino quanto a menina foram influenciados na produção de seus desenhos pela obra da

artista. De acordo com eles:

As configurações memorizadas que nos servem melhor quando caminhamos por um

dos nossos programas de desenho são aquelas percebidas das nossas percepções

prévias de outros desenhos. Por quê? Simplesmente porque elas tinham sido

traduzidas para configurações bidimensionais de linhas e formas. Estes signos

configuracionais anamórficos [grifo dos autores] (de complexidade progressiva) são

sempre mais simples [grifo dos autores] e abstratos do que os objetos

fenomenológicos com os quais eles se relacionam. As configurações gráficas são

imobilizadas no tempo e no espaço [grifo dos autores]; elas são vistas de único ponto

de observação e mantêm-se numa única posição. São essas características que

garantem uma rememoração mais fácil da percepção de objetos reais. Quando

desenhamos, tendemos a lembrar a mais vívida e a mais preferida dessas

configurações mentais armazenadas – configurações estas que exigem pouca

transformação mental adicional antes de serem colocadas como desenhos.

Neste sentido, os desenhos de Pedro e Joana comprovaram os estudos de Wilson &

Wilson, que afirmam que as crianças aprendem a desenhar muito mais pela imitação do que a

partir da observação de objetos reais.

Assim, é pertinente repetir que a escola, ao mostrar a maior quantidade de imagens de

qualidade desde a Educação Infantil, não estará impedindo a criatividade das crianças, como

pregavam as ideologias modernistas defendendo a livre-expressão. De acordo com Cox (2001,

184), muitos pais e professores ainda compreendem a criatividade como o deixar a criança

livre para encontrar o seu próprio caminho, por isso acreditam que devam apenas incentivar e

não oferecer assistência direta no processo de desenho. A pesquisadora questiona esta postura,

dizendo:

Na arte de escrever ou na música, ninguém espera que a criança tenha uma explosão

de criatividade sem antes passar pelo laborioso processo de dominar as técnicas

básicas, o que quase sempre implica copiar o que o professor fizer, seja ao tocar um

determinado acorde ou ao escrever corretamente a letra b. Na verdade, há geralmente

um pouco de cópia em quase tudo o que precisamos aprender. Não é natural,

portanto, que se espere que na arte as crianças se desenvolvam sem ajuda [grifo

meu].

Os educadores precisam estar conscientes dessas implicações, para que as imagens da

arte entrem cada vez mais na sala de aula e para que a criança possa olhar o modo como os

artistas fazem suas obras. Assim, a escola poderá oferecer subsídios à criança em suas

produções, contribuindo para que ela amplie seu repertório gráfico, apresentando não só

desenhos visualmente mais ricos como também leituras mais sofisticadas.

2.5.8. Desenhando uma cidade

Como já mencionei no capítulo 1 desta pesquisa, o professor de História da Educação

da Universidade de Barcelona, Jaume Bernet (1997), diz que as cidades em si mesmas

educam, apontando três dimensões entre a educação e a cidade. Segundo ele, podemos

aprender na cidade, através de seus espaços formais; da cidade, tendo o meio urbano como

agente educador; por fim, aprender a cidade, ou seja, discutir a relação entre as pessoas e a

cidade.

Considerando as idéias discutidas pelo autor e, principalmente, buscando propor não

apenas um olhar sensível e estético sobre a cidade e a arte, mas um olhar crítico, desejei

conhecer como seria a cidade em que os sujeitos pesquisados gostariam de viver e,

posteriormente, o que eles pensavam da cidade em que vivem.

Nesse sentido, voltei ao Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral e iniciei a segunda

etapa da proposta de trabalho para a coleta de dados, em julho de 2004.

Solicitei que desenhassem Uma cidade e falassem sobre ela, para que eu pudesse

conhecer como seria a cidade sonhada no olhar desses estudantes. Gostaria, no entanto, de

esclarecer que neste caso, os desenhos não foram analisados na perspectiva de Cox e de

Wilson & Wilson, como os anteriores, nos quais busquei verificar as influências das fontes

externas em suas produções, mas a partir de algumas idéias de Freitag, acerca da utopia

urbana; de Duarte Jr., que discute a relação dos corpos humanos com os espaços das cidades;

e de Freire, que afirma que aprender a ler é, antes de mais nada, aprender a ler o mundo e

compreender o contexto.

Conforme o desenho de Pedro sobre Uma cidade e a entrevista a respeito de sua

produção, a cidade ideal seria aquela bem-assistida pelo “poder político”, que, entre outras

coisas, cuidaria da segurança. Já para Matheus, Uma cidade teria que oferecer diversão, sendo

o shopping center a solução para esta questão. O interessante é que ambos, apesar das críticas,

colocaram Antônio Prado em seus desenhos, ao invés de qualquer outra cidade, e falaram do

tombamento e da importância em viver em Uma cidade que ainda era “tranqüila”.

Cidade e poder

Ao desenhar Uma cidade, ou seja, a cidade sonhada, Pedro disse que fez a Prefeitura

Municipal de Antônio Prado porque “é a sede do poder político que representa a cidade”. O

menino também argumentou que todas as cidades têm prefeituras.

Fig. 58: Prefeitura Municipal – fotografia

De acordo com Roveda (2003), a Casa Vitório Faccioli/Intendência e Prefeitura,

localizada na Rua Francisco Marcantônio, número 57 e tombada pelo IPHAN, foi construída

por Vitório Faccioli para uso comercial e moradia, entre 1896 e 1900. A “mansão” – como a

intitularam na época -, no entanto, nunca foi usada por ele ou pela família, por ser considerada

uma obra muito luxuosa. Em 12 de dezembro de 1921, Vitório Faccioli vendeu o referido

prédio de alvenaria de dois pisos para o município de Antônio Prado, representado pelo

Intendente Coronel Inocêncio de Mattos Miller.

Hoje, a casa, que já passou por várias reformas, é ocupada pela Prefeitura Municipal,

na área frontal e pela Câmara de Vereadores, no andar superior.

Fig. 59: Desenho de Uma cidade, realizado por Pedro

Na entrevista sobre o seu desenho, Pedro demonstrou acreditar na Prefeitura como um

símbolo de poder na cidade.

Ao falar da cidade de seus sonhos, afirmou que seria Antônio Prado, porque é onde

nasceu, mora e gosta de viver, além de ainda ser tranqüila. Também acrescentou que a achava

bonita porque tem “casas tombadas e mato

”, demonstrando preocupação com a preservação

do Patrimônio Histórico. Mas a cidade sonhada e idealizada não era tão perfeita assim: tinha

problemas de segurança, considerou Pedro, embora a julgasse “calma”, também atribuindo ao

poder público municipal falta de policiamento quando na verdade, este é um dever do Estado.

A fala mais reveladora, no entanto, foi quando perguntei se Antônio Prado, sendo a sua cidade

sonhada, possibilitava que as pessoas morassem, caminhassem e conversassem nela. A

resposta do menino veio ao encontro das discussões sobre a “crise da modernidade tardia”,

levantadas por Duarte Jr. (2003), crise esta que acomete o nosso modo de viver

principalmente nos grandes centros, mas que não deixa de afetar, até mesmo, pequenas

cidades como Antônio Prado. Embora Pedro também tenha mencionado a importância do

tombamento, ele não deixou de fazer uma leitura minimamente crítica – embora não

suficientemente convincente, – desta sociedade:

M – Se Antônio Prado é a sua cidade sonhada, ela possibilita que as pessoas morem,

caminhem e conversem nela?

Pedro - Acho que algumas pessoas podem morar, caminhar e conversar se elas têm

dinheiro e se tem bastante policiamento de noite.

Pedro disse que Antônio Prado era a cidade sonhada e a Prefeitura Municipal (uma das

edificações tombadas pelo IPHAN) a representava, no entanto, nem todas as pessoas podiam

morar nesta cidade, a não ser aquelas que tivessem dinheiro. As casas tombadas, construídas

no final do século XIX e início do século XX pelos imigrantes italianos que colonizaram a

região Nordeste do Estado do Rio Grande do Sul, estão localizadas nas principais ruas do

centro da cidade e, na grande maioria, foram os descendentes dessas famílias tradicionais que

herdaram esses patrimônios. Mas a resposta do menino demonstrou que, talvez nos bairros, a

questão da moradia não estava tão bem-resolvida como aparentava o centro da cidade.

A cidade ainda é cercada pela mata verdejante.

Quanto à questão do policiamento, Pedro apresentou uma concepção típica do senso

comum: para ele, um maior número de policiais é que solucionaria o problema, quando

sabemos que esta medida pode atacar as conseqüências, mas não resolve as causas da

violência. Então para ele, até mesmo em Uma cidade que ainda julgava ser “calma e

tranqüila”, só seria possível que as pessoas conversassem e caminhassem nela se tivesse

“policiamento à noite”.

Nenhuma cidade está imune aos problemas sociais que geram desemprego, más

condições ou falta de moradia e violência. Resguardadas as devidas proporções, Antônio

Prado não foge à regra.

Cidade e lazer

Já o desenho de Matheus revelou que mesmo que ele sonhasse com Uma cidade

grande, as casas tombadas estariam lá. Algumas características dos prédios tombados

apareceram na casa representada pelo menino, como por exemplo, nos detalhes nas pontas do

telhado que lembravam a Casa da Neni; na sacada no estilo da Farmácia Palombini e nas

janelas e portas com desenhos de verga-reta e arco-pleno pintadas em azul que remetiam a

Casa Pietro Antônio Giuseppe Grazziotin – Tóni.

Fig. 60: Casa Pietro Antônio Giuseppe Grazziotin

Segundo Roveda (2003), a edificação em madeira, com dois pisos, localizada na

Avenida Valdomiro Bocchese, número 912, foi construída entre 1910 e 1920, por Pietro

Antônio Giuseppe, conhecido popularmente como Tóni. A parte térrea abrigou os negócios da

família, entre eles, um comércio que vendia desde comida até tecidos, as tradicionais “casas

de secos e molhados”, além de uma ourivesaria e uma agência lotérica do Estado. Ao lado do

prédio, na Rua Adylles Ampessan, também foi construído um “puxado” de madeira onde foi

instalada a cozinha, sendo que a parte superior estava reservada aos quartos. Atualmente, as

salas da parte térrea da casa são utilizadas para comércio e para prestação de serviços; as

demais dependências, ocupadas como residência. O prédio também foi um dos imóveis

tombados pelo IPHAN que recebeu pintura nova através do projeto Colorir o Patrimônio,

coordenado por Roveda.

Fig. 61: Desenho de Uma cidade, realizado por Matheus

Na entrevista sobre seu desenho, Matheus revelou que para ele a cidade ideal seria

aquela que pudesse oferecer todas as possibilidades de uma cidade grande como São Paulo,

mas onde ainda não tivesse chegado a violência.

Quando perguntei por que representou em seu desenho uma casa que lembrava os

prédios tombados de Antônio Prado, o menino respondeu que tinha procurado desenhar uma

cidade parecida, mas moderna, com coisas diferentes como o shopping

, sem esquecer das

casas tombadas.

Matheus também afirmou que ao pensar em Uma cidade, lembrava de Antônio Prado,

mas, apesar de ser a sua cidade sonhada por um lado, por outro, não a considerava ideal,

criticando a falta, além do shopping, de um cinema. Com isto, segundo ele, a praça era o

único lugar para encontrar amigos. É oportuno aqui abordar que realmente sua geração não

conheceu o cinema de Antônio Prado, uma das grandes atrações e espaços de interação social

da cidade. Os moradores mais antigos contam que se encontravam na Praça Garibaldi, iam à

Nesta época o shopping local já estava sendo construído, mas ainda não está pronto.

missa e, na saída, mais uma vez, encontravam os amigos no cinema. Lembro que, na minha

adolescência, íamos ao cinema todos os domingos.

Roveda resgata a história do cinema, dizendo (Informação verbal)

Em Antônio Prado, a história do cinema começa com o cinema mudo no Clube União,

lá pela década de 1910. Um dos operadores era Calvino Palombini, filho de Vicente

Palombini, que operou no cinema na década de 1930. Para fazer concorrência com o

Clube União, surgiu o Clube Gaúcho, que eram os rivais lá de Vacaria. Mais tarde, em

1942, a família Bocchese abriu o Cine Rex e o Bar Rex. Depois, o Cine Rex virou o

Cine Nordeste, que o Valdomiro Bocchese manteve por muitos anos. Mais tarde, o

cinema fechou, depois reabriu, voltando a fechar, definitivamente, na década de 1980.

O Valdomiro Bocchese da Cunha (neto de Valdomiro Bocchese) ofereceu o prédio

com todos os equipamentos à Prefeitura, mas como a mesma não comprou, Valdomiro

doou para o Clube União as poltronas que estão no auditório. Esta foi uma enorme

perda para a cultura pradense, pois o cinema teve grande influência na vida cultural

dos pradenses. Nossos pais e avós participavam do cinema, como nós por um longo

tempo também participamos. Tinha gente aqui de Antônio Prado que tinha o nome na

cadeira e se alguém sentava lá... Já viu!

Embora Matheus também tivesse mencionado a importância do tombamento, em seu

desenho, ele demonstrou falta de conhecimento sobre o assunto ao considerar que Antônio

Prado não “ia muito para frente” porque valorizava bastante as casas tombadas. Ora, o que

ocorreu foi justamente o contrário: segundo Roveda (2003), por força do isolamento e de

outros fatos históricos, Antônio Prado manteve intacto o antigo casario de madeira, advindo,

com isso, a bem da verdade, uma preservação involuntária de seu núcleo arquitetônico.

Entre os fatores históricos determinantes neste contexto de obstaculização do

desenvolvimento da cidade, destaca-se a conclusão, somente em 1968, da ponte sobre o Rio

das Antas entre Antônio Prado e Flores da Cunha, ligando-a à capital do Estado. Os mais de

sessenta anos de espera significaram um retrocesso para a cidade, que, nas primeiras décadas

do século XX, contava com intenso comércio, indústrias, hotéis e pousadas, por conta da

Estrada Júlio de Castilhos, inaugurada em 1902, e que passava pelo centro de Antônio Prado.

Depoimento: [ago. 2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero Galvani.

Então, se a cidade “não foi muito para frente”, não foi pelo fato de as casas serem

valorizadas, mas por fatores históricos e políticos que ocasionaram o seu isolamento por

muito tempo. A idéia de Matheus sobre o tombamento era compreensível, porque mesmo que

grande parte dos moradores sentisse orgulho da cidade, alguns ainda continuavam olhando

para os prédios como “um monte de casas velhas”, sem considerar o valor histórico e cultural

desses bens. Essas opiniões eram ainda mais acirradas na época em que aconteceu o

tombamento, principalmente pela forma com que o processo ocorreu, sem a consulta popular,

considerada pelo órgão que o decretou a única maneira de preservar os prédios da demolição

apressada por parte dos proprietários. Lembro-me que as pessoas comentavam muito o

assunto, em especial os donos das casas, que, em sua grande parte, sentiram-se sem

autonomia sobre os imóveis.

Ao abordar as origens de tal processo, Roveda diz que os estudos de tombamento do

conjunto arquitetônico no centro de Antônio Prado atingiram maior relevância no ano de

1986, quando foi realizado, na cidade, o Seminário de Arquitetura Popular Brasileira, cujo

tema era “As produções das correntes imigratórias européias tardias”, coordenado pela

professora e pesquisadora da UCS Cleodes Maria Piazza Julio Ribeiro. Na ocasião, os

participantes elaboraram a Carta de Antônio Prado, que defendia a preservação e a

valorização do acervo cultural produzido pela colonização italiana. Posteriormente, em 1987,

iniciou-se o processo para tombamento provisório do Conjunto Arquitetônico e Urbanístico

da cidade de Antônio Prado, homologado em 1989, através da Portaria número 189/89.

Roveda (2003, p. 63-64), ressalva:

É necessário considerar que a influência para o tombamento deveu-se, sobretudo sob

um olhar que enxergava com outros olhos as construções, atribuindo-lhes significado

histórico e cultural. Neste caso específico, o olhar dos estudantes, dos técnicos, dos

historiadores, dos preservacionistas e dos visitantes que atribuíam valor à produção

cultural popular dos imigrantes europeus em terras brasileiras.

Embora as crianças e adolescentes, que conviviam com o tombamento desde que

nasceram ainda fizessem alguma confusão ao emitirem suas opiniões sobre as casas

tombadas, elas também tinham opiniões menos radicais do que uma parcela das antigas

gerações, que ainda afirmavam que as casas deveriam ter sido desmanchadas. Matheus, por

exemplo, considerava importante preservar a história através das casas, mas achava que

deveriam ser feitas “coisas novas”:

M - Que cidade é esta?

Matheus - Seria uma cidade grande, com prédios altos e com interfone. Teria faixa de

segurança e as pessoas caminhando na rua. Poderia ser São Paulo, mas com as pessoas

convivendo bem, sem violência, o que não acontece nas cidades grandes. Meu desenho

mostra o dia-a-dia das pessoas e a convivência entre elas, mas uma convivência sem

violência, como em Antônio Prado.

M - Antônio Prado não é uma cidade moderna porque ainda não tem um shopping?

Matheus - Porque valoriza bastante as casas tombadas e, por isso, Antônio Prado não vai

muito pra frente. Teria que valorizar as casas, mas fazer coisas novas. O shopping

resolveria um pouco os problemas da cidade. No fim de semana daria para ir lá ver as

coisas, ir no cinema, nas lojas. Teria bastante coisas para fazer. Seria como eu gostaria que

fosse Antônio Prado, com o tombamento e com o shopping.

As falas de Matheus relevaram que a sua cidade sonhada seria Uma cidade que

reunisse as possibilidades de uma metrópole com shopping, cinema, prédios altos, como São

Paulo, mas que preservasse a natureza e a calma de uma cidade pequena como Antônio Prado.

Esta seria uma cidade bonita, ordenada, que ofereceria lazer e preservaria a sua

história; enfim, seria o perfeito equilíbrio entre o passado (as casas tombadas) e o presente (o

shopping center), ou seja, uma cidade utópica. Freitag (2002, p. 175) diz que:

Atrás da concepção da cidade utópica escondia-se a idéia de uma sociedade perfeita,

harmônica, livre dos defeitos das cidades e sociedades históricas em que viviam os

seus idealizadores. Segundo Karl Mannheim, o conceito de “utopia” implica a idéia de

uma possível realização do modelo utópico sonhado.

Entre todas as qualidades citadas sobre Uma cidade, Matheus insistiu na questão do

shopping, pois, segundo ele,“resolveria um pouco os problemas da cidade” e, assim, “no fim

de semana teria bastante coisas para fazer”. Para ele, uma cidade sem shopping center seria

uma cidade sem lazer. Conforme mencionei no capítulo 1, uma das questões abordadas por

Duarte Jr. (2003) é o papel dos shopping centers na vida urbana. De acordo com o autor, esses

centros comerciais passaram a ser substitutos das poluídas, enfeadas e violentas cidades,

simulando ruas e pequenas praças. Por isso, até mesmo o menino que mora numa cidade

pequena que tem uma praça central, cercada por bancos, flores, árvores, parque e casinhas que

vendem artesanato, cachorro-quente, pipoca e crepes e é muito freqüentada por todas as faixas

etárias, sonha com o shopping, onde imagina poder dispor de todas as possibilidades de lazer

e consumo.

Tanto Pedro, que com 11 anos, tinha alguma familiaridade com imagens da arte e

morava no centro, como Matheus, que também estava com 11 anos, não tinha familiaridade

com imagens da arte e era morador de um dos bairros, falaram de uma mesma e única cidade:

Antônio Prado, com o seu “poder” – ou seja, sua prefeitura – com sua praça e casas tombadas,

com a falta de opções de lazer (leia-se: “shopping center e cinema”), de possibilidade de

habitar para quem não tivesse dinheiro e de caminhar e conversar se não houvesse

policiamento à noite. Esta não era só uma cidade, mas muitas, entre tantas que poderiam ter

escolhido para desenhar.

Todas essas cidades apresentadas pelos educandos na proposta de desenho de Uma

cidade me levam mais uma vez a obra As cidades invisíveis, de Italo Calvino. Nesta, Marco

Polo parte do olhar de Veneza para recriar outras cidades. No olhar desses sujeitos, Antônio

Prado era a cidade tombada, era a cidade pequena, era a cidade calma, mas era a cidade em

que as questões de poder e lazer deixavam a desejar. A cidade não era só o tombamento, mas

tinha uma forte ligação com esse discurso. Parece mesmo que a cidade não existia sem ele.

Nos dois desenhos e nas duas entrevistas, as edificações tombadas estavam lá.

Quando Pedro e Matheus desenharam Uma cidade eles encontraram-se nela,

estabeleceram relações com os seus contextos e falaram do mundo que conheciam (Antônio

Prado), fazendo uma leitura crítica da realidade vivida por cada um. Apesar de Matheus

sonhar com Uma cidade grande como São Paulo, era Antônio Prado que estava sendo lida e

interpretada criticamente por ele. Freire (2003) diz que antes de aprender a ler e a escrever

palavras estamos lendo o mundo que nos cerca. Mesmo sabendo ler e escrever palavras há

algum tempo, em suas produções sobre Uma cidade, Pedro e Matheus foram além da cidade

projetada na memória coletiva. Eles admiravam o Patrimônio Histórico e Artístico Nacional e

valorizavam o tombamento, tanto que nos dois desenhos os prédios tombados estavam

presentes, mas ao olharem esteticamente para a cidade, não deixaram de ter uma visão crítica

sobre como o cotidiano se apresentava a eles.

2.5.9. Desenhando a cidade de Antônio Prado

Em setembro de 2004, retornei, mais uma vez, ao Colégio e solicitei aos sujeitos

pesquisados que desenhassem A cidade de Antônio Prado e apontassem suas impressões

sobre ela.

Embora eles já tivessem representado alguns dos espaços de Antônio Prado, em julho

de 2004, quando se referiram a Uma cidade, eu desejava aprofundar o diálogo, para conhecer

as relações entre eles e a cidade em que viviam. Conforme Barella (1997, p. 79), “exercitar a

crítica do dia-a-dia em relação ao ambiente onde cada um vive é também construir a

cidadania”.

Se no trabalho realizado anteriormente – em que eu não havia especificado que

desenhassem uma determinada cidade, mas qualquer cidade –, os estudantes falaram das casas

tombadas e da Praça Garibaldi, ao desenharem A cidade de Antônio Prado esses elementos

ganharam destaque em suas produções. Assim, os desenhos e falas foram analisados com base

em algumas das idéias trazidas por Hillman e Duarte Jr. sobre o morar, o caminhar e o

conversar nas cidades.

Morar na Cidade

Maria e Matheus mostraram como interpretavam e como se relacionavam com A

cidade de Antônio Prado através de duas edificações que fazem parte do conjunto

arquitetônico tombado pelo IPHAN e que compõem o Centro Histórico. Como a maioria das

outras casas tombadas, essas também tinham sido construídas em dois andares, para que a

parte superior fosse destinada à moradia da família e o térreo servisse como ponto comercial.

Ao desenhar A cidade de Antônio Prado, Maria apresentou duas produções. Na

primeira, desenhou a “Clínica Equlíbrio

” (Casa Marcantônio/Grazziotin), que continua

sendo utilizada como moradia e como estabelecimento comercial e de serviços.

Mais uma vez estou utilizando os nomes das casas, conforme os sujeitos pesquisados se referiram a elas.

Fig. 62: Clínica Equilíbrio – fotografia

Segundo Roveda (2003), a Casa Marcantônio/Grazziotin foi construída em 1940, por

Francisco Marcantônio, pai de Rina, com a finalidade de alugá-la e, com a renda do aluguel,

amparar financeiramente sua neta e sua filha, viúva de Jaques Valentino Grazziotin, desde

1936. Com a conclusão da construção, Francisco ofereceu a casa para a filha Alba, casada

com Hilário Andognini, que trabalhava com ourivesaria, joalheria e relojoaria. Ao aceitar a

proposta do sogro, Andognini passou a ocupar a casa como estabelecimento comercial e como

residência da família. Com a transferência de Andognini, em 1950, para Caxias do Sul,

Angelin Pegoraro, que era seu auxiliar, assumiu a gerência da casa de comércio. Em 1956,

Pegoraro adquiriu o imóvel e a loja de Hilário Andognini.

Após o falecimento de Angelin, a casa, localizada na Rua Luiza Bocchese, número 54,

passou a ser de propriedade de sua esposa, Edy. Atualmente, Marta Pegoraro mantém no local

uma clínica de fisioterapia e uma loja de produtos fitoterápicos. Ela declara (Informação

verbal)

Marta é filha de Edy Verza Pegoraro. Depoimento: [fev. 2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero

Galvani.

Quando nasci, meus pais já moravam nesta casa. Primeiramente eles pagavam aluguel,

mas na década de 1950 compraram o imóvel, que abrigava a relojoaria e joalheria e

também era usada como residência. A clínica está instalada na casa há dez anos, mas a

parte superior e os fundos continuam sendo utilizados por nossa família como

moradia.

Fig. 63: Primeiro desenho de A cidade de Antônio Prado, realizado por Maria

Ao falar de seu primeiro desenho sobre A cidade de Antônio Prado, Maria argumentou

que representou a “Clínica Equilíbrio” porque era uma das casas tombadas e porque a achava

bonita. Ao defender que as edificações da cidade eram importantes por conservarem a

história, ela também mencionou a Praça Garibaldi, destacando que ali estavam as casas

tombadas e podia-se encontrar os amigos:

M - O que chamou mais a sua atenção nesta casa?

Maria - Os lambrequins e as janelas, que são diferentes das outras casas.

M – Então, para você, falar de Antônio Prado significa falar das casas tombadas?

Maria – Das casas tombadas e da Praça Garibaldi onde estão a maioria delas e onde

encontramos os amigos e conversamos.

Assim como Maria, Matheus também interpretou a cidade através do morar, ao

representar a “Casa do Artesão” (Casa Luciano Zanella), que também continua sendo usada

como moradia nos fundos e como ponto comercial nas salas da frente.

Fig. 64: Casa do Artesão

– fotografia

De acordo com Roveda (2003), a Casa Luciano Zanella foi construída entre os anos de

1919 e 1920. Em 1925, Luciano vendeu a edificação para Misael Borges Duarte, que no

mesmo ano, também a vendeu, para o casal Rizzieri e Ildegonda Biazus Letti, que registrou a

casa em nome do único filho, Horácio José Letti.

A família Letti, que era proprietária do Café Itália, instalou o estabelecimento, que

funcionou de 1925 a 1936, na casa nova, que também serviu como residência. Após a morte

de Rizzieri, o filho Horácio e a esposa Elvira Mondadori Letti mudaram-se com os três filhos

pequenos para o Bairro Golin. Mas com o falecimento de Horácio, em 1971, a família vendeu

a casa no bairro e voltou a morar na Casa Zanella.

Após a morte de Nona Gonda, em 1974, parte do imóvel continuou sendo alugada e

servindo de moradia para sua nora Elvira, que permaneceu nela até seu falecimento, em 1999.

Atualmente, a casa, localizada na Rua Luiza Bocchese, número 80, pertence aos

herdeiros da família de Horácio Letti, mas as dependências dos fundos são ocupadas por

Terezinha Schiochet Ampessan – que cuidou de Elvira Mondadori Letti até sua morte – e as

salas da parte da frente estão alugadas para a Casa do Artesão (loja de produtos artesanais

confeccionados pela Associação de Artesãos de Antônio Prado La Nostra Arte) e para a Casa

das Cortinas (loja de confecção de artigos de cama, mesa e banho).

Terezinha Ampessan expressa seu amor ao falar da casa onde vive e da qual cuida. Ela

diz (Informação verbal)

: “Faz oito anos que moro nesta casa. Cuidei de dona Elvira Letti até

sua morte e hoje cuido da casa para os herdeiros da família – que moram fora – com a mesma

dedicação e amor”.

Fig. 65: Desenho de A cidade de Antônio Prado, realizado por Matheus

Terezinha Ampessan é zeladora da casa. Depoimento: [fev. 2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero

Galvani.

Ao comentar o seu desenho sobre A cidade de Antônio Prado, Matheus disse:

“Representei a Casa do Artesão porque é uma casa antiga, tombada, bonita e um pouco

diferente das outras”. Ele ainda falou sobre a importância de conservar as casas antigas e

também da necessidade de “fazer coisas novas”, criticando a falta de opções de lazer na

cidade. Todas essas idéias já tinham sido defendidas pelo menino quando ele se referiu a Uma

cidade – momento em que representou uma casa com as características das edificações

tombadas de Antônio Prado.

Ao falarem de seus desenhos sobre A Cidade de Antônio Prado, Maria, 10 anos,

moradora do centro da cidade e que tinha alguma familiaridade com imagens da arte, e

Matheus, 11 anos, morador de um bairro não-central e sem familiaridade com imagens,

revelaram que a cidade dialogava com eles através das moradias preservadas e ricas em

detalhes.

O que faz das casas de Antônio Prado, tombadas pelo IPHAN, serem tão significativas

na cidade é o fato de conservarem suas identidades, como lembrou Matheus, ao declarar,

“essas casas têm bastante história [...]”. Tomando emprestadas algumas idéias de Hillman

(1993), que, ao discutir a ligação entre alma e cidade, afirma que temos memórias emotivas

em nossas cidades, poderíamos dizer que as casas de Antônio Prado são casas com alma,

carregadas de memórias emotivas, não só nas placas indicativas colocadas em suas fachadas,

trazendo dados e depoimentos sobre elas, como também no seu interior. As casas estão

ligadas às vidas de seus moradores, que, em alguns casos, nasceram ali, saíram para estudar,

voltaram e instalaram no local os seus estabelecimentos, dando continuidade à tradição de

morar e trabalhar na mesma casa.

Em uma de minhas visitas, encontrei uma das senhoras que herdou a casa da família

servindo chá da tarde com bolo a duas amigas adolescentes, sendo que uma delas era da zona

rural e morava com a dona da casa para estudar na cidade e lhe fazer companhia. Nas paredes

da sala, antigos retratos de família e móveis escuros muito resistentes que pareciam estarem

ali desde sempre. Ao falar de sua casa, as palavras da proprietária enchiam-se de afeto. Tudo

ali tinha uma história. Cada poltrona, cristaleira, mesa, janela, porta e parede não

desempenhavam apenas suas funções utilitárias, mas traziam lembranças e ‘transpiravam’

emoções.

Morar num lar que é a extensão de nossas emoções e sentimentos é cada vez mais raro

na sociedade contemporânea. Duarte Jr. (2003, p. 78), ao abordar a qualidade das moradias

“nos dias correntes”, lamenta a falta de identidade dos prédios construídos com racionalidade

instrumental, eliminando adornos, ornamentos e outros elementos estéticos e sentimentais,

comparando-os às antigas casas. O autor diz:

[...] convém lembrar as antigas casas erigidas em nossas cidades [...], nas quais o

proprietário/construtor fazia grafar sobre os portais de entrada, em alvenaria ou ferro

fundido, as suas iniciais e a data da construção, expressando um sentimento de

extensão e permanência. Muito diferente da atual situação, em que nos países de

acelerada expansão, como os Estados Unidos, vêm-se trabalhando com a idéia de que

um edifício não deve ser projetado para uma vida útil para além de dez anos.

Esse sentimento de permanência foi valorizado por Maria e Matheus, que

demonstraram admirar as casas por suas histórias. Para eles, era impossível pensar na cidade

de Antônio Prado sem lembrar das casas tombadas. Olhar a cidade significava olhar as casas,

pois, segundo esses sujeitos, elas também motivam a vinda dos turistas e trazem o

desenvolvimento para Antônio Prado.

Praça Garibaldi: lugar para caminhar e conversar

A cidade também dialogava com Maria através da Praça Garibaldi. Aliás, como

também já mencionei, a praça sempre esteve presente nas discussões dos sujeitos pesquisados

quando se referiram à cidade de Antônio Prado ou quando falaram de Uma cidade. Assim

como Maria, Joana também desenhou A cidade de Antônio Prado através de sua praça, que

julgava ser o ponto mais importante.

Para Maria e Joana, a Praça Garibaldi é o lugar do encontro, onde se pode passear,

conversar, caminhar e brincar no parque.

Fig. 66: O chafariz da Praça Garibaldi – fotografia Fig. 67: O parque da Praça Garibaldi – fotografia

Essa relação de afeto dos moradores da cidade com a Praça Garibaldi não é de hoje.

Assim como as casas tombadas, a praça faz parte da história da cidade e é onde continuam

acontecendo os encontros amorosos e os acontecimentos sociais e culturais. Para Roveda, a

Praça Garibaldi é o lugar de maior relevância na vida pradense. Ele afirma (Informação

verbal)

Depoimento: [set. 2005]. Entrevistadora: Mara Aparecida Magero Galvani.

A Praça Garibaldi surgiu já no início de Antônio Prado, quando os agrimensores

mediram os lotes. Procurei várias vezes sobre a praça, quando foi dado o nome e a Lei

que instituiu. Não encontrei nada. Mas sei que iniciou com a medição da cidade e foi

dado o nome de Praça Garibaldi em homenagem a Giuseppe Garibaldi, cuja história

remete ao herói dos dois mundos. Desde o início a praça tem esse nome. Se você

pesquisar no livro do Fidelis

[nota minha] vai encontrar que o Padre Alexandre

Pelegrini plantou mudas de parreiras na praça, um momento histórico, porque remete

à cultura do vinho, que desenvolveu toda a região Nordeste. A Praça Garibaldi é sem

dúvida o lugar, o espaço cultural construído pelos imigrantes e seus descendentes de

maior relevância para a sociedade pradense. Desde o início, a praça foi o lugar de

encontros sociais, como festas; de lazer, como os jogos de vôlei, caçador, educação

física, conversas, brincadeiras e namoros; de atos cívicos, como o fogo simbólico,

Sete de setembro, juramento à bandeira e tiro de guerra, enfim dos encontros culturais,

religiosos, políticos, entre outros. Entendo que até hoje não há outro espaço que

consiga superar a diversidade das atividades sociais que foram ali expressadas. A

Praça Garibaldi é o marco central do surgimento do centro urbano de Antônio Prado.

A igreja, a praça, depois a cidade que converge para ambas.

Fig. 68: Segundo desenho de A cidade de Antônio Prado, realizado por Maria

Como Maria apresentou dois desenhos sobre A cidade de Antônio Prado, considerei

pertinente trazê-los. Tanto as casas tombadas como a Praça Garibaldi foram mencionadas nas

entrevistas com os sujeitos pesquisados, mas cada um deles representou somente um desses

elementos em suas produções. Apenas Maria criou dois desenhos – um representando uma

Fidelis Dalcin Barbosa é autor do livro Antônio Prado e sua história, editado pela Escola Superior de Teologia

São Lourenço de Brindes, em 1980.

das casas tombadas e outro, a Praça Garibaldi –, atribuindo a mesma importância para as

edificações e para a praça.

Em seu segundo desenho, a menina apresentou a parte central da Praça Garibaldi,

onde está o chafariz, argumentando que ela transmitia a cultura da cidade de Antônio Prado.

De acordo com Maria, a praça ficava mais bonita com casas e as casas ficavam mais bonitas

com a praça:

M - Por que representar A cidade de Antônio Prado através da Praça Garibaldi?

Maria – Porque a praça é o que tem de bom na cidade. Lá encontro com minhas amigas

para conversar, jogar bola. Lá tem o chafariz, os jardins e grande parte das casas tombadas.

Ela continuou afirmando que Antônio Prado era “legal” porque era calma, sem muita

violência e onde tinha amigos, mas apontou as fofocas como sendo o ponto negativo em viver

em uma cidade pequena.

Fig. 69: Desenho de A cidade de Antônio Prado, realizado por Joana

Para Joana, a Praça Garibaldi é um lugar bonito, onde é possível passear, conversar,

caminhar e onde as crianças também podem brincar no parque e andar de bicicleta. Ela

também argumentou: “A praça foi construída ainda quando fundaram Antônio Prado. Ela faz

parte da história. É uma praça para todos. Lá também tem as casas tombadas, que é o

patrimônio da gente”.

Apesar de ter afirmado que não desejava viver em outra cidade, pois gostava de

Antônio Prado porque é uma cidade bonita, pequena, sem muitos assaltos e movimento,

também criticou a falta de opções para diversão. Assim, sugeriu que o parque da praça deveria

ter mais brinquedos.

Para Maria, 10 anos, que era moradora do centro da cidade e tinha alguma

familiaridade com imagens da arte, e Joana, 10 anos, que era moradora de um bairro não-

central e que não tinha familiaridade com imagens da arte, Antônio Prado dialogava com elas

através da praça, que é o lugar para conviver amorosamente, compartilhar brinquedos no

parque, andar de bicicleta, jogar bola, conversar sentado à sombra das árvores e caminhar ao

redor da quadra. Segundo suas interpretações, Antônio Prado, por meio da Praça Garibaldi, é

uma cidade que ainda permite caminhar, atividade cada vez mais rara nas cidades. Conforme

as discussões de alguns autores como Hillman e Duarte Jr., o exercício do passeio seguro por

praças e ruas vem sendo negado aos seres humanos.

Como já trouxe na Introdução desta dissertação, Hillman (1993, p. 53) afirma que

andar acalma. Segundo ele: “Caminhar pode ser uma terapia meditativa – não um passeio

idílico à beira-mar – mas simplesmente pela cidade, por horas, de manhã cedo, ou tarde da

noite”. Mais adiante o autor ressalta:

Uma cidade que não permite caminhar não é também uma cidade que nega uma

moradia para a mente? Podemos estar nos dirigindo, literalmente dirigindo-nos [grifo

do autor], para a loucura simplesmente por não cuidar dessa necessidade humana

fundamental de caminhar.

Duarte Jr. (2003, p. 82) também discute a atividade de caminhar nas cidades,

lamentando que as ruas se tornaram cada vez menos um espaço de passeio e cada vez mais

um simples elo de ligação entre a casa e o compromisso, quando, para ele, “passear pela

paisagem urbana se mostra, pois, fundamental para a constituição de uma realidade estável,

sensível e acolhedora, uma realidade com a qual nos identificamos e pela qual nos sentimos

um pouco responsáveis”.

De acordo com os sujeitos pesquisados, a Praça Garibaldi não era só o lugar para

caminhar, mas também para encontrar os amigos e conversar. Duarte Jr. (2003, p. 86) lembra

as muitas expressões brasileiras usadas para essa “antiqüíssima” atividade humana, entre elas

“papear”, “jogar conversa fora”, “bater papo”, “prosear”, “levar um lero”, “contar causos”. O

autor diz que no ato de conversar “são trocados não apenas informações e dados, mas,

sobretudo, afetos e sentimentos, esses elementos básicos para a manutenção ou a

transformação de uma dada realidade”.

Apesar de afirmar que na praça encontrava as amigas para conversar, Maria apontou

as fofocas como sendo o aspecto negativo em viver na cidade de Antônio Prado. Hillman

(1993, p. 41), no entanto, ao abordar as relações humanas nas cidades, ressalta que as pessoas

precisam de lugares para pausas onde possam acontecer os encontros e os comentários:

Se a cidade não tem lugares para pausas, como é possível o encontro? Passear, comer,

falar, fofocar. Esses lugares onde podemos fofocar são incrivelmente importantes na

vida da cidade. As pessoas param perto dos bebedouros e falam sobre o que está

acontecendo e essa fofocagem é a própria vida da cidade. Por trás de uma mesa de

escritório nossa fala é diferente daquela num café.

Seguindo as idéias dos autores, a Praça Garibaldi também é o lugar das trocas, ou seja,

do “bate-papo” descompromissado com as amigas e das confidências de adolescentes.

Portanto, a falta de opções de diversão, como shoppings, grandes parques e cinemas,

apontada pelos sujeitos desta pesquisa como sendo o principal aspecto negativo em viver em

Antônio Prado é o que faz da Praça Garibaldi o lugar do encontro para compartilhar

experiências na cidade. Ao contrário de muitas cidades, nas quais, conforme Duarte Jr.

(2003), resta às crianças apenas os playgrounds dos edifícios ou as pequenas praças dos

shopping centers, em Antônio Prado, as atividades como caminhar e conversar sem um

“objetivo utilitarista”, mas com o simples propósito de um encontro com a natureza e com os

amigos, podem ser vividas na praça.

Entre tantas cidades dentro de uma mesma cidade, entre tantas cidades possíveis,

Antônio Prado é a cidade das casas tombadas e da Praça Garibaldi. Para os sujeitos desta

pesquisa, a cidade projetada na memória coletiva em torno do Patrimônio Histórico e

Artístico é muito significativa para eles e não os impede de olhar a cidade com seus

problemas, como a falta de lazer e de segurança.

Na proposta de desenhar Uma cidade, realizada em julho de 2004, Pedro apresentou a

Prefeitura Municipal de Antônio Prado, pois, segundo ele, todas as cidades têm prefeituras.

Ao falar de seu desenho, ele disse que achava que “algumas pessoas podiam caminhar,

conversar e morar na cidade se elas tivessem dinheiro e se tivesse bastante policiamento de

noite”.

Já na proposta de desenhar A cidade de Antônio Prado, realizada em setembro do

mesmo ano, Joana apresentou a Praça Garibaldi, argumentando que a praça é importante na

vida das pessoas porque as crianças têm um lugar bom para brincar, andar de bicicleta e os

adultos para conversar. Segundo ela, é “uma praça para todos”.

Se essas falas denunciaram que A cidade de Antônio Prado não é uma cidade para

todos, apesar de suas casas tombadas e da admiração que sentem por esse patrimônio, a Praça

Garibaldi é uma praça para todos, por isso, ela é tão importante no olhar desses sujeitos; pois

é o lugar da vida coletiva em Antônio Prado.

3. CONSIDERAÇÕES FINAIS

As concepções sobre arte

Esta dissertação analisou a leitura e a releitura de imagens de educandos do Ensino

Fundamental da rede pública, aos quais se propôs um olhar sensível, estético e crítico sobre a

cidade e a arte. Como foi explicitado no decorrer desta pesquisa, ao chegar a 5ª série do

Ensino Fundamental uma minoria entre os 50 educandos, que estavam divididos entre as

turmas 51 e 52, tinha alguma familiaridade com imagens da arte.

Entre eles, estava Maria, uma das crianças selecionadas para a análise de dados, que

além de estudar no Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral desde a 1ª série, havia

freqüentado, no período de 1996 a 1998, uma escola particular de Educação Infantil

fundamentada numa proposta pedagógica em direção ao ensino da arte.

Entre as idéias apresentadas pelos seis sujeitos pesquisados, em março de 2003, ao

responderem a questão O que torna algo arte?, apenas Rita, que tinha alguma familiaridade

com imagens da arte, mencionou a possibilidade de “estudar quadros”. Todos os demais

buscaram referências nas aulas de Arte que tinham tido na escola. Se até então, para a maioria

deles, as imagens não eram objeto de estudo em sala de aula, compreendiam que todo e

qualquer desenho “bonito”, pintura ou escultura poderia tornar-ser arte.

Tais concepções apreendidas na família foram evidenciadas nas entrevistas com os pais, ao revelarem

que, para eles, as aulas de Arte eram importantes para desenvolver a imaginação, a criatividade e a coordenação

motora, aprender a criar, além de ser um momento de descontração. Estas concepções foram reforçadas durante a

vida escolar dessas crianças através dos desenhos livres, experimentações de algumas técnicas, ilustrações de

histórias e confecções de cartazes de datas comemorativas. Atividades propostas, em geral, sem a preocupação

de articular o fazer e o pensar.

Como poderiam os educandos de 5ª série

do Ensino Fundamental terem construído

conceitos mais elaborados sobre arte se os

pais, apesar de oferecerem uma rica leitura

da natureza e do meio onde viviam, não

proporcionaram a interação com mostras

de arte e com o próprio museu da cidade?

Como poderiam, ainda, construir outros

conceitos se, chegando às escolas, a

maioria continuava realizando atividades

artísticas sem refletir sobre suas próprias

produções, a dos colegas ou de artistas?

Portanto, ao chegarem a 5ª série do Ensino Fundamental, mesmo os educandos que

tinham alguma familiaridade com imagens traziam concepções ingênuas da arte. Ao

responderem O que torna algo arte?, usaram termos como criatividade não para falar da

expressividade da arte, mas por relacioná-la às cores preferidas, pinturas ou desenhos

considerados por eles “bonitos”. Muitos desses conceitos continuaram sendo utilizados pelos

seis sujeitos envolvidos, durante as leituras de imagens, até o final da pesquisa.

A compreensão estética dos sujeitos pesquisados

A análise das leituras de imagens realizadas pelos seis sujeitos pesquisados, com

idades entre 10 e 11 anos e que estavam cursando a 5ª e, posteriormente, a 6ª série, permitiu

concluir que eles demonstraram uma compreensão estética coerente com o Segundo Estágio

da teoria de Parsons e com o Nível I da classificação de Rossi.

É pertinente destacar que não se trata de classificar as crianças em determinados

estágios ou níveis, mas conhecer o processo de suas leituras, ou seja, como estavam

compreendendo as imagens naquele momento. Como já mencionei nesta pesquisa, Parsons

(1992) enfatiza que os estágios são aglomerados de idéias e não propriedades desta ou

daquela pessoa. Segundo ele, descrever um estágio não é descrever uma pessoa, mas um

conjunto de idéias. Rossi (2003) também diz que não é coerente afirmar que um aluno “está”

em um determinado nível, mas que utiliza um ou mais conjuntos de idéias para interpretar e

julgar as obras.

A seguir, retomo algumas idéias apresentadas nas entrevistas sobre as imagens que

compõem esta dissertação e que confirmam os resultados expostos.



AsrelaçõescomateoriadeParsons

No que se refere à teoria de Parsons, as imagens foram julgadas em função do tema

(incluindo as idéias acerca da beleza e do realismo), principal tópico estético do Segundo

Estágio.

Ao ler a imagem da obra Guernica, Rita, 11 anos, disse que poderia ser uma imagem

da fome, mas também da guerra, pois esses eram, entre outros, motivos da morte das pessoas.

Em seguida, ela julgou que Guernica não era uma boa imagem porque era feia, “tinha

gente esquisita, era triste e sem cor”, ou seja, a imagem não era boa porque o tema “guerra”

não era moralmente bom.

Em seu livro Compreender a arte: uma abordagem à experiência estética do ponto de

vista do desenvolvimento cognitivo, Parsons traz vários exemplos de falas de pessoas de

diferentes idades em sua pesquisa. Ao analisar a indistinção entre o juízo moral e o juízo

estético, o autor cita a leitura de Glória, de 10 anos, que afirmou que sentia tristeza e aflição

ao ver Guernica e não achava uma boa idéia pintar quadros sobre a guerra, a não ser que não

mostrassem pessoas mortas. Sobre o juízo moral e o juízo estético, Parsons (1992, p. 63) diz:

“A fusão do moral e do estético talvez seja ainda mais evidente quando o tema não é feio, mas

sim violento. A violência é moralmente má, e a sua contemplação é desagradável. Estes dois

elementos contribuem para que os temas violentos sejam indesejáveis na pintura”.

O autor aponta, no entanto, que no Segundo Estágio o mesmo não acontece com obras

que representam temas belos, como soldados imponentes, crianças bonitas, cães brincalhões,

flores coloridas, paisagens variadas, entre outros. Parsons (1992, p. 58) afirma que a lógica

para esses julgamentos é a seguinte: “se gostamos de ver essas coisas na realidade, porque não

havíamos de gostar de as ver num quadro”?

Nesta dissertação, a imagem da obra Farmácia Palombini, de Neusa Welter Bocchese,

foi uma das quais os entrevistados consideraram boa em função do tema, pois “casa” é um

tema belo.

A tendência dos leitores que apresentam idéias do Segundo Estágio da Teoria de

Parsons é buscar na obra um tema que represente coisas belas de forma realista. Assim, um

barco bem-conservado, um animal saudável e uma mulher magra poderiam ser bons temas

para um quadro.

Apesar de ter uma certa relação entre as idéias apresentadas pelos sujeitos desta

dissertação com a compreensão estética dos leitores, com a mesma faixa etária, entrevistados

por Parsons em contexto norte-americano, não é apropriado associar cada estágio a uma

determinada idade. Segundo Parsons (1992, p. 21): “O estádio da seqüência a que cada

indivíduo consegue chegar depende da natureza das obras de arte com que entra em contacto e

do grau em que se vê estimulado a reflectir sobre elas”. Apenas no que diz respeito às idades

mais baixas é que o pesquisador observa uma correspondência com os estágios. Segundo ele,

as crianças pequenas da Educação Infantil utilizam idéias do Primeiro Estágio. Em relação a

isto Parsons (1992, p. 44), diz:

[...] não faria sentido fingirmos que as crianças pequenas têm as mesmas capacidades

que os artistas e os críticos adultos. É puro romantismo pensar que a sua experiência

da arte é equivalente à dos adultos, ou que as suas obras estão igualmente carregadas

de sentido. Há toda uma série de perspectivas acerca da pintura que as crianças não

dominam e que são de grande importância. Por este motivo, muitas qualidades

estéticas relevantes são-lhes inacessíveis, e a sua experiência da arte não possui a

riqueza da dos adultos. O desenvolvimento estético consiste precisamente na

aquisição destas perspectivas. Só atingimos os últimos estágios através de uma

educação em que sejamos freqüentemente confrontados com obras de arte e

pensemos seriamente acerca delas [grifo meu].

Relacionando a afirmação de Parsons com as leituras apresentadas nesta pesquisa,

pode-se concluir que o fato de três dos seis sujeitos pesquisados terem chegado na 5ª série do

Ensino Fundamental com alguma familiaridade com imagens da arte não garantiu a eles que

alcançassem uma compreensão estética mais avançada em relação aos que não tinham

familiaridade, pois todos utilizaram idéias do Segundo Estágio. De acordo com Rossi (1997),

a compreensão das características estéticas deste estágio é fundamental aos professores, pois

são essas idéias que a maioria dos alunos brasileiros utiliza em suas leituras, desde as séries

iniciais até o Ensino Médio.

AscorrespondênciascomapesquisadeRossi

Foi possível constatar uma correspondência entre a compreensão estética dos

educandos desta dissertação e os alunos de 5ª e 6ª séries do grupo não familiarizado com arte

da pesquisa de Rossi. A autora concluiu que a maioria dos alunos deste grupo apresentou

idéias do Nível I e uma minoria do Nível II. Já nas mesmas séries do grupo familiarizado com

arte houve um uso eqüitativo das idéias dos três níveis.

Conforme já explicitei anteriormente, todos os sujeitos aqui pesquisados usaram com

muita freqüência idéias do Nível I, no qual a leitura é guiada pela concretude do mundo

representado nas obras.

Entre as quatro imagens que mostrei com o mesmo tema, Rita e Joana, embora

tivessem apresentado algumas idéias do Nível II, consideraram a mais interessante Os

Ciprestes. Como o pensamento dos leitores do Nível I é realístico, elas aceitaram que o

artista, sendo um copista do real, tivesse transferido para a obra o “pinheiro”, como se referiu

Rita.

Pedro e João, aos 11 anos, também revelaram um pensamento concreto a respeito da

imagem Lambrequins em Totens, de Neusa Welter Bocchese. Quando perguntei se poderia ser

considerada uma boa imagem, Pedro buscou o mundo física e concretamente representado na

obra, ao responder que sim, argumentando: “[...] dá para ver os lambrequins”. João também

respondeu que sim, demonstrando que julgou a obra porque seu tema era bom, ao afirmar:

“porque representa os lambrequins das casas de Antônio Prado”. Como ressaltei

anteriormente, o leitor do Nível I utiliza, no julgamento da imagem, entre outros critérios, o

realismo, não fazendo distinção entre o julgamento moral e o estético. Um tema bom torna a

imagem boa.

Outro critério de julgamento utilizado pelos sujeitos foi a maestria do artista, que

também é uma característica do pensamento do Nível I. Após o encontro com a artista Neusa

Welter Bocchese e suas obras, João comentou o modo como ela pintava, dizendo: “Ela faz sua

obra com muito cuidado e dedicação para não borrar”.

Idéias semelhantes foram apresentadas pelos alunos entrevistados por Rossi. Quando a

pesquisadora perguntou a uma criança de oito anos se uma imagem era boa, ela respondeu

que não, porque era muito borrada. De acordo com a autora, é importante o entendimento da

maestria, porque é o primeiro vínculo que os alunos estabelecem com a obra. Sobre isto,

respeito Rossi (2003, p. 94) diz:

O uso do critério da maestria decresce durante o processo de escolarização. Nas séries

iniciais, é bastante usado e, no final do Ensino Fundamental, desaparece no

julgamento de alunos familiarizados com arte. Os adolescentes sem familiaridade

com arte continuam valorizando a maestria do artista, até o Ensino Médio [grifo

meu].

A valorização que João demonstrou em relação ao modo como Neusa Welter

Bocchese pintava confirmou a falta de familiaridade que tinha com as imagens. Se o aluno

entrevistado por Rossi não considerou uma determinada imagem boa porque estava borrada,

João admirou o cuidado com que a artista fazia suas obras para não “borrar”.

Para encerrar os comentários sobre o resultado da compreensão estética dos sujeitos

pesquisados, trago apenas um exemplo do pensamento do Nível III, pela pouca freqüência

com que estas idéias foram apresentadas durante as entrevistas. Ao final do trabalho com

leitura de imagens, Maria passou a acreditar na autonomia do artista para criar sua arte, ao

referir-se ao trabalho de Neusa Welter Bocchese, assinalando que o artista poderia escolher o

que fazer.

Rossi (2003, p. 126) enfatiza que no primeiro momento do Nível III o aluno é capaz de se desvencilhar

da determinação do mundo, e pensar em possibilidades. De acordo com a autora, “[...] ele coloca a

responsabilidade pela existência, pelo significado e pela qualidade da obra, nas ‘mãos’ do artista”.

Maria foi a única criança entre os seis sujeitos entrevistados que teve acesso às imagens da arte na

Educação Infantil, processo esse, como já mencionei, interrompido até a 4ª série do Ensino Fundamental. Apesar

de chegar a 5ª série com uma concepção ingênua sobre arte, após alguns meses de intensa discussão estética e do

encontro com a artista, a menina demonstrou valorizar a intencionalidade do artista. No entanto, este foi apenas

um momento e a significação que atribuiu à obra não revelou que já estivesse de posse das idéias do Nível III,

pois em todas as demais leituras apresentou um pensamento de Nível I.

Assim, a análise dos dados sobre a compreensão estética dos educandos do Colégio

Estadual Professor Ulisses Cabral permitiu concluir que não foram encontradas diferenças

significativas na compreensão estética entre os estudantes com alguma familiaridade com

imagens da arte e os que não tinham familiaridade. Atribuiu-se tal fato à carência de uma

prática de discussão estética na escola.

A pesquisa sugere que ter visto as obras de uma tia artista plástica, ou ter cursado a

Educação Infantil numa escola particular fundamentada no ensino da arte ou, ainda, ter visto

imagens da arte na 4ª série, não garantiu um avanço na compreensão estética desses sujeitos

em relação aos que não tiveram o mesmo convívio.

O contexto dos educandos talvez explique o fato de tanto os que eram moradores do

centro da cidade como os de bairros não-centrais, que tinham ou não estudado desde a 1ª série

no Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral – a maior escola pública local, no centro, e a

única que oferece Ensino Médio no perímetro urbano –, terem apresentado idéias do Segundo

Estágio da teoria de Parsons e do Nível I da classificação de Rossi. Portanto, não foi por

viverem numa cidade histórica em função de sua arquitetura que tivessem tido a oportunidade

de desenvolver uma ampla discussão estética.

As relações entre leituras e releituras

Pôde-se constatar que houve relação entre as leituras e as releituras dos educandos,

confirmando Rossi e Demoliner (2003), que dizem que a releitura será sempre coerente com a

compreensão que o aluno constrói na leitura de uma imagem.

Conforme explicitado no capítulo 2, nas releituras de Guernica, enquanto Rita, que

tinha 11 anos e alguma familiaridade com imagens da arte, representou o sofrimento e os

sentimentos de uma menina chorando de fome, João, que tinha 11 anos e nenhuma

familiaridade, representou o sofrimento da humanidade ao referir-se ao conflito entre Iraque e

Estados Unidos, assim como ocorreu em suas leituras.

A mesma relação entre as leituras e releituras também foi verificada quanto à imagem

da obra Farmácia Palombini, de Neusa Welter Bocchese. Maria, que tinha 10 anos, e João,

que tinha 11, referiram-se ao mundo concreto, tanto nas leituras como nas releituras.

Fato semelhante constatei ao analisar as releituras de Lambrequins em Totens, de

Neusa Welter Bocchese, realizadas por Pedro e por João, que tinham 11 anos de idade. Assim

como em suas leituras os meninos identificaram os lambrequins na obra, relacionando o tema

ao mundo físico e concreto, em suas releituras também representaram o lambrequim que era o

mais freqüente na obra da artista.

Cada uma das releituras apresentadas nesta dissertação demonstrou a compreensão das

imagens lidas de acordo com o contexto em que os educandos viviam. Se, conforme Rossi e

Demoliner (2003), a releitura é concebida a partir de cada leitura, é plenamente aceitável que

nenhuma das releituras tenha atingido o nível das reelaborações.

Os desenhos, escritos e falas sobre a cidade e a arte

A análise dos desenhos, escritos e falas sobre a cidade e a arte revelou que os sujeitos

continuaram referindo-se aos seus contextos. As casas da cidade em que viviam fizeram-se

presentes até mesmo nos desenhos e entrevistas sobre Uma cidade, que poderia ter sido

qualquer cidade.

Quando desenharam e falaram de Uma cidade, Pedro e Mateus sonharam com uma

cidade bonita, ordenada, que oferecesse lazer e preservasse a sua história. Apesar de esta ser

uma cidade idealizada, ao mesmo tempo grande como São Paulo com shopping center e

cinema, não deixaram de estabelecer relações com os seus contextos, de falar e criticar o

mundo que conheciam: a cidade de Antônio Prado.

Embora eles já tivessem representado alguns dos espaços da cidade quando se

referiram a Uma cidade, ao desenharem e falarem de Antônio Prado, os sujeitos pesquisados

representaram as moradias tombadas pelo IPHAN e a Praça Garibaldi.

Nos demais desenhos, ainda, ficou evidente a influência das representações da cultura

visual dos educandos, confirmando as idéias de Wilson & Wilson e de Cox.

Rita, que tinha alguma familiaridade com imagens da arte, e Matheus, sem

familiaridade, optaram por representar o Universo Feminino após a visita à coletiva, a partir

de seus olhares sobre o díptico Tricô, de Rosa Maria Guerra, por ser, entre tantas, a obra que

lembrava as roupas e acessórios que usavam no inverno e seus próprios desenhos ou de

outros, em que, muitas vezes, apareciam personagens com mantas, luvas e toucas. Neste caso,

conforme já explicitei na análise da pesquisa, pude recorrer a Freire (2003), quando ele diz

que não é possível texto sem contexto do mundo imediato do leitor, pois os sujeitos

pesquisados apropriaram-se do mundo que estavam lendo e que fazia parte do seu cotidiano.

A análise dos desenhos produzidos nesta pesquisa confirmou as teorias de Wilson &

Wilson e Cox, que dizem que as crianças desenham a partir de seus contextos e das fontes

gráficas que tomam “emprestados” de sua cultura visual. De acordo com estes autores

aprendemos a desenhar pela imitação, por isso, insisto, mais uma vez, na importância de as

escolas oferecerem o acesso às imagens da arte desde a Educação Infantil.

Se nesta pesquisa não foram encontradas diferenças significativas na compreensão

estética entre os estudantes com alguma familiaridade com imagens da arte e os que não

tinham familiaridade, o mesmo não aconteceu com os seus desenhos. As produções dos

sujeitos que tinham familiaridade com as imagens da arte apresentaram-se mais elaboradas do

que as dos que não tinham. Um exemplo são as produções de Maria, que, além de gostar de

desenhar, desenvolveu de forma continuada esta linguagem. Ela avançou em relação aos

colegas na produção, mas não apresentou uma compreensão diferente em relação às imagens

mostradas.

As implicações da leitura e releitura na escola

Para finalizar, gostaria de fazer algumas considerações sobre leitura e releitura – foco

desta pesquisa –, que têm gerado muitas dúvidas e discussões na escola.

Grande parte dos educadores em Arte ou de outras áreas não tem dificuldades em

definir o que é leitura de imagens, conforme mostrei no capítulo 2 desta dissertação. A

questão que mais suscita atenção, no entanto, é: Como proceder durante a leitura? Muitos

acreditam que ao propor a leitura na sala de aula é preciso montar um questionário sobre as

imagens. Essa abordagem desconsidera que as falas dos educandos não são exatas e acabadas,

pois ao ler imagens eles atribuem significações possíveis naquele momento, de acordo com a

idade, contexto social e cultural em que vivem, bem como a familiaridade com imagens.

Esta pesquisa mostra aos educadores que eles podem começar as entrevistas

perguntando aos educandos o que têm a dizer sobre as imagens que estão olhando e que as

próximas questões vão ser construídas durante o diálogo. Nesse processo, os educadores são

os mediadores entre o contexto dos leitores e o contexto da imagem, ou seja, entre os

estudantes e as obras que estão olhando, para que estes atribuam significações à arte e falem a

partir de suas experiências individuais e coletivas.

Outro foco desta pesquisa foi a releitura. Quando visito algumas escolas e nelas estão

expostas, nas paredes, releituras muito semelhantes entre si de obras como Mona Lisa, de Da

Vinci, Girassóis, de Van Gogh, Abaporu, de Tarsila do Amaral, entre outras, que se repetem,

fico me perguntando: qual foi o objetivo do educador ao propor tais releituras? Será que ele

conhecia o processo de leitura de seus educandos? Será que existiu espaço em suas aulas para

a compreensão estética? Em muitos casos, parece-me que a falta de conhecimento da história

da arte, de compreender como acontece o desenvolvimento da compreensão estética é que

leva tantos educadores a continuar trabalhando a cada aula uma nova “releitura”. Em muitas

escolas, o ensino da arte é guiado pela produção restrita à releitura. Por isso, é importante

reforçar que a releitura só será significativa para os estudantes quando deixar de ser entendida

como cópia e passar a ser vista como criação de acordo com a compreensão que cada criança

e adolescente demonstrou da imagem no momento da leitura.

Por isso, é fundamental que cada educador conheça os processos de leituras estéticas

dos educandos. Não para classificá-los, mas para convidá-los a olhar e refletir sobre uma

variada gama de imagens.

Insisto nesta questão porque as conclusões desta pesquisa confirmam que as atividades

de desenhar, pintar, recortar, modelar, colar e esculpir realizadas desde a Educação Infantil

precisam estar articuladas com o pensar; do contrário, tais ações não passarão de exercícios

mecânicos produzidos pelas crianças, sem acrescentar conhecimento sobre arte.

Não pretendo, com isso, afirmar que a produção deva ser negligenciada na escola:

tanto considero sua importância e magia que nesta pesquisa também propus a criação, mas

sempre convidando os educandos a refletir sobre as imagens e a falar sobre seus desenhos.

Desde a década de 1990, Ana Mae Barbosa diz que no Brasil sempre predominou o

trabalho de atelier, mas que somente o fazer não é suficiente para que as crianças julguem as

qualidades das obras produzidas por artistas, pois leitura de obra significa questionamento,

busca, descoberta e o despertar da capacidade crítica.

Se há 15 anos a importância da leitura vem sendo tema das discussões no ensino das

artes visuais, hoje não podemos pensá-lo sem uma ampla discussão com as imagens, pois a

leitura estética produz conhecimento sobre arte e leva os educandos a refletirem sobre as

imagens, preparando-os para compreenderem criticamente a publicidade, o cotidiano, os

discursos veiculados pela mídia, os contextos em que estão inseridos e a cidade em que vivem

como um agente educador, seja ela qual for. Torna-os, portanto – e não tenho o mínimo receio

de afirmar isto –, mais aptos a ler o mundo.

Ao concluir que nesta pesquisa não foram encontradas diferenças significativas na

compreensão estética entre os estudantes com alguma familiaridade com imagens da arte e os

que não tinham familiaridade, reforço a importância das idéias de Tiburi, que diz que “a

lentidão é do olhar, faz pensar, perturba... Ver é imediato, banal, instantâneo” e de Freire

(2003, p. 59), que afirma: “Não podemos interpretar um texto se o lemos sem atenção, sem

curiosidade [...]”.

A familiaridade com as imagens só é possível quando é oportunizado tempo aos

educandos para que olhem com atenção. Para tanto, assim como as demais disciplinas

precisam de educadores com conhecimento da área, na Arte – em que não é incomum o

ensino ser assumido por professores com formação bastante distinta, para mero complemento

de carga horária – não pode ser diferente. Uma escola comprometida com os problemas do

mundo contemporâneo preocupa-se em formar seus educadores para que não mais possamos

ouvi-los dizer que não levam os estudantes para visitar mostras de arte porque ‘são muito

pequenos’. Caso contrário, muitas crianças e adolescentes continuarão vendo imagens na

escola, mas não as estarão lendo. Como provavelmente estarão fazendo com relação ao que os

cerca: sujeitos passivos – situação que a educação do sensível, com toda a certeza, pode

mudar.

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5. LISTA DE IMAGENS

Fig. 01: Detalhe Janela – Casa Rua Francisco Marcantônio, 05, Antônio Prado, RS, Brasil –

Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. Foto: Fernando Roveda, 1999. Prefeitura

Municipal de Antônio Prado, Lions Clube e Léo Clube.

Fig. 02: Rua Luiza Bocchese, Antônio Prado, RS, Brasil – Patrimônio Histórico e Artístico

Nacional. Foto: Fernando Roveda, 1999. Prefeitura Municipal de Antônio Prado e Espaço de

Comunicação.

Fig. 03: Rua Luiza Bocchese, obra que compôs a Mostra Janelas (Neusa Welter Bocchese,

2003, lápis de cor). Foto: Foto Antônio Prado, 2003.

Figs. 04, 05, 06 e 07: Mostra Coletiva de encerramento das atividades do ARVI no prédio da Casa da Neni com

as obras Canções Ilustradas II expostas em sua fachada, realizada em 10 de novembro de 2003. Foto: Mara

Galvani, nov. 2003.

Fig. 08: Capitéis, em mostra coletiva, do ARVI, realizada na Casa da Neni (Isolda Pezzi,

cerâmica). Foto: Mara Galvani, nov. 2003.

Fig. 09: Tempo de internato, obra que compôs a Mostra Lembranças, realizada pelo ARVI

em 1998 e exposta na coletiva da Casa da Neni em 2003 (Neusa Welter Bocchese, tinta

acrílica sobre tela). Foto: Mara Galvani, nov. 2003.

Fig. 10: Recortando, recordando, obra que compôs a Mostra Lembranças, realizada pelo

ARVI em 1998 e exposta na coletiva da Casa da Neni em 2003 (Neusa Welter Bocchese, tinta

acrílica sobre papelão). Foto: Mara Galvani, nov. 2003.

Fig. 11: Jogo das Cinco Marias, obra que compôs a Mostra Lembranças, realizada pelo

ARVI em 1998 e exposta na coletiva da Casa da Neni em 2003 (Rosa Maria Guerra, técnica

mista). Foto: Mara Galvani, nov. 2003.

Fig. 12: Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral, onde tudo começou... Foto: Giovani

Capra, mar. 2005.

Fig. 13: A formatura no Jardim da Infância do Colégio Estadual Professor Ulisses Cabral,

local onde começaram minhas primeiras experiências artísticas, nov. 1979.

Fig. 14: Guernica (Pablo Picasso, 1937, óleo sobre tela, 349,3 x 776,6, Museu do Prado,

Madri – Espanha). Fonte: The Estate of Pablo Picasso, 1996.

Fig. 15: Releitura de Guernica, (Rita, abr. 2003, têmpera e lápis de cor sobre papel).

Fig. 16: Releitura de Guernica (João, abr. 2003, têmpera e lápis de cor sobre papel).

Fig. 17: Releituras de Guernica expostas em uma das vitrinas do Festival de Arte e Cultura

de Antônio Prado. Foto: Foto Ampessan, abr. 2003.

Fig. 18: Pereira em Flor (Vincent Van Gogh, 1888, óleo, 73 x 46 cm. Coleção V. W. Van

Gogh, Amsterdã. Período de Arles). Fonte: Mestres da Pintura. São Paulo: Abril Cultural,

1977.

Fig. 19: Os Ciprestes (Vincent Van Gogh, 1889. The Metropolitan Museum of Art, Fundo

Rogers 1949, Nova York). Fonte: Vincent Van Gogh. Coleção de Arte, São Paulo: Editora

Globo, 1997.

Fig. 20: A Árvore Vermelha (Piet Mondrian, 1909/1910, óleo sobre tela, 70 x 99 cm.

Gemeentemuseum, Haia. Fonte: Mestres da Pintura. São Paulo: Abril Cultural, 1978.

Fig. 21: A Árvore Cinza (Piet Mondrian, 1911, óleo sobre tela, 78,5 x 107,5 cm.

Gemeentemuseum, Haia (empréstimo de S. B. Slijper). Fonte: Mestres da Pintura. São Paulo:

Abril Cultural, 1978.

Fig. 22: Educandos na Trilha Ecológica do Arroio, Parque Municipal de Antônio Prado – RS

– Brasil. Foto: Mara Galvani, jul. 2003.

Fig. 23: A volta ao Colégio depois da Trilha Ecológica do Arroio, Parque Municipal de

Antônio Prado – RS – Brasil. Foto: Mara Galvani, jul. 2003.

Fig. 24: Primeiro desenho de uma árvore (Rita, jun. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 25: Segundo desenho de uma árvore (Rita, jul. 2003, têmpera sobre papel).

Fig. 26: Primeiro desenho de uma árvore (Joana jun. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 27: Segundo desenho de uma árvore (Joana, jul. 2003, têmpera sobre papel).

Fig. 28: Visita ao Museu Municipal de Antônio Prado, local em que está presente o acervo da

obra da artista Neusa Welter Bocchese, através da pintura dos capitéis (pequenos oratórios) do

interior do município. (Técnica: Tinta acrílica. Foto: Mara Galvani), set. 2003.

Fig. 29: Restos de lambrequins em madeira dos prédios do município expostos no Museu

Municipal de Antônio Prado. Foto: Mara Galvani, set. 2003.

Fig. 30: Capitel (Neusa Welter Bocchese, 1994, tinta acrílica). Foto: Foto Bernardi, 1994.

Fig. 31: Capitel Sto. Antônio – Borgo Forte (Neusa Welter Bocchese, 1994, tinta acrílica).

Foto: Foto Bernardi, 1994.

Figs. 32 e 33: Visita à mostra coletiva Universo Feminino das artistas do ARVI, realizada no

saguão do Clube União. Foto: Mara Galvani, set. 2003.

Fig. 34: Réplica das casas tombadas que abrigam o artesanato na Praça Garibaldi. Foto:

Giovani Capra, set. 2005.

Fig. 35: Casa Francisco Grazziotin, onde aconteceu a 1ª e a 2ª edições da Expo Artesanato.

Foto Giovani Capra, set. 2005.

Fig. 36: Tricô – Díptico, (Rosa Maria Guerra, 2003, acrílico sobre tela). Foto: Foto Antônio

Prado, set. 2003.

Fig. 37: Tricô – desenho (Rita, set. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 38: Tricô – desenho (Matheus, set. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 39: Farmácia Palombini. Foto: Giovani Capra, mar. 2005.

Fig. 40: Farmácia Palombini (Neusa Welter Bocchese, 1989, lápis de cor sobre papel). Foto:

Foto Bernardi.

Fig. 41: Releitura da Farmácia Palombini (Maria, set. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 42: Releitura da Farmácia Palombini (João, set. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 43: A artista Neusa Welter Bocchese e sua obra em visita ao Colégio. Foto: Mara

Galvani, set. 2003.

Fig. 44: O encontro da artista Neusa Welter Bocchese com os educandos. Foto: Mara

Galvani, set. 2003.

Fig. 45: A artista Neusa Welter Bocchese fala de sua arte aos educandos. Foto: Mara Galvani,

set. 2003.

Fig. 46: Casas tombadas pelo IPHAN, (Neusa Welter Bocchese, lápis de cor sobre papel).

Foto: Mara Galvani, set. 2003.

Fig. 47: Lambrequins em Totens (Neusa Welter Bocchese, 2001, tinta acrílica sobre tela

colada sobre tubos de PVC). Foto: Foto Antônio Prado, 2001.

Fig. 48: Série Lambrequins (Neusa Welter Bocchese, 2001, serragem, cola e pó xadrez sobre

acrílico). Foto: Foto Antônio Prado, 2001.

Fig. 49: Série Lambrequins (Neusa Welter Bocchese, técnica mista). Foto: Mara Galvani, set.

2003.

Fig. 50: Releitura de Lambrequins em Totens (Pedro, out. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 51: Releitura de Lambrequins em Totens (João, out. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 52: Secretaria Municipal de Turismo – fotografia, situada na Rua Luiza Bocchese, 68.

Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. Foto: Fernando Roveda, 2000.

Fig. 53: Secretaria Municipal de Turismo (Neusa Welter Bocchese, lápis de cor). Foto:

Bernardi, 1989.

Fig. 54: Casa da Neni, situada na Rua Luiza Bocchese. Patrimônio Histórico e Artístico

Nacional. Foto: Fernando Roveda, 2000.

Fig. 55: Casa da Neni (Neusa Welter Bocchese, lápis de cor). Foto: Foto Bernardi, 1989.

Fig. 56: Desenho da casa onde está instalada a Secretaria Municipal de Turismo (Pedro, out.

2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 57: Desenho da Casa da Neni (Joana, out. 2003, lápis de cor sobre papel).

Fig. 58: Prefeitura Municipal de Antônio Prado. Foto: Giovani Capra, nov. 2004.

Fig. 59: Desenho de Uma cidade, (Pedro, jul. 2004, lápis de cor sobre papel).

Fig. 60: Casa Pietro Antônio Giuseppe Grazziotin. Foto: Giovani Capra, nov. 2004.

Fig. 61: Desenho de Uma cidade (Matheus, jul. 2004, lápis de cor sobre papel).

Fig. 62: Casa onde está instalada a Clínica Equilíbrio, situada na Rua Luiza Bocchese, 54.

Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. Foto: Fernando Roveda, 2000.

Fig. 63: Primeiro desenho de A cidade de Antônio Prado (Maria, set. 2004, lápis de cor sobre

papel).

Fig. 64: Edificação onde está instalada a Casa do Artesão, situada na Rua Luiza Bocchese,

68. Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. Foto: Fernando Roveda, 2000.

Fig. 65: Desenho de A cidade de Antônio Prado (Matheus, set. 2004, lápis de cor sobre

papel).

Fig. 66: O chafariz da Praça Garibaldi. Foto: Giovani Capra, nov. 2004.

Fig. 67: O parque da Praça Garibaldi. Foto: Giovani Capra, nov. 2004.

Fig. 68: Segundo desenho de A cidade de Antônio Prado (Maria, set. 2004, lápis de cor sobre

papel).

Fig. 69: Desenho de A cidade de Antônio Prado (Joana, set. 2004, lápis de cor sobre papel).

ANEXO A - QUESTIONÁRIO AOS PAIS DOS EDUCANDOS

COLÉGIO ESTADUAL PROFESSOR ULISSES CABRAL

Nome do educando:______________________________________ Idade: _______________

A criança sempre estudou no mesmo Colégio? ( ) Sim ( ) Não

Se respondeu não: Onde a criança estudou antes (nome da escola, cidade e ano que

freqüentou)__________________________________________________________________

Profissão do pai:______________________________________________________________

Profissão da mãe:_____________________________________________________________

Grau de escolarização do pai:___________________________________________________

Grau de escolarização da mãe:___________________________________________________

O que a família faz nos momentos de lazer?________________________________________

Quantos membros têm na família?________________________________________________

Quantos filhos?________ São mais velhos ou mais novos que a criança entrevistada?______

___________________________________________________________________________

Quantos moram na casa?_______________________________________________________

Quantos trabalham?___________________________________________________________

Quantos estudam?____________________________________________________________

Para os pais, qual é a importância das aulas de Arte na escola? Por quê?__________________

___________________________________________________________________________

Os pais incentivaram a criança em trabalhos criativos antes de esta ir para a escola?________

___________________________________________________________________________

Os pais proporcionaram alguma experiência artística para a criança?____________________

ANEXO B - QUESTIONÁRIO AOS EDUCADORES

DA EDUCAÇÃO INFANTIL A 4ª SÉRIE

ESCOLA:___________________________________________________________________

DISCIPLINA LECIONADA PELO EDUCADOR: __________________________________

SÉRIES:____________________________________________________________________

IDADE E SEXO DO EDUCADOR:______________________________________________

GRAU DE ESCOLARIDADE DO EDUCADOR: __________________________________

HABILITAÇÃO:____________________________________________________________

ANO DE CONCLUSÃO DO CURSO: ______ HÁ QUANTO TEMPO LECIONA?_______

Para você, qual é a importância das aulas de Arte na escola? Por quê? ___________________

___________________________________________________________________________

O que você trabalha com os seus educandos nas aulas de Arte?_________________________

___________________________________________________________________________

Você segue uma metodologia para o ensino da arte na sala de aula? Como você planeja suas

aulas?______________________________________________________________________

___________________________________________________________________________

Você já ouviu falar em leitura de imagem? O que é ler uma imagem?____________________

___________________________________________________________________________

Você costuma levar seus educandos para visitar exposições de arte? Por quê?_____________

___________________________________________________________________________

ANEXO C - QUESTIONÁRIO AOS EDUCANDOS

COLÉGIO ESTADUAL PROFESSOR ULISSES CABRAL

EDUCANDO (A): __________________________________________________IDADE ___

1) O que torna algo arte? _______________________________________________________

___________________________________________________________________________

2) O faz com que algo não seja arte?______________________________________________

___________________________________________________________________________

3) O que é ler uma imagem? ____________________________________________________

___________________________________________________________________________

ANEXO D - DECLARAÇÕES

DECLARAÇÃO

Eu,__________________________________________________________________,Diretorado

ColégioEstadualProfessorUlissesCabral,emAntônioPrado,matrícula

__________________________,portadoradoCPF:___________________/___edo

RG:_____________________________autorizoapesquisaefuturapublicaçãodefotos

doColégio,históricodainstituição,exposições,produçõesartísticas,falas

sobreacompreensãoestéticaeleiturasdeimagensdoseducandosde5ª

série.Asatividadesdesenvolvidasnoanode2003nasaulasdeArte,soba

coordenaçãodaeducadoraemArteMaraAparecidaMageroGalvani,

portadoradoCPF:681845810/68edoRG:4049523287foramregistradas

paraotrabalhodepesquisaparaobtençãodotítulodeMestre,em2005,

poisamesmaestácursando

oMestradoemEducaçãoeArte,naLinhade

PesquisaOSujeitodaEducação:Conhecimento,LinguagemeContextos,soba

orientaçãodaProfª.Drª.AnaliceDutraPillar,naUniversidadeFederaldo

RioGrandedoSul(UFRGS),emPortoAlegre.

Sem mais a declarar,

________________________________

Assinatura da Diretora

AntônioPrado,22desetembrode2003

DECLARAÇÃO

Eu,__________________________________________________________________,Supervisora

pedagógicadoturnodatarde,doColégioEstadualProfessorUlissesCabral,

emAntônioPrado,matrícula_________________________,portadoradoCPF:

___________________/___edoRG:____________________________autorizoapesquisae

futurapublicaçãodefotosdoColégio,históricodainstituição,exposições,

produçõesartísticas,falassobreacompreensãoestéticaeleiturasde

imagens

doseducandosde5ªsérie.Asatividadesdesenvolvidasnoanode

2003nasaulasdeArte,sobacoordenaçãodaeducadoraemArteMara

AparecidaMageroGalvani,portadoradoCPF:681845810/68edoRG:

4049523287foramregistradasparaotrabalhodepesquisaparaobtenção

dotítulodeMestre,em2005,

poisamesmaestácursandooMestradoem

EducaçãoeArte,naLinhadePesquisaOSujeitodaEducação:Conhecimento,

LinguagemeContextos,sobaorientaçãodaProfª.Drª.AnaliceDutraPillar,

naUniversidadeFederaldoRioGrandedoSul(UFRGS),emPortoAlegre.

Sem mais a declarar,

________________________________

Assinatura da Supervisora pedagógica

AntônioPrado,22desetembrode2003



DECLARAÇÃO

Eu,__________________________________________________________________,

ViceDiretoradoturnodatarde,doColégioEstadual

ProfessorUlissesCabral,emAntônioPrado,matrícula

_________________________,portadoradoCPF:

___________________/___edoRG:____________________________

autorizoapesquisaefuturapublicaçãodefotosdo

Colégio,históricodainstituição,exposições,produções

artísticas,falassobreacompreensãoestéticaeleiturasde

imagens

doseducandosde5ªsérie.Asatividades

desenvolvidasnoanode2003nasaulasdeArte,soba

coordenaçãodaeducadoraemArteMaraAparecida

MageroGalvani,portadoradoCPF:681845810/68edo

RG:4049523287foramregistradasparaotrabalhode

pesquisaparaobtençãodotítulodeMestre,em2005,

pois

amesmaestácursandooMestradoemEducaçãoeArte,na

LinhadePesquisaOSujeitodaEducação:Conhecimento,

LinguagemeContextos,sobaorientaçãodaProfª.Drª.

AnaliceDutraPillar,naUniversidadeFederaldoRio

GrandedoSul(UFRGS),emPortoAlegre.

Sem mais a declarar,

________________________________

Assinatura da Vice-Diretora



AntônioPrado,22desetembrode2003

DECLARAÇÃO

Eu,_______________________________________________________

portador(a) do CPF: ___________________/____ e do

RG:____________________________ autorizo a futura publicação de

fotos, trabalhos artísticos, falas sobre a compreensão estética e leituras

de imagens, do(a) meu (minha)

filho(a)_____________________________________, de_________

anos, educando(a) da 5ª série do Colégio Estadual Professor Ulisses

Cabral, em Antônio Prado, no ano de 2003. As atividades

desenvolvidas com os educandos nas aulas de Arte, sob a coordenação

da educadora em Arte Mara Aparecida Magero Galvani, portadora do

CPF: 681845810/68 e do RG: 4049523287 foram registradas para o

trabalho de pesquisa para obtenção do título de Mestre, em 2005, pois a

mesma está cursando o Mestrado em Educação e Arte, na Linha de

Pesquisa O Sujeito da Educação: Conhecimento, Linguagem e

Contextos, sob a orientação da Profª. Drª. Analice Dutra Pillar, na

Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), em Porto

Alegre.

Sem mais a declarar,

________________________________

Assinatura do pai, mãe ou responsável



AntônioPrado,22desetembrode2003



ANEXO E – CENTRO HISTÓRICO DE ANTÔNIO PRADO

Reprodução do Guia sonorizado da Rota Cultural Memória e Identidade: Antônio

Prado Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, coordenado por Fernando Roveda.

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