( PDF ) A função do melodrama nos contos queirozianos

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UNESP UNIVERSIDADE ESTADUAL PAULISTA

“JÚLIO DE MESQUITA FILHO”

Faculdade de Ciências e Letras

Campus de Araraquara - SP

CILA

MARIA

JARDIM

A FUNÇÃO DO MELODRAMA EM ALGUNS CONTOS QUEIROZIANOS

RARAQUARA

- SP

2008

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CILA MARIA JARDIM

A FUNÇÃO DO MELODRAMA EM ALGUNS CONTOS QUEIROZIANOS

Tese apresentada ao Programa de Pós

Graduação em Estudos Literários da

Faculdade de Ciências e Letras –

Unesp/Araraquara, como requisito para

obtenção do título de Doutor em Estudos

Literários.

Orientador: Prof. Dr. Luiz Gonzaga

Marchezan

RARAQUARA

- SP

2008

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Jardim, Cila Maria

A função do melodrama em alguns contos queirozianos/

Cila Maria Jardim. – Araraquara

150f.

Tese – Doutorado – Faculdade de Ciências e Letras –

Universidade Estadual Paulista, Araraquara, 2008.

1.Eça de Queiroz 2.Contos 3. Melodrama I. Cila Maria

Jardim II.

A função do melodrama em alguns contos

queirozianos.

CILA MARIA JARDIM

A FUNÇÃO DO MELODRAMA NOS CONTOS QUEIROZIANOS

Tese apresentada ao Programa de Pós

Graduação em Estudos Literários da

Faculdade de Ciências e Letras –

Unesp/Araraquara, como requisito para

obtenção do título de Doutor em Estudos

Literários.

Data de aprovação: 25/08/2008

EMBROS COMPONENTES DA

ANCA

XAMINADORA

Presidente e Orientador: Prof. Dr. Luiz Gonzaga Marchezan (Unesp – Campus de

Araraquara)

Membros Titulares:

Prof. Dr. Sérgio Vicente Motta (Unesp - Campus de São José do Rio Preto)

Prof. Dr. Paulo Elias Franchetti (Unicamp)

Profa. Dra. Maria Celeste Consolin Dezotti (Unesp – Campus de Araraquara)

Profa. Dra. Márcia Valéria Zamboni Gobbi (Unesp – Campus de Araraquara)

Universidade Estadual Paulista

Faculdade de Ciências e Letras

UNESP – Campus de Araraquara

AGRADECIMENTOS

A Deus,

Aos meus Pais e minhas irmãs,

Ao meu Rodrigo, porque um “valor mais alto se alevanta”,

Ao Prof. Dr. Luiz Gonzaga Marchezan, pelo diálogo constante, assegurando os

passos deste estudo; pela seriedade, presteza e atenção diante da dúvida e,

finalmente, pela generosidade em me orientar durante tantos anos.

[...] Quando há dias, no terraço de Savran, ao anoitecer, te

queixavas que eu contemplasse as estrelas estando tão perto

dos teus olhos, e espreitasse o adormecer das colinas junto ao

calor dos teus ombros – não sabias, nem eu te soube então

explicar, que essa contemplação era ainda um modo novo de

te adorar, porque realmente estava admirando, nas coisas, a

beleza inesperada que tu sobre elas derramas. (QUEIROZ,

2001, p.34)

A função do melodrama em alguns contos queirozianos

Eça de Queiroz é o autor mais representativo do realismo em Portugal no

século XIX. Sua produção é composta de vários textos ficcionais e não-ficcionais,

mas são os seus romances que lhe dão maior popularidade. No entanto, a qualidade

da originalidade, assim como a sintonia com o momento histórico e estético no qual

está inserido, permite observar outros textos com maior atenção.

Dentre esses textos, este estudo focaliza os contos, textos literários

breves cuja diegese está em harmonia absoluta com a composição narrativa para

surtir o efeito de coerência e sedução junto ao leitor. Nesse sentido, brevidade,

densidade dramática e linguagem sedutora são recursos importantes que Eça utiliza

com competência em seus contos.

A leitura deles revela que o tema amoroso é recorrente em quatro desses

contos, entre os doze publicados na primeira edição, datada de 1902, além de mais

um título de publicação póstuma. Neles, observa-se que o amor é operacionalizado

em motivos próprios do espetáculo melodramático, conforme o expediente do teatro

praticado nos palcos franceses e portugueses oitocentistas. A hipótese deste estudo

toma essas idéias e sobre elas se desenvolve: examinar a adesão na narrativa breve

dos modelos e comportamentos do melodrama em cinco títulos: “Singularidades de

uma rapariga loura”, “Um poeta lírico”, “No moinho”, “José Matias” e “Um dia de

chuva”. Constata-se, então, que as narrativas se servem de um enredo e percurso

melodramático, valorizando mais ou menos certos aspectos ou tendências

melodramáticas, tanto na forma quanto no conteúdo, envolvendo o leitor e

monitorando suas emoções, com uma preocupação moralizante e didática.

Palavras-chave: Literatura portuguesa. Eça de Queiroz. Conto. Melodrama. Amor.

Drama. Impressionismo. Século XIX.

The function of the melodrama in some queirozian short stories

Eça de Queiroz is the most representative author of the Realism in

Portugal in the 19

century. His production consists of several fictional and non-

fictional texts, but it is his novels that confer the most popularity on him. However, the

quality of originality, as well as of being tuned in to the historical and aesthetic

moment to which he belongs, allow us to observe other texts with closer attention.

Among these texts, this study focuses on the short stories, literary short

texts whose diegesis is in absolute harmony with the narrative composition in order to

foster the effect of coherence and seduction before the reader. Thus, brevity,

dramatic density and seductive language are important resources which Eça

competently employs in his short stories.

Their reading reveals that the love theme is recurrent in four of these short

stories, among the twelve published in the first edition, dated 1902, besides another

title of posthumous publication. In them one observes that love is operationalised in

motifs which are characteristic of the melodramatic spectacle, in accordance with the

expedient of the theatre practised in the nineteenth-century French and Portuguese

stages. The hypothesis of this study takes these ideas and develops from them:

examining the adherence, in the short narrative, to the models and behaviour of the

melodrama in five titles: “Singularidades de uma rapariga loura”, “Um poeta lírico”,

“No moinho”, “José Matias” and “Um dia de chuva”. One notices, then, that the

narratives make use of a melodramatic plot and course, thus valuing more or less

certain melodramatic aspects or tendencies, in both form and content, involving the

reader and monitoring their emotions, with a moralising and didactic concern.

Keywords: Portuguese literature, Eça de Queiroz, short stories, melodrama, love,

drama. Impressionism.19

century.

SUMÁRIO

INTRODUÇÃO .........................................................................................................10

1 O APRENDIZADO DE EÇA DE QUEIROZ COM O TEATRO...............................17

1.1 Os pareceres de Eça de Queiroz sobre o teatro português ..........................26

2 O MELODRAMA....................................................................................................31

2.1 Histórico.............................................................................................................31

2.2 Teóricos do melodrama....................................................................................34

3 OS CONTOS DE EÇA DE QUEIROZ....................................................................45

3.1 Localização literária..........................................................................................48

3.2 Fortuna crítica ...................................................................................................57

3.3 O corpus e a metodologia ................................................................................59

3.4 Teorias sobre o conto ........................................................................... ...........61

3.5. Estudos críticos da obra queiroziana.............................................................68

4 ANÁLISES E CONSIDERAÇÕES .........................................................................72

4.1 “Singularidades de uma rapariga loira”: o melodrama do amor ..................72

4.2 “Um poeta lírico” e o amor não compreendido..............................................89

4.3 “No moinho” e uma história interrompida....................................................100

4.4 “José Matias”, um amor impossível..............................................................115

4.5 “Um dia de chuva” ..........................................................................................128

CONSIDERAÇÕES FINAIS....................................................................................136

REFERÊNCIAS.......................................................................................................143

BIBLIOGRAFIA CONSULTADA ............................................................................148

NTRODUÇÃO

[...]

A minha impressão é que vous sortez um très grand personnage.

Homem de ciência, você, amigo, era, ainda não há muito tempo, um

simples amador, um diletante em artes e letras. Com os contos,

sobretudo depois da Pesca do salmão, da carta ao Ramalho sobre a

Holanda, você deixou de ser um amador e passou a ser um escritor.

(QUEIROZ

, 1961, p. 99)

A recorrência do tema amoroso na Literatura é indiscutível. Desde os

primeiros registros literários até a contemporaneidade, o amor comparece como

elemento comum em períodos que possuem comportamentos diferentes entre si.

Isso quer dizer que, por mais variadas e distantes que sejam, as estéticas não

desprezam o sentimento amoroso, mesmo que tomado em ângulos diversos,

constituindo uma literatura imensa cujo tema central é o amor.

Tradicionalmente, considera-se a escola romântica como a que levou tal

sentimento às últimas dimensões (as razões dessa ocorrência não cabem aqui

discutir). Determinada produção desse período faz do amor causa da vida ou da

morte, da felicidade ou do infortúnio aparente, já que o romântico entende a morte

como meio de purificação.

Esse universo propagado obtém sucesso junto ao público leitor. No

entanto, para alguns escritores contemporâneos do século XIX, o mundo romântico

é uma ilusão “debilizadora” dos seres que os levam a situações irreais. É por essa

perspectiva que a Geração de 70 portuguesa vê o Romantismo e por isso o

combate. Eça de Queiroz, nas Conferências Democráticas do Cassino Lisbonense,

proclama a necessidade de novos rumos na Literatura: a estética romântica perdera

sua validade. Segundo ele, era preciso uma literatura sintonizada com as

circunstâncias vividas.

Eça de Queiroz torna-se, assim, o nome exponencial da prosa realista

portuguesa, embora possa ser verificada na sua produção, segundo estudiosos e

pesquisadores, um momento primeiro ainda com alguns vínculos românticos,

principalmente no que se refere ao clima misterioso criado nas narrativas dessa

fase. Porém, na sua fase dita “realista” enfatiza o caráter danoso que o amor possui,

tal como outros comportamentos românticos plasmados na narrativa. Como afirma o

Carta ao Conde de Ficalho, escrita em 1886, conforme Referências.

próprio escritor, seu objetivo era compor o painel da sociedade portuguesa e nele

não desprezou a possibilidade de criticar os valores românticos, conforme enuncia

na sua conferência do Cassino Lisbonense: a arte deve viver das idéias, e não dos

sentimentos. (QUEIROZ, 2000, p. 25)

Se Eça desenvolveu essa idéia nos romances, estendeu-a também aos

contos. Sua produção contista é composta por publicações póstumas e

semipóstumas. Reunidos pela primeira vez em 1902, com a publicação a cargo de

Luís de Magalhães, os contos ganham edição crítica em junho de 2003, apoiadas no

espólio depositado na Biblioteca Nacional de Lisboa que, juntamente com a

Imprensa Nacional – Casa da Moeda, são responsáveis pela edição e publicação.

Realizadas as leituras dos contos, observam-se neles certas recorrências.

Uma delas é o combate a determinados temas e posturas românticas, como o amor

inquestionável, a leitura de obras que induzem ao sonho e à ilusão, conforme prega

a visão realista. Junto a estes, desponta a presença do sentimento amoroso, quer na

sua forma mais intensa, que na sua forma manifestada apenas pela admiração.

Nota-se que, nas narrativas cujo núcleo é o amor e/ou seus desdobramentos, ocorre

a ironia mais ou menos velada: são apresentadas as conseqüências morais e

emocionais (quando não as físicas) daqueles que vivenciam tal sentimento. Para

isso, o autor português se serve da modalidade teatral amplamente desenvolvida no

período romântico: o melodrama. Ironicamente – marca de sua produção –, Eça se

utiliza de uma espécie muito apreciada no Romantismo e a operacionaliza de forma

tal que evidencia os prejuízos morais e outros infortúnios daqueles que amam.

De acordo com a leitura realizada da edição organizada e estabelecida

por Beatriz Berrini (2000) e da edição crítica Contos II, os títulos eleitos para objeto

de estudo e que, portanto, constituem o corpus desta pesquisa são:

– “Singularidades de uma rapariga loura”;

– “Um poeta lírico”;

– “No moinho”;

– “José Matias”;

– “Um dia de chuva”.

As leituras desses contos permitem observar que a temática amorosa é

nuclear para o desenvolvimento da narrativa. Em “Singularidades de uma rapariga

loura”, Macário é fortemente atraído por Luísa; “No moinho” traz à tona a intensa

atração de Maria da Piedade por Adrião, assim como em “Um poeta lírico” o amor

que Korriscosso nutre por Fanny é responsável pelas composições poéticas que ele

realiza e faz dele um poeta lírico. Também em “José Matias” há a ocorrência do amor

platônico, porque José Matias assim deseja, irrealizável. “Um dia de chuva” comporta

a história bem sucedida de José Ernesto e Maria Joana, por quem se interessa à

medida em que esta vai, aos poucos e pelas falas de outras personagens, surgindo

na narrativa, em meio a dias chuvosos. Em todas essas narrativas breves, constata-

se a recorrência de certas etapas e elementos próprios do melodrama. Como se

sabe, este alcançou grande repercussão no século XIX, mas seu alcance vai além

desse período. Philippe Rouyer (1987, p. 98) afirma que essa modalidade é a forma

teatral da pós-modernidade, veiculado nas telas de tevê e de cinema.

Tendo em vista a viabilização da proposta desta pesquisa, efetivou-se

uma investigação sobre a estrutura do melodrama, bem como suas principais

manifestações e estudos a seu respeito. Para isso, foram realizadas leituras de

diferentes fontes, não apenas de ordem crítica, mas também informativa.

Observa-se que desde as suas primeiras aparições com Pixérécourt

(THOMASSEAU, 2005), considerado o pai do gênero, o melodrama não perde de

vista o princípio da moralidade, da virtude triunfante. Com esse intuito, utiliza todos

os recursos visuais (e mesmo sonoros, na sua origem), tornando as cenas ricas na

sua ambientação; daí o cuidado com a descrição espacial. É preciso envolver e

impressionar a platéia, avultar sentimentos para que ela esteja sintonizada e de

acordo com a moral que se pretende estabelecer. Diante disso, pode-se dizer que o

melodrama tem pilares já na Arte poética de Aristóteles: a ação apresentada deve

despertar na platéia algum tipo de reação, e é isso que pretende o melodrama. A

intenção didática se faz presente também nos contos selecionados: Eça quer corrigir

pela evidência conjugada ao proveito da adesão emocional o que considera um

equívoco. Para sua geração, a produção voltada para histórias calcadas na ilusão ou

em sentimentalismos geram fantasias distantes da realidade, o que leva o leitor e,

por extensão, a sociedade, a uma condição alienada e sonhadora. Essas

preocupações são verificadas: Macário, de “Singularidades de uma rapariga loura”,

sacrifica sua felicidade amorosa em nome da honestidade, caráter herdado da sua

família (Luísa, por quem ele se apaixona, é flagrada roubando um anel na joalheria).

Também em “No moinho” observa-se a punição a quem ousa romper com a virtude.

Maria da Piedade cai em desabono moral ao deixar filhos e marido doentes em nome

das leituras românticas e da paixão por Adrião.

Em “José Matias” e “Um poeta lírico” essa vertente – a da moralidade – se

opera de maneira diversificada. No primeiro, assiste-se a história de um homem que

mantém, no mínimo, grande admiração por Elisa Miranda. Casada, parece

corresponder aos olhares insistentes de José Matias. Quando o aparente obstáculo

que impede a união do casal (como é freqüente no melodrama) – o fato de ela ser

casada – é removido, pois Elisa enviúva, José Matias não se aproxima; ao contrário,

distancia-se enormemente. O infortúnio cumpre-se ao extremo: José Matias falece,

sem efetivar seu relacionamento amoroso, ainda que platônico. Portanto, há um

drama amoroso, mas resolvido apenas pelos olhares, numa espécie de voyeurismo.

Também à distância, embora fisicamente próximo, a personagem

Korriscosso de “Um poeta lírico” ama. Ele, homem sensível a toda natureza de

manifestação, não tem seu amor correspondido por Fanny, que ama um soldado

rude e grosseiro. Korriscosso sente-se mergulhado em profunda tristeza, pois sua

amada não compreende os poemas feitos para ela, escritos em grego, língua

desconhecida por ela. Assim, o “amador” vive seu infortúnio: apesar de próximo ao

ser amado, depara-se com sua incompreensão. Como se observa, em nenhum dos

contos é visualizado o final feliz e, de fato, segundo Huppes (2000, p.38), o final feliz

não é um comportamento normal no melodrama quando a temática focalizada é a da

felicidade sentimental. Esse fato é previsto no cânone melodramático. Nele, o amor é

relegado a segundo plano diante da honra e por isso conhece a renúncia e o

sacrifício, ainda podendo levar à morte de um dos protagonistas, como pode ser

constatado em “José Matias”.

Outro comportamento dos textos melodramáticos apontado por Brooks

(1974, p.352) é o caráter hiperbólico de uma situação. Nas suas palavras, o

melodrama é a “retórica do excesso”: a vivência e os comportamentos das

personagens são extremadas, quer no que se refere à questão amorosa, quer no

desenho de seu perfil que antecede a cena de maior intensidade que busca

recuperar a virtude. Nesse sentido, Macário obedece fielmente aos preceitos da

honestidade familiar, mas não questiona o comportamento de Luísa até o momento

flagrante final; Maria da Piedade é a mulher assexuada que vive para seus familiares

doentes antes de conhecer a paixão desencadeada pelo primo visitante; José Matias

ama em silêncio e à distância, fato que o desequilibra; Korriscosso vive em estado

depressivo por não ser compreendido por sua Fanny, mas quer estar perto dela.

Essa condição parece estar vinculada a uma certa premissa impressionista,

apontada por Hauser (1995, p.914): a de reter o momento fugaz, de viver no

momento e ser absorvido por ele, o que promove uma poética de estados de alma.

Segundo o crítico, o impressionismo foi o estilo predominante na Europa e se

estendeu a todo tipo de Literatura. Na prosa, as personagens têm descritas suas

disposições e tendências espirituais. De fato, sabe-se da “formação” e da “vivência”

e, portanto, das tendências das personagens nos títulos focalizados, por meio de um

diálogo entre passado e presente. Por isso, a expectativa da impotência e da

desesperança diante da virtude ameaçada das personagens pelo amor se confirma,

para depois se ver restituída, como em “Singularidades de uma rapariga loira”.

A questão da virtude recomposta remete a outro elemento estrutural do

melodrama: o julgamento face à peripécia ocorrida na narrativa. Quando ocorre o

desequilíbrio da virtude, a personagem responsável será julgada e será punida, num

claro comportamento que tem em vista a moralidade. Assim acontece com Luísa, de

“Singularidades de uma rapariga loura” e Maria da Piedade de “No moinho”, mas não

com “José Matias” e “Um poeta lírico”. Nesses últimos, a punição não ocorre, pois

não há um julgamento moral, mas apenas a constatação da situação decadente à

qual o amor conduziu.

Apesar do gênero melodramático ter recebido críticas de toda ordem, desde a

linguagem pouco trabalhada até a superficialidade da intriga (fatores que, entre

outros, justificam o sucesso junto ao público) e mesmo críticos como Hauser (1995,

p.702) o compreendam como uma “tragédia popularizada” ou “corrompida”, não se

pode negar que o princípio aristotélico da arte se cumpre: com o drama, e com a

possível identificação do público com as personagens, vêm à tona sentimentos de

compaixão, e então ocorre a expurgação deles e absorção de uma máxima moral.

Ainda que diferente do refinado gosto clássico, o melodrama, nas palavras do

mesmo Hauser (1995, p.702), “é tudo, menos uma arte espontânea e ingênua”.

Se o melodrama é o oposto do teatro clássico e sua proposta é “tomar os

assuntos da sociedade contemporânea e colocar em cena o povo e a vida ordinária”

(FACHIN, 1992, p.223), Eça toma por empréstimo essa modalidade para “encenar” a

sociedade na qual estava inserido e, a partir de então, evidenciar o desgaste e

desequilíbrio aos quais as pessoas são expostas ao incorporarem os valores

românticos. Mais do que isso, esses valores não convinham, não acrescentavam.

Eça de Queiroz vai ao ponto caro romântico: o sentimentalismo. Ironicamente, serve-

se de uma espécie teatral romântica por excelência para criticar o próprio

Romantismo pelas vias do sentimento amoroso. Portanto, o amor sustenta a ironia

presente no melodrama.

Tal hipótese adveio dos estudos efetuados na dissertação de Mestrado. Nela,

foi estudada a configuração do amor em dois contos específicos, “Singularidades de

uma rapariga loira” e “No moinho” e, a partir de então, examinou-se a ocorrência

regular de certos pressupostos típicos do melodrama também em outros títulos

acima referidos. Portanto, a proposta desta pesquisa dá continuidade ao estudo

anterior: a tese deste trabalho propõe a utilização do modelo melodramático pelo

escritor Eça de Queiroz como forma de enfatizar a proposta da estética realista.

Em suma, os estudos realizados para a investigação da tese proposta

sobre a qual se debruça este trabalho se compõem da seguinte forma:

– recepção e posicionamento de Eça de Queiroz e sua geração diante do

teatro português;

– histórico do melodrama enquanto forma teatral;

– estrutura melodramática; tradição e atualização da forma;

– busca de fortuna crítica sobre o melodrama;

– produção contista queiroziana (publicações e edições);

– pesquisa de fortuna crítica sobre os contos queirozianos;

– análise das estruturas dos contos;

– conclusão.

Para a realização deste estudo e examinar a ocorrência e a adesão à

estrutura melodramática e, conseqüentemente, os efeitos e os sentidos gerados por

ela, são convocadas metodologias de análise textual apropriadas, notadamente os

conceitos da narratologia e, por empréstimo – a fim de corroborar as análises –, os

da semiótica. Ao eleger esses meios de análise literária não se pretende inventariar

conceitos teóricos próprios dos estudos literários, mas se servir de meios eficientes

que permitam perceber a construção da literariedade da narrativa, especialmente,

para este estudo, a da narrativa breve produzida por Eça de Queiroz.

Vale dizer que a grafia do sobrenome do autor adotada neste trabalho

segue a mesma utilizada pelo autor (e, por conseguinte, pela Fundação Eça de

Queiroz), salvo os casos de títulos de obras.

1 O APRENDIZADO DE EÇA DE QUEIROZ COM O TEATRO

Ao examinar a aproximação dos contos queirozianos do espetáculo

melodramático é importante compreender qual conhecimento o escritor português

possui dessa modalidade teatral e, assim, examinar a sua presença na produção

contista, especialmente nos títulos cujo tema norteante é o amoroso.

Diplomata, Eça de Queiroz é transferido para o consulado de Newcastle

em novembro de 1874, onde se familiariza com a língua e cultura inglesa. Lá,

mantém contato com Ramalho Ortigão (amigos desde o tempo em que estudaram

juntos na Universidade de Coimbra) por meio de cartas, pelas quais se conhecem as

impressões negativas de Eça sobre Newcastle. Embora a cidade tivesse crescido

populacionalmente, o que retém a atenção do escritor é o aspecto acinzentado da

cidade (exportadora de carvão) e a vida dos trabalhadores. Culturalmente, o lugar

não o interessa. Também em carta a Ramalho, datada de abril de 1878, queixa-se:

[...] neste degredo, faltam-me todas as condições da excitação

intelectual. Há um ano que não converso. O mundo inteligente

aparece-me apenas como uma coisa confusa e enevoada, através

da prosa dos jornais de Londres. (QUEIROZ, 2000, p.885).

Cansado desse lugar, pede transferência para Bristol em 1879, onde vive

dias intelectualmente mais interessantes, como atesta sua carta a Mariano Pina,

datada de 1885 (QUEIROZ, 2000, p.912). Além da atividade diplomática, Eça

continua sua produção literária na Inglaterra: em Newcastle-on-Tyne conclui O primo

Basílio, e em Bristol, A capital. Depois de lá, serve o consulado de Paris a partir de

outubro de 1888 até a sua morte, em 1900. Essa é uma cidade que lhe agrada

muito, como se pode constatar na carta ao autor de Portugal Contemporâneo,

datada de agosto de 1888, dois meses antes da instalação do autor na cidade:

Paris, como sabes, também tem sido o meu sonho. Os motivos que

me fazem desejar Paris são tão compreensíveis que nem a eles

aludo. Os motivos que o governo teria em me mandar para Paris são

também óbvios. O pouco que eu valho poderia ser de alguma

utilidade para o País, estando eu em Paris; em Bristol é que lhe não

sou de utilidade nenhuma porque carimbar manifestos de carvão

tanto o pode fazer um garçon de bureau como eu. Em Paris as

minhas relações imediatas de literatura e de imprensa não seriam

talvez de pequena valia. (QUEIROZ, 1988, p.692)

Eça de Queiroz entusiasma-se com a vida cultural que Paris pode

proporcionar-lhe, ao contrário de Havana, a qual se refere, em 1873, como um

“depósito de tabaco” (QUEIROZ, 1988, p.246). Na capital francesa, o agora casal

Eça de Queiroz e Emília de Castro Pamplona possui uma vida calma, o que o

escritor chama de petit bourgeois retiré (conforme sua Correspondência), recebendo

alguns amigos brasileiros (Eduardo Prado, Paulo Prado e Domício da Gama) e

tantos outros portugueses. Esse “afastamento” da sociedade – o que pode levar a

pensar numa certa “alienação” da realidade do país em que vive ou do seu país –, é

apenas aparente. Eça mantém-se atualizado dos acontecimentos em Portugal por

meio das correspondências com seus amigos, recebendo deles folhetins e

reportagens. Ramalho Ortigão é o correspondente mais assíduo, enviando-lhe

longas cartas e números d’As Farpas. Daí a importância dessa documentação

epistolar: por meio dela, o autor mantém-se atualizado sobre os acontecimentos

portugueses e, a partir deles, tira sua conclusões. Mas, se Eça recebe informações

de Portugal (se bem que visita o país nas férias) também envia informações para ele

sobre a realidade francesa, escrevendo crônicas para jornais e revistas (Revista de

Portugal e Revista Moderna) e também em periódico brasileiro (Gazeta de Notícias).

Nesses textos, trata de questões atuais, como o anarquismo, a expansão colonial

francesa, o caso Dreyfus, etc, o que anula a idéia de que Eça não se interessa pelo

contexto social do local onde reside.

Mais evidente que o acompanhamento dos acontecimentos histórico-

sociais é o interesse pelo ambiente cultural que Paris oferece. No seu ensaio “O

francesismo”, publicado postumamente em 1912 e incluído nas “Últimas Páginas”

(escrito, provavelmente entre 1877 e 1878, de acordo com Medina, 1972), Eça

afirma que crescera em meio à cultura francesa, desde bebê, incluindo seus estudos

na Universidade de Coimbra. De fato, a cultura francesa não lhe causa

estranhamento: além do idioma pelo qual transita com familiaridade (as cartas

trocadas com os filhos, quando estão em férias ou quando está em viagem a serviço

do consulado, são escritas em francês), Eça conhecia os romances franceses, dos

quais é leitor. Se por um lado diz no artigo mencionado que Portugal é quase uma

“tradução” da França (fala sua essa ouvida também na personagem Fradique

Mendes) – pois os lusitanos procuram seguir o modo de pensar e agir dos franceses

–, por outro constata-se a satisfação de trabalhar e morar na França e, ainda, a

admiração pela literatura francesa.

Se Eça conhece tão bem a literatura francesa, é bem possível que tenha

conhecido o teatro praticado nos palcos franceses do período, e comparado àquele

desenvolvido em Portugal. Na França, a partir da segunda metade do século, os

melodramas começam a perder o fôlego. Aqueles tidos como “melodramas

clássicos”, cujo maior representante é Pixérécourt, sofrem intervenções, resultando

em quatro tipos: o militar, o de costumes e naturalista, de aventuras e exploração e o

policial e judiciário. Com o passar do tempo, esses dramas não se alteram,

tornando-se desinteressantes, distantes, a princípio, das renovações vistas nos

romances. Assiste-se, então, a peças de técnicas e temas tradicionais, já que nas

narrativas as inovações são claras. Zola, em seu texto O naturalismo no teatro,

datado de 1881, trata da situação do drama francês (chega a sublinhar que há duas

literaturas paralelas e diferentes: a teatral e a do romance), apontando a decadência

do teatro romântico e propondo a exibição da realidade nos palcos, a partir da

observação:

[...] Parte-se deste ponto: a natureza basta; é necessário aceitá-la tal

como ela é, sem modificá-la e sem nada cortar-lhe; ela é bastante

bela, bastante grande para trazer consigo um começo, um meio e um

fim. Em lugar de imaginar uma aventura, de complicá-la, de dispor

lances teatrais que, de cena em cena, a conduzem a uma conclusão

final, torna-se simplesmente na vida a história de um ser ou de um

grupo de seres, cujos atos são registrados fielmente. (ZOLA, 1982,

p.92).

Para Zola, o Romantismo teve o mérito de romper com o teatro clássico e

propor o espírito inovador também nas letras, tanto no romance como no teatro. Mas

tal como acontece com o período anterior, o movimento não apresenta nenhuma

inovação significativa após a sua “eclosão”, utilizando os mesmos procedimentos, o

que o leva ao envelhecimento e à acolhida de um novo momento com outros

referenciais de criação: “não julgo, observo”, afirma Zola (1982, p.102), princípio

naturalista esse que deve nortear também a arte dramática, estagnada na época,

segundo ao autor. Condena, então, os enredos dramáticos distanciados da verdade,

daquilo que é possível constatar na realidade dos costumes, o que leva a um

artificialismo de situações:

Espero que nos libertem das personagens fictícias, destes símbolos

convencionais da virtude e do vício que não tem nenhum valor como

documentos humanos. [...] Espero que não haja mais escamoteação

de nenhuma espécie, toques de varinha mágica, mudando de um

minuto a outro as coisas e os seres. Espero que não nos contem

mais histórias inaceitáveis, que não prejudiquem mais observações

justas com incidentes romanescos [...]. (ZOLA, 1982, p.122-3).

Essa situação teatral é conhecida por Eça. Embora sua correspondência

revele que sua vida em Paris é reservada, num dos seus artigos dos Ecos de Paris,

publicado em 13 e 14 de Janeiro de 1894, na Gazeta de Notícias, ele mostra-se

entusiasmado com a representação da Antígona de Sófocles, no Teatro Francês em

Paris, em 21 de Novembro de 1893. Esse texto permite concluir, então, que o autor

acompanha, ao menos de longe, as apresentações de palco. E mais: se aprecia a

tragédia encenada, nada diz sobre outros tipos de apresentações, como se essas

não merecessem sua atenção e mesmo predileção.

No entender de Barata (1993-1994), o autor manteve-se informado sobre

o teatro português por meio de almanaques. Essas publicações serviam de

“sinalizadores” da produção teatral e, normalmente, reproduzem, com pequenas

alterações, as produções francesas. De fato, Buescu (1997, p.314) sublinha que

Portugal conhece o melodrama pelas vias francesas, com traduções dos dramas

negros de Baculard d’Arnaud e dos dramas de Pixérécourt, além dos de Diderot e

Beaumarchais. A autora afirma que muitos autores cultivam o gênero em Portugal, e

elenca os mais significativos e suas respectivas peças. Daí a manifestação do

escritor português no já citado texto “O francesismo” (MEDINA, 1972) em que

observa a “cópia” da cultura estrangeira, em especial a francesa, em Portugal. As

ocorrências desse “estrangeirismo” são constatadas em vários setores, como

alimentação, vestuário, linguagem, política e também na arte, especialmente nos

romances. Seguem-se, “como patos” escreve Eça (2000b, p.301), os passos de

Zola, mesmo que isso leve a uma implicação moral, como, exemplifica o autor, o

caso do escritor que, na Franca, descreve cenas íntimas entre os pais. Para Antero

de Quental, isso seria repetido pelos jovens poetas portugueses, o que, de fato,

ocorre.

O texto faz menção, de forma breve, aos palcos. Segundo Eça, logo

quando chega a Portugal vê o cartaz anunciando a representação de “cançonetas

francesas no Casino, a brilhante Mme. Blanche, e a incomparável Blanchisseuse”

(QUEIROZ, 2000b, p.298). Conclui, então que “nem nos palcos, nem nos armazéns,

nem nas cozinhas, em parte alguma restava nada de Portugal.” (QUEIROZ, 2000b,

p.298). Essa invasão do viver francês conjugada com a aceitação e adesão pela

sociedade portuguesa faz com que a originalidade do povo português seja diluída,

mesclando-se com princípios e criações de outros povos. O olhar de Eça é de um

diplomata e de um intelectual que, visualizando à distância, enxerga com maior

nitidez o processo social lusitano. É necessário considerar também a época da

produção dessas reflexões “bioliterárias”, como aponta Berrini (2000b, p.291): Eça já

conhecera o realismo (advindo, aliás, da França, como ele mesmo afirma) e aponta

a sua decadência. Portanto, trata-se de um homem experiente, quer

profissionalmente, quer literariamente, o que anula os riscos de um deslumbramento

juvenil.

A perda da originalidade levantada anteriormente não é uma questão

nova para a época e mesmo a problemática do teatro nacional português já era

conhecida desde os tempos neoclássicos. Os árcades portugueses discutem vários

aspectos do universo das letras, entre eles a restauração do teatro português,

porque acreditam que ele está fortemente influenciado pelo teatro espanhol e

italiano (CARREIRA, 1988). Assim, textos de natureza teórica tratam da comédia, da

tragédia ou do drama de modo geral. O denominador comum entre eles é a

conclusão de que o teatro é um meio de instrução, idéia essa plasmada nos textos

encenados, quer sejam originais, quer sejam traduções. Assiste-se, então, a um

grande interesse pelo teatro, tanto que poucos anos após a destruição de Lisboa

pelo terremoto de 1755, duas salas são reconstruídas. Diante da grande adesão

popular ao teatro, o governo português cria a Mesa Censória em 1768 como

“regulador” daquilo que poderá ser visto nos palcos. Esse órgão de censura evolui,

em 1795, para o Santo Ofício da Inquisição.

Examinando os títulos das peças autorizadas e impressas no período da

rigorosa censura, verifica-se a primazia de comédias e óperas traduzidas ou

adaptadas, na maioria das vezes. Enquanto a Europa conhece uma nova visão de

mundo, Portugal, graças à censura estabelecida, não permite que seja veiculado nos

palcos qualquer subsídio para essa transformação.

É em 1836 que o teatro português ganha novo fôlego: Almeida Garrett é

encarregado de preparar um planejamento para o Teatro Nacional, plano esse que

compreende a formação de atores e a premiação de peças. A meta é que haja o

“aperfeiçoamento da nação portuguesa” (GARRETT, 1836 apud REBELLO, 1978,

p.13), objetivo justificado pelo contexto de reconstrução nacional da época. Assim,

predominam os dramas históricos, que mais tarde são substituídos pelos dramas e

comédias da “atualidade”, isto é, com a apresentação de costumes contemporâneos.

O passado, acredita-se, cede espaço ao considerado atual. No entanto, para

Rebello (1978, p.18), trata-se apenas de uma variante do melodrama histórico.

Interessa observar que o mesmo Almeida Garrett, no romance Viagens na

minha terra, avalia a dramaturgia portuguesa da época. Sem nomeá-lo, ataca o

melodrama por considerar essa forma teatral um espetáculo cansativo e repetitivo, e

nem sempre compreensível. O fragmento é o seguinte:

É o destempero original de um drama plusquam romântico, laureado

das imarcescíveis palmas do conservatório para o abrimento das

nossas bocas! Lá de longe aplaude-o a gente com furor, e esquece-

se que fumou todo o primeiro ato cá fora, que dormiu no segundo, e

conversou nos outros, até a cena da xácara, do subterrâneo, do

cemitério, ou quejanda; em que a dama, soltos os cabelos e em

penteador branco, endoidece com rigor, - o galã, passando a mão

pela testa, tira do profundo tórax três ahs! do estilo, e promete matar

seu próprio pai que lhe apareça, - o centro perde o centro da

gravidade, o barbas arrepela as barbas... e maldição, maldição,

inferno!... ‘Ah mulher indigna, tu não sabes que neste peito há um

coração, que neste coração saem umas artérias, destas artérias

umas veias – e que nestas veias correm sangue... sangue, sangue!

Eu quero sangue, porque tenho sede e é de sangue... Ah! Pois tu

cuidavas? Ajoelha mulher, que te quero matar... esquartejar,

chacinar’ – e a mulher ajoelha, e não há remédio senão aplaudir... E

aplaude-se sempre” (GARRETT, 1992, p. 174).

O que se nota é que, apesar da crítica em favor de um teatro

legitimamente português, as dramatizações seguem o modelo francês, o melodrama.

Isso é mais patente se se pensar que a peça premiada em um concurso cuidado

pelo próprio Garrett, cujo intuito é o de resgatar o teatro verdadeiramente nacional,

segue os mesmos preceitos melodramáticos, conforme Verdasca (2002).

A adesão do público português ao teatro é grande, prova disso é o

significativo número das salas teatrais: em 1871, na capital Lisboa, com 200 mil

habitantes, existem oito teatros (os da rua dos Condes, do Salitre, de S. Carlos, D.

Maria II, Ginásio, Príncipe Real, Trindade e Taborda). Até o final do século, são

construídos mais três, além de outras salas menores, de curta duração, para

apresentação de circos e outras variedades artísticas. Nas outras cidades, somam-

se 75 salas de espetáculos (REBELLO, 1978). Assim, de acordo com Barata (1993-

1994), o teatro era assunto nas rodas sociais portuguesas, o que demonstra o

interesse pelo acontecimento cultural, mesmo que ele não atingisse um nível

intelectual interessante já que, como mencionado, as peças apresentadas eram

adaptações, quando não traduções.

Apesar desse interesse pela arte teatral (não exatamente pela arte,

segundo Eça, como se verá adiante), existem diferenças entre aquilo que é

veiculado nos romances das literaturas estrangeiras e o que se assiste nos palcos,

como afirmara Zola (1982), que são, tematica e tecnicamente, consideráveis.

Enquanto títulos como Introdução à medicina experimental, de Claude Bernard,

Educação sentimental, de Flaubert, Crime e castigo, de Dostoiïevski, Guerra e Paz,

de Tolstoi, para mencionar alguns, surgem no cenário literário, em Portugal, em

1869, A morgadinha de Valflor, de Pinheiro Chagas, enchia as salas de espetáculos.

Assim ocorre com dramaturgos como Costa Cascais e Gomes de Amorim. O tom

moralizante perdura até o final do século, apesar da ocorrência das Conferências

acontecidas no Casino Lisbonense (ainda que tenham acontecido ataques contra a

postura romântica, no mesmo ano é encenado O condenado, de Camilo Castelo

Branco, espetáculo que mantém o tom da postura criticada). As poucas peças de

teor realista, por serem anticlericais, proibidas em Portugal e também no Brasil,

ainda seguem os modelos convencionais do teatro romântico. É o caso de António

Enes, escritor e político que consegue levantar polêmica entre a população, mais

pela ousadia temática das peças do que pela qualidade dos textos encenados.

Esse é o panorama do teatro português no século XIX. A crítica a ele e a

visualização de uma nova postura é feita, com maior contundência, nas

Conferências Democráticas do Casino Lisbonense, em 1871. Embora nenhuma das

conferências tratasse especificamente do teatro, a de Eça, “A nova literatura: o

realismo como nova expressão de arte”, cujo texto integral se perdeu; o que há são

artigos e comentários publicados em jornais

, propõe

Procurar na sociedade, nas suas lutas, nos seus sofrimentos, nos

seus trabalhos, na sua vida íntima, a matéria da arte. Estudar os

caracteres à luz da psicologia, observar os costumes no que eles

O texto aqui utilizado, incluído numa antologia de Beatriz Berrini, conforme bibliografia, pertence ao

irmão do escritor que reproduz a conferência.

têm de mais exato, de mais real, e desta maneira aprendermos a

conhecermo-nos melhor a nós mesmos, e incitarmo-nos ao

aperfeiçoamento; em uma palavra, o ideal como fim e não como

meio. (QUEIROZ, 2000a, p.24).

Esse princípio, para Eça e sua geração, deve nortear a arte, o que não

ocorria, também, nos palcos portugueses:

Em Portugal há

uma arte realista?

Sem hesitar

respondo com toda

a convicção que

não há.

Percorramos os

inumeráveis

romances que tem

produzido a nossa

literatura, os

dramas dos nossos

dramaturgos, os

recolhimentos de

poesia e, sem

prevenção,

responda-me o

leitor se algumas

destas obras têm o

cunho do realismo,

ou ainda se há

nelas a mais

pequena tendência

para esse ideal.

(QUEIROZ, 2000a,

p.25).

Segundo jornalistas da época, durante a sua fala, Eça percorre a

evolução da literatura francesa, concluindo que o século XIX é, portanto, de

revolução, e não de estagnação como acontecia em solo português. Convicto dessa

idéia, o escritor português escreve n’As farpas em junho de 1871, no texto de

abertura, sobre o teatro em Portugal. Reclama que o público vai ao teatro “não para

o desenvolvimento de uma idéia” (QUEIROZ, 2000b, p.673), mas apenas para estar

na sala, onde pode tratar de interesses mais diversos. O problema, porém, adverte,

estende-se à qualidade das peças: a tradução é praticada em demasia, não há

originalidade nos textos. Não se assiste, portanto, a peças que tratem ou

questionem o contexto português, que possam provocar (ou despertar) a sociedade

portuguesa para as grandes revoluções/transformações que aconteciam em outros

países da Europa.

Mas, se a Geração de 70 avalia criticamente o contexto dramático

português do período, não se dedica a, propriamente, produzir textos para serem

encenados. Dentre os participantes das Conferências Democráticas do Casino

Lisbonense não há autores exatamente dramáticos, o que faz com que os novos

ares proclamados pelos moços de Coimbra na literatura (e especialmente nos

romances) não cheguem ao teatro. O único deles a idealizar algo nesse sentido,

segundo Picchio (1964, p.274), é Teófilo Braga que, numa carta, anuncia a intenção

de compor uma peça em quatro partes, na qual se assista a uma interpenetração de

espírito, carne, ciência, consciência. No entanto, essa idéia se restringe ao papel.

Nem mesmo Eça, que nos tempos em que era aluno em Coimbra atua no Teatro

Acadêmico (fundado com a ajuda do pai de Eça em 1838), participa apenas com

uma tradução, por volta de 1866, do melodrama francês Philidor, de Bouchardy.

Entre a fortuna crítica especializada, poucos são os estudos dedicados à

relação entre o mais representativo autor português realista e o teatro. No entanto,

diante dos textos produzidos por ele nos quais menciona a modalidade dramática, é

possível observar que não aprecia as peças encenadas em Portugal, e critica tanto o

conteúdo apresentado, como a formação de atores, incentivo do governo e outros.

Suas opiniões, incisivas, surgem em cartas, textos jornalísticos, por volta da década

de 70, momento em que o autor defende, convictamente, a estética realista. Eça de

Queiroz observa o teatro português por dois eixos e sobre eles constrói sua crítica: o

primeiro, pela forma como o gênero em si se desenvolve em Portugal, a criação

(suposta); depois, o sentido da atividade cultural que significa ir ao teatro, assisti-lo.

Esses dois caminhos, acredita-se, Eça não perde de vista.

1.1 Os pareceres de Eça de Queiroz sobre o teatro português

Examinando a vasta produção textual queiroziana, especialmente a não

ficcional, encontram-se opiniões do autor sobre o teatro. É interessante notar que

seus pareceres, ainda que não sejam muitos, tratam de aspectos diferentes da arte

teatral, concentrando-se, porém, em dois eixos principais, como mencionado acima.

Embora seja possível localizar referências ao teatro em geral, como no

texto intitulado “A propósito do Termidor” (incluído nas “Cartas familiares” que reúne

crônicas e textos produzidos entre 1893 e 1897) ou em “A Antígona de Sófocles” e

“Les rois de Jules Lemaître”, ambos nos Ecos de Paris, há outros em que é clara a

opinião de Eça sobre o teatro praticado em Portugal. Neles constata-se a discussão

e a problematização de aspectos que se referem à arte dramática, tanto no seu

plano pragmático, quanto no literário. Trata-se de dois artigos publicados n’As

Farpas, crônicas mensais de política, das letras e dos costumes publicadas por Eça

e Ramalho Ortigão entre 1871 e 1872, e reeditadas em 1890-1891 por Ramalho sob

a denominação de Uma campanha alegre.

O primeiro, texto de abertura d’As Farpas em 1871, é bastante incisivo,

mas levanta constatações acerca do teatro mais do que as discute. O assunto

continua em dezembro do mesmo ano com publicação em janeiro de 1872. No

primeiro, aponta que o teatro português se constitui de farsas melancólicas e dramas

cômicos, muitos deles traduzidos do francês, o que significa, para Eça, a baixa

qualidade intelectual para a população. Critica o público feminino: se ele vai ao

teatro, é apenas para ser visto, pois o “espírito tem até preguiça de compreender um

enredo de comédia” (QUEIROZ, 2000b, p.675):

O teatro perdeu a sua idéia, a sua significação; perdeu até o seu fim.

Vai-se ao teatro passar um pouco a noite, ver uma mulher que nos

interessa, combinar um juro com o agiota, acompanhar uma senhora

[...]. Não se vai assistir ao desenvolvimento d’uma idéia, não se vai

sequer assistir à acção d’um sentimento. Não se vai pelo que se

passa na cena; isso sabe-se de antemão que é trivial, insignificante e

inútil. Vai-se como ao Passeio em noites de calor, para estar. No

entanto como é necessário que quando se ergue o pano, se movam

algumas figuras e se troquem alguns diálogos – é esse o único

motivo porque em Portugal pretendem que existe uma literatura

dramática. (QUEIROZ, 2000b, p.673).

A continuação do tema e a sua discussão no texto de dezembro de 1871

é mais extensa e também mais problematizadora. Examina a decadência do teatro e

aponta as causas de forma convicta: a baixa exigência dos portugueses e as

condições industriais e econômicas, elementos observados até mesmo nos cartazes

anunciadores das peças. As comédias que são traduzidas encontram interpretação

grosseira e os dramalhões compostos de naufrágios, incêndios, acabam se

perdendo tecnicamente pelas más condições físicas do teatro (umidades, fios soltos,

etc). Subjacente a essa explicação pragmática, há uma reflexão sobre a sociedade

portuguesa e, por extensão, da sua cultura: a criação dramática é um exercício de

criação difícil, de pouca tradição (Eça afirma que toda a arte dramática de seu país

está concentrada em Frei Luís de Sousa). De fato, se se considerar a presença da

censura governamental atuante no século XVIII, fica justificado o limitado trânsito da

criação no campo da dramaturgia. Além disso, como o interessante apenas é “estar”

no teatro, não é preciso investir na sua capacitação física, muito menos nos seus

detalhes, afinal, para os burgueses da época, o que importa é o exercício social, e

não o cultural.

Antes, porém, de ver o resultado (o fim do teatro português), Eça examina

o processo dessa decadência, as causas que levaram a esse fracasso. Interessa

observar que utiliza o sintagma “literatura dramática” para o teatro; isso quer dizer

que para ele a arte dramática tem importância literária, atuante na formação e no

exercício do intelecto, daí a sua indignação diante do estado em que se encontrava

essa modalidade artística. Há vários elementos alinhados contribuintes para essa

decadência. Primeiro, aponta os escritores que não produzem textos para serem

encenados; segundo ele, os portugueses não possuem o gênio dramático

(QUEIROZ, 2000b). O que se produz são dramas sem profundidade de elaboração,

que não retratam costumes, nem caracteres ou estudos da sociedade. Ironicamente,

Eça afirma existir mais desses elementos numa corrida de touro que nos dramas

passados em Portugal.

O autor também volta-se, novamente, para a platéia e aponta a sua

grande parcela de culpa: esse público entende o teatro como um lugar de encontros,

de visualização de quem vai às salas, uma maneira de sair das casas. Quanto ao

palco, o que é usado pelas atrizes (jóias, rendas) interessa mais do que aquilo que

se diz. O triângulo sem o qual o teatro não avança fecha-se quando se refere aos

atores: eles atuam seguindo um ofício, não uma arte. Salienta, ainda, que o teatro D.

Maria é que guarda alguns artistas natos.

Estabelecido o tripé provedor – todo ele problemático –, Eça questiona a

intervenção do Estado sobre essa situação e constata o papel inoperante dele, afinal

ele subsidia o teatro S. Carlos, onde há teatro italiano – e não se estende a toda a

população, mas a alguns tantos burgueses que acreditam estar diante assistindo a

um espetáculo qualitativo, a que Eça chama de “velho chic pelintra” –, e não custeia

o teatro português. Nesse ponto, o autor parte do mesmo princípio de Garrett, de

que o teatro nacional deve ser incentivado para que a criação dessa literatura

dramática seja motivada. Eça defende com veemência a arte teatral na sociedade,

uma vez que se trata de “elemento poderoso de civilização e de cultura moral”; seu

papel é construtor e regenerador:

Seria um constante apelo da atenção às coisas do espírito; a

subtração duma população ociosa e enfastiada às casas de jogo e

aos lupanares clássicos; uma influência perdurável, penetrante e sutil

nos costumes; uma forte educação pela imaginação; enfim um

elemento sadio na nossa vida, insubstituível e indispensável porque

prende com o que uma cidade tem de mais definitivo e de mais

determinante – a sua inteligência e a sua moral. (QUEIROZ, 2000b,

p.795).

Nesses textos nota-se como Eça compreende a arte dramática:

verdadeiramente, um exercício do intelecto, criação notoriamente literária, cuja

produção em palcos tem efeito moral, pois pode educar o gosto, substituindo valores

degenerativos. Evidencia, também, o seu caráter abrangente e democrático no

sentido da participação de todos nas salas, e não de uma parcela da população.

Além disso, coloca em cena a responsabilidade do Estado frente à formação cultural

da nação e a sua incompetência para visualizar e viabilizar as soluções para que

arte dramática vigorasse.

Em 1893, na Gazeta de Notícias, publicada no Rio de Janeiro, Eça

escreve o artigo intitulado “Positivismo e Idealismo”, no qual trata, entre outros

assuntos, do descrédito do romance naturalista na literatura. Volta-se, então, ao

teatro, e constata que “vemos com espanto a multidão culta correr ao melodrama de

1830 e atulhar os teatrinhos populares, onde se refugiara com as suas

incomensuráveis paixões e horrores” (QUEIROZ, 2000b, p.1252). É fato que o

melodrama alcança sucesso, mesmo entre a população mais esclarecida,

constituindo-se na forma teatral do século.

Vale lembrar, ainda, os tempos em que era aluno em Coimbra. Lá, junto

aos seus companheiros, as dramatizações de Shakespeare, Victor Hugo e outras

traduções do francês são freqüentes, segundo informa o autor numa carta a seu

amigo Carlos Mayer, em novembro de 1867. Quando Teófilo Braga compõe uma

peça, o público não aprecia e logo justifica: o erro estava no fato da composição ser

portuguesa. Eça conta ter atuado em diversas peças, interpretando variados papéis,

o que demonstra seu interesse pela forma.

Também é válido ressaltar a atuação mais direta na produção dramática,

quando traduz para o português o texto Philidor, de Bouchardy (dramaturgo francês,

autor de melodramas de bom público) e o oferece ao teatro D. Maria para

encenação. Embora o texto não tenha sido dramatizado, o intento vale pelo que se

pode depreender dele (aliás, um dos poucos prontuários não destruído pelo incêndio

em 1964 no teatro D. Maria. O texto se encontra, atualmente, junto ao espólio

queiroziano na Bilioteca Nacional de Lisboa). Pelo enredo, sabe-se que há uma

sátira ao modelo melodramático, embora Bouchardy tenha produzido peças assim.

Observa-se, então, que Eça não produz textos para a “literatura

dramática”, como o fez seu tio-avô, autor de aproximadamente 48 dramas. Sua

experiência, até onde as pesquisas em seu espólio permitem afirmar, reduz-se aos

rascunhos de folhas preliminares de uma ópera bufa, denominada “A morte do

diabo”, composta em co-autoria com Jaime Batalha Reis. O espólio também

constata a intenção em dramatizar Os Maias, intento que não se realizou. No

entanto, apesar de não se dedicar a esse tipo de produção, o autor tem consciência

da significativa importância do teatro na formação das sociedades, além de indicador

do nível cultural delas, preocupação demonstrada ao longo de seus textos não-

ficcionais e ficcionais. São os eixos sobre os quais constrói sua observação: o

desenvolvimento do gênero em palcos portugueses e, paralelamente, do gosto da

sociedade. Nota-se, então, Eça como um homem envolvido com os problemas de

seu tempo e de seu país.

2 O MELODRAMA

2.1 Histórico

O conceito do melodrama não permaneceu inalterado ao longo da

história; ao contrário, acompanha as mudanças que esta mesma conheceu. Se no

final do século XIX e XX o termo recebe denotação pejorativa, nos séculos XVIII e a

primeira metade do XIX ele é sinônimo de sucesso. Thomasseau (2005) explica que

as origens do melodrama são encontradas no século XVII, na Itália, quando o termo

se associa a um texto musicado, equivalente à ópera, para, no século seguinte,

tornar-se a terminologia teatral mais “acolhedora”: sob essa denominação, abriga-se

todo tipo de apresentação dramática acompanhada de música e que não obedece

ao teatro clássico. A apresentação sustentada musicalmente na Itália no século XVII

segue dois caminhos mais ou menos distintos: aquele no qual a música se sobrepõe

ao texto, constituindo a ópera, e outro em que o elemento musical é funcional para

sublinhar momentos decisivos de uma peça nos quais o texto se impõe, constituindo,

então, a modalidade teatral a que, genericamente, denomina-se melodrama. É a

partir de 1795 que “melodrama” se associa a apenas dois tipos de apresentação, as

pantomimas e os dramas de ação, modalidades que deixam a música para segundo

plano em favor de um formato mais próximo da pantomima e do romanesco,

portanto, mais voltados para as encenações grandiosas, como nas festas e

celebrações da Revolução (THOMASSEAU, 2005), contribuição essa absorvida pela

estrutura melodramática. Embora o termo seja usual entre os críticos teatrais já na

última década do século XVIII, o mesmo não ocorre entre os autores da época; por

volta de 1802 é que passam a adotá-lo como definição de suas peças.

A partir de então, o melodrama se modela, porém continua a ser o

denominador comum das formas teatrais românticas nascidas nos séculos

seguintes. De fato, alguns elementos típicos dessa modalidade se alteram,

acompanhando a transformação dos costumes sem que, no entanto, a estrutura

mínima melodramática seja modificada, como se discute adiante. Isso possibilita

examinar as peças apresentadas e apurar o seu grau de aproximação do melodrama

inicial (vale lembrar que o Coelina ou l’Enfant du mystère, de Pixérécourt, cuja

primeira apresentação data de 1800, é considerado pelos estudiosos – inclusive

autores da época, como Charles Nodier (1841) –, como o primeiro melodrama

verdadeiro); de acordo com o tema desenvolvido, torna-se possível estabelecer uma

“tipologia” do gênero, classificando-o em melodrama clássico, romântico, e seus

desdobramentos: o melodrama militar, patriótico histórico, de costumes, naturalista,

de aventuras e de exploração, policial e o judiciário.

O melodrama adentra ao século XVIII com força e encontra na França um

terreno bastante favorável ao seu desenvolvimento. É lá que surge Pixérécourt, o

“pai do melodrama”, dramaturgo cujas apresentações ultrapassam o número de 30

mil, com mais de 60 melodramas produzidos ao longo de sua vida, colaborando

enormemente para o estabelecimento do gênero (fixando o cânone melodramático)

e para a divulgação dessa modalidade nos teatros franceses e naqueles que

recebem companhias oriundas desses palcos e acabam assimilando (e adaptando)

essa forma teatral. Outros autores também inscrevem seus nomes no gênero:

Bouchardy, Caigniez, Benjamin, Saint-Amant, Anicet-Bourgeois, George Sand,

D’Ennery, Cormon e outros (FACHIN, 1992, p.224). O teatro da Porte de Saint-

Martin atrai público grande e cativo.

O momento histórico-social francês faz do melodrama a externação

artística resultante da intensa revolução operada na França. A ascensão popular faz

com que entrem em cena personagens como camponeses e empregados

domésticos participantes de tramas narrativas que se encarregam de retratar

situações interessantes a um público agora composto, também, das classes

populares e da burguesia

. Portanto, o melodrama nasce junto com o movimento da

grande revolução e vai acompanhar as mudanças estruturais da sociedade

européia, refletidas elas mesmas no próprio espetáculo melodramático.

Além das representações em palco, o melodrama ganha na França

estatuto de estudo, diante da intensa adesão do público e, conseqüentemente, de

autores. Em vista desse sucesso, tratados sobre ele são produzidos, como é o caso

de Tratado do Melodrama, de Laurent Garcins, que escreve uma dissertação sobre

um drama e uma ópera, ainda em 1775. Outro comentador importante da época é

Charles Nodier, amigo pessoal de Pixérécourt, que faz a defesa do gênero no texto

Introduction au théâtre choisi de Pixérécourt:

O que vi foi que, nesta época difícil, na qual o povo só pode

recomeçar sua educação religiosa e social no teatro, existe, na

aplicação do melodrama ao desenvolvimento dos princípios

fundamentais de qualquer civilização, uma visão providencial. É

necessário um teatro que coloque em cena os incômodos não

meritórios da grandeza e da glória, as manobras insidiosas dos

traidores, a dedicação por vezes arriscada das pessoas de bem. [...]

E que ninguém se engane: o melodrama não é pouca coisa, ele é a

moralidade da Revolução (NODIER apud THOMASSEAU, 2005,

p.15).

Como se observa, o gênero é visto como elemento indispensável à

sociedade daquele momento, uma vez que preenchia as faltas e os transtornos das

profundas alterações ocorridas na sociedade que o abraça por todas as suas

camadas sociais: pela classe popular, porque se reconhece na situação vivida pelas

personagens; pela burguesia que, buscando alcançar notoriedade cultural, passa a

freqüentar as salas de espetáculo agora mais acessíveis que o teatro clássico; pela

aristocracia, acompanhadora das manifestações artísticas. De certa forma, o

melodrama também interessa ao poder, já que se trata, praticamente, de uma

instituição nacional, razão essa eficiente para disseminar a idéia da reconstrução

apoiada na moral, na virtude, nos bons princípios, na ética. De fato, Nodier (1841)

compreende bem o papel funcional do teatro e sublinha o efeito educador da forma.

Com esse prestígio, no decorrer da história o melodrama conhece uma

condição ambígua: por um lado, tem seus elementos fundamentais revisitados e

continuados em formas teatrais que extrapolam o período de ebulição das

apresentações

; por outro, o termo passa a ser desprestigiado. Ainda no final do

século XIX, com a forte inclinação naturalista, o melodrama é considerado

exagerado, “anti-natural”, como Zola ataca no prefácio de Teresa Raquin:

Desafio os românticos a montarem um drama de capa e espada; o

fragor medieval de ferro, as portas secretas, os vinhos envenenados

e tudo o resto não convenceriam ninguém. O melodrama, esse

produto do teatro romântico gerado pela classe média, está ainda

mais morto e ninguém o quer. Seu falso sentimentalismo, suas

complicações de crianças raptadas, documentos recuperados, suas

descaradas improbabilidades, acarretaram-lhe tal desprezo que a

nossa tentativa de revivê-lo seria acolhida com gargalhadas... (ZOLA,

1982, p.95).

A intenção de Zola ao adaptar Térèse Raquin para o teatro, em 1873,

segundo afirma no mesmo texto, é contribuir para a otimização da arte dramática,

melhoramento tal que prevê a maior disseminação da estética naturalista agora

também plasmada nos palcos. Para ele, o teatro deve trazer a verdade e a ciência

experimental, ao contrário do que os dramas até então executavam. No entanto,

como observa Faria (2005), a tentativa resulta em fracasso nas salas parisienses,

enquanto que no Brasil, a mesma peça montada por Furtado Coelho em junho de

1880, no Teatro Lucinda, obtém sucesso maior, resultando em diversos comentários

positivos pelos folhetinistas. É verdade que o nome de Zola e a sua proposta

naturalista é conhecida entre os brasileiros pelas vias de Eça de Queiroz, cujo

mestre – divulgava-se –, era o escritor francês.

Apesar da variação do prestígio que o nome recebe, é certo que o

melodrama influencia outros gêneros além do teatro, principalmente a espécie

folhetim, cujos autores são dramaturgos. Assiste-se, então, à identificação temática

nos palcos e no texto circulante em forma escrita, como o folhetim e o romance.

Diante da repercussão e adesão do público pelos elementos melodramáticos, tanto

academicistas quanto teóricos literários se debruçam sobre eles, inventariando a sua

história, examinando as condições de sua produção e recepção, apoiados nos

estudos sobre o texto literário e na análise do discurso.

2.2 Teóricos do melodrama

Carpentier (1984), avalia o melodrama como elemento incondicional para o romancista

contemporâneo.

O melodrama é objeto de apreciação e crítica desde o século em que

surge e continua a ser tema atualíssimo, conforme se constata em trabalhos

acadêmicos realizados. Trata-se de assunto interessante não apenas ao âmbito dos

estudos literários, aos quais este estudo se delimita, mas a áreas da sociologia, da

antropologia, da psicologia e das artes em geral e, principalmente, desde as últimas

décadas do século XX até o momento, à mídia, cinema e as novelas. A crítica da

língua inglesa é que mais se debruça à revisão das questões do melodrama na

atualidade.

Ao realizar o levantamento de estudos e considerações a seu respeito,

constata-se que ainda no século de maior concentração da produção de peças

melodramáticas – garantia de sucesso –, alguns homens do mundo das letras

registram o parecer deles sobre o melodrama. É o caso de Charles Nodier (1841),

amigo de Pixérécourt, que escreve em Introduction ao théâtre choisi de Pixérécourt,

no qual ressalta o poder moralizador e educador do gênero. No seu entender, o

enredo do melodrama e sua estrutura polarizada entre bons e maus seguida da

punição para os mal feitores constituem-se em poderosos instrumentos de

divulgação e disseminação de virtudes, verdadeiros exemplários de conduta e

justiça.

Pixérécourt, o próprio criador de melodramas dos quais se extrai o

esqueleto desse tipo de modalidade teatral, compreende o estabelecimento dessa

modalidade no teatro e a sua permanência e influência nas artes. Thomasseau

(2005) informa que três textos do pai do melodrama fundamentam o cânone

melodramático, produzidos em épocas diferentes, o que revela a sua constante

preocupação em fixar o gênero: Guerre au mélodrame (1818), Paris ou Le livre de

cent-et-un (1832) e Théâtre choisi (1841-1843). Pixérécourt comenta e fixa a

“poética” do melodrama. Em Paris ou Le livre de cent-et-un, reunião de textos de

diversos autores publicados, originalmente, em quinze volumes, Pixérécourt

estabelece a estrutura melodramática seguida pelos dramaturgos, conforme “Le

Mélodrame”, contido no Tomo 6. Nele, o autor afirma escrever para “aqueles que

não sabem ler” (THOMASSEAU, 2005, p.15), numa verdadeira democratização da

cultura, apostando, novamente, na função moralizante do melodrama. Tal idéia é

confirmada em Théâtre Choisi, onde afirma ser o melodrama o responsável pela

queda da criminalidade. No Guerre au mélodrame, Pixérécourt o aproxima da

tragédia, forma clássica por excelência, por provocar a catarse e a mímesis; é a

tragédia popular adaptada à época. Afirma, ainda, sua preocupação com a regra das

três unidades clássicas e justifica sua desobediência apenas quando muito

necessário, e explica que, nessas ocorrências, não o fez para dar maus exemplos a

outros teatros, conforme consta em Théâtre Choisi. Nesses tratados, que bem

podem ser considerados fundadores do melodrama, o autor atenta para dois

aspectos. Nos dois primeiros títulos, preocupa-se em verificar quais são as

constantes desse tipo de espetáculo responsáveis pela educação e, possivelmente,

transformação de costumes. Vê nele uma certa contribuição social. Em Guerre au

mélodrame, Pixérécourt deita um olhar mais direcionado ao melodrama,

relacionando-o com as formas clássicas do teatro. Entende, então, que essa

modalidade é significativa na história do teatro, tanto na sua inovação estrutural

quanto na atuação junto à sociedade.

Além desses comentadores do século XIX, outros, no século seguinte,

retomam o assunto e sobre ele se debruçam, como forma de objeto de estudo e

análise. Embora renomados pesquisadores tratem brevemente do melodrama, como

Umberto Eco (1995) e Arnold Hauser (1995), tantos outros contribuíram de forma

significativa para as reflexões acerca do melodrama, tornando-se tradição nos

estudos desse tema. É o caso de Eric Bentley, Peter Brooks, Jean-Marie

Thomasseau, Philippe Royer, cujas considerações esta pesquisa se atém.

Eric Bentley (1967) em A história viva do teatro dedica um capítulo ao

melodrama, no qual focaliza os possíveis elementos “degenerativos” dessa

modalidade identificados pela crítica. Entende o autor que a condição mínima são as

lágrimas, isto é, um problema crítico do melodrama seria o choro fácil, no que ele vê

virtude, pois trata-se de um mecanismo de alívio, a catarse pregada por Aristóteles.

E, na defesa dessas lágrimas, Bentley ainda salienta que aqueles que as negam,

podem guardá-las no seu inconsciente revelado por sonhos nos quais há atuação de

um ser muito semelhante a um ator melodramático: choro, gritos, escândalos.

Outro aspecto sublinhado é a compaixão e o temor aristotélicos,

vinculados de forma inseparável. Quando se lamenta a sorte do herói do melodrama,

na verdade se lamenta a sorte daquele que assiste ao espetáculo, balizado pelo

medo, condição universal do melodrama. E, nesse sentido, a perseguição, tão

comum nesse teatro, pode representar a perseguição que os homens sentem, num

processo quase paranóico, afirma Bentley (1967). Ainda que essa situação possa

parecer exagerada, é isso mesmo que o melodrama propõe: o exagero, porém

gerador de sentido. “Os exageros só serão idiotas se estiverem vazios de sentido”,

aponta o pesquisador (BENTLEY, 1967, p.188). Portanto, o excesso é elemento

natural da vida.

Outra consideração importante em defesa da relevância do melodrama é

a sua representação psicológica. O contraponto de pólos opostos (mal versus bem)

significa, para o autor, um retorno ao narcisismo da infância, a piedade por ele

mesmo em estados emocionais grandiosos. Lembra, ainda, que a retórica

melodramática, criticada e, por vezes, até ridicularizada, é utilizada até por Balzac. E

mesmo Zola, apesar de ter se pronunciado incisivamente contra o melodrama,

emprega elementos na sua criação ficcional típicos da estrutura do melodrama,

como o senso de fatalidade. A partir de então, examina a medida em que alguns

escritores e suas respectivas produções utilizam essa estrutura, mesmo sem

perceber (ainda que as criticassem incisivamente), como Zola e Bernard Shaw.

Em Une esthétique de l’étonnement : le mélodrame, Peter Brooks (1974)

estabelece as bases constitutivas do melodrama, elencando seus elementos

fundadores: o afrontamento, a peripécia, o espetáculo impressionante, o caráter

hiperbólico das situações (o “exagero” de que fala Bentley), frases grandiloqüentes e

a virtude triunfante. Na construção desse arcabouço, a linguagem opera de forma

hiperbólica para contrapor o bem e o mal, e, assim, enfatizar o momento do

reconhecimento da virtude, mas sem esperar, por isso, a recompensa. Por essa

mesma linguagem, constroem-se os signos, potencializados, ao máximo, de carga

emocional e moral. Esses signos envolvem desde os procedimentos retóricos e

dramáticos até aos cenários, que podem ser fechados, como um jardim cercado de

muros que contém grades, por onde podem ser visualizados os campos. Nesses,

surge a personagem intruso (disfarçado pela amizade ou pelo amor), que faz a

virtude declinar para o triunfo da maldade. Durante um período mais ou menos

extenso, ela mantém-se silenciosa, representada pelo juramento de uma

personagem de conduta incontestável ou a pedido dela. A virtude é restabelecida

quando os “julgadores” reconhecem o erro dos signos enganosos e nota-se a

oposição, agora esclarecida, entre o bem e o mal, as forças antagônicas

representadas nas personagens, denominadas por Brooks (1974) como “situação

maquiavélica”. Nesse universo de extremos, ocorrem as peripécias, revertendo o

destino. Essa oposição não se dá de maneira equilibrada e, por isso, propicia as

emoções extremas.

A partir desses elementos, Brooks atenta para a observação de Frye

(apud BROOKS, 1974) de que a busca, a evasão, juntamente com a

queda/expulsão/reabilitação constituem pilares do romance. Portanto, é reiterada

idéia de Thomasseau (2005) da aproximação entre o melodrama e o romance, até

porque muitos autores praticaram as duas modalidades. Hauser (1995) entende que

a temática melodramática e a do folhetim impresso tratam de assuntos que “giravam

em torno de seduções e adultérios, de atos de violência e crueldade” (HAUSER,

1995, p.635). De fato, estudos relativamente recentes (FOCHI, 2004) verificam a

proximidade entre o melodrama e o romance de folhetim, e apresentam a conclusão

de que ambos, com o intuito de mobilizar a participação do público, operam de

maneiras semelhantes.

Quanto à moralidade levantada por Pixérécourt (apud THOMASSEAU, 2005),

o teórico afirma serem os princípios morais as bases constitutivas do espetáculo

melodramático, com as quais ou pelas quais a trama ganha movimento, seja pela

fala das personagens, seja pelas suas ações. Quando a virtude, representante da

moral, é violentada, as peripécias e os golpes de teatro colaboram de forma

fundamental para o restabelecimento dessa moralidade, pela recomposição da

virtude; ocorrem, normalmente, em momentos de extrema dramaticidade, daí o

caráter hiperbólico da retórica. Brooks (1974) afirma que o melodrama participa do

mundo dos sonhos, em dizer aquilo que na realidade é indizível. Esse aspecto se

vincula, de alguma forma, com o fundo psicológico apontado por Bentley (1967)

relacionado, ainda, em menor ou maior intensidade, ao sucesso junto ao público.

Revisitando Aristóteles (1964), verifica-se que há dois elementos importantes que

promovem (e são promovidos) pela tragédia: a mímesis e a catarse, presentes no

melodrama. Num processo mimético, a platéia se identifica com os fatos narrados no

palco; a compaixão e o terror aí promovidos bem podem ser os vividos por esse

público na realidade. Esse “reconhecimento” angustiante é externado pela catarse, a

purgação dos sentimentos por parte do expectador. Se o melodrama leva à

dimensão máxima os sentimentos do bem e do mal, colocando em palco de forma

intensificada os sentimentos da uma platéia também massacrada, é plausível

compreender a adesão desse público: no melodrama tudo se pode dizer.

Os estudos mais recentes em torno do tema cabem a Jean-Marie

Thomasseau, em O melodrama, cuja edição original data de 1984. Nele, o autor

percorre a trajetória da formação e da diversidade do modelo, assim como examina

as suas variantes. Outros pontos significativos do trabalho dizem respeito ao

sucesso alcançado dessa modalidade teatral, a qualidade dramática das obras e a

preocupação em esclarecer por que é tomado como modelo pejorativo. Para o autor,

o melodrama é filho da Revolução; junto com as profundas transformações operadas

na França, e por conseqüência em toda a Europa, o teatro responde ao novo

contexto com peças que “exorcizam e anulam os transtornos da revolução”

(THOMASSEAU, 2005, p.8). Com a abertura dos teatros para toda a população a

partir do édito de 1791, a platéia passa a ser composta por populares, burgueses,

aristocracia que, interessada num aspecto com o qual se identifica, faz dos

espetáculos e da trama neles apresentada, o grande modelo teatral do século XIX,

mas que transcende esse período. O “espelhamento” entre palco e platéia garante o

envolvimento desse último elemento, já que assiste aquilo que lhe é familiar ou

prazeroso, questões que remetem à discussão proposta por Brooks (1974).

Vale sublinhar a preocupação do autor em esclarecer o motivo do termo

“melodrama” ser entendido como algo pejorativo (até Pixérécourt passa a utilizar a

palavra melodrama apenas em 1802, com La femme à deux maris). Segundo ele,

ainda no século XIX os críticos desvalorizam a forma, porque levam em

consideração apenas os critérios literários, sem atentar aos efeitos utilizados e o

talento dos atores. Brooks (1974) chama a atenção para esses “recursos”: pela

surpresa, pelo encantamento, as emoções são preenchidas. A associação do termo

com a idéia de teatro popular também colabora com o pouco caso pela modalidade,

como é possível constatar na atualidade (tratado como paraliteratura, a-literatura ou

subliteratura, conforme THOMASSEAU, 2005, p. 10), ainda que, como nota Xavier

(2000, p. 82) é “a modalidade mais popular na ficção moderna, aparentemente

imbatível no mercado de sonhos e de experiências vicárias consoladoras.”

Uma diferença substancial de Thomasseau (2005) em relação aos demais

estudiosos é sua observação da diferenciação do modelo melodramático ao longo

do tempo, percebendo, inclusive, que essa variação é assistida por um público que

também se diferencia e não se massifica. Assim, o autor estabelece uma “tipologia”

dos melodramas. Para ele, como mencionado no capítulo anterior, o arquétipo desse

gênero se apoiava em bases precisas apontadas por Pixérécourt em seus textos

teóricos. Assim, as peças obedecem às regras das três unidades mas, quando

necessário, esse padrão é esquecido. Denominado pelo autor de “melodrama

clássico”, possui divisão em três atos (resquícios da ópera) para mais tarde evoluir

para cinco atos. Estabelecidos os atos, a trama se serve de monólogos importantes

para a compreensão da peça que possuem aspectos funcionais para que o público

compreenda o seu sentido. Tanto eles podem aparecer para recuperar

acontecimentos, revelações, peripécias ocorridas antes do tempo da cena em si

(monólogo recapitulativo), como para fazer revelações à parte pelo próprio vilão ou

pela vítima, mostrando seus medos e angústias (monólogo patético). Essa estratégia

mantém o público conhecedor de verdades ainda não reveladas na própria peça.

Para atrair o público, o melodrama clássico elabora com cuidado o título,

atenção essa que se estende às suas outras variantes. Dele, pode-se depreender a

história que pretende se contar, sempre com o triunfo da virtude. Há títulos com

ênfase no nome do herói/heroína seguido de um breve sintagma explicativo da sua

condição, ou do lugar onde se vive, ou, ainda, da catástrofe que marca sua

existência como, por exemplo, O Colosso de Rhodes, ou o Terremoto da Ásia, citado

por Thomasseau (2005).

Quanto à estrutura propriamente dita, há algumas bases bastante

cristalizadas mantidas nas variações do melodrama e que se constituem, com efeito,

numa espécie de cânone mínimo melodramático, como pode ser depreendido de um

artigo apresentado em 1823 que comenta La pauvre Orpheline, cuja autoria

pertence a Caigniez e Pacard:

O interesse deste melodrama apóia-se na mesma base na qual se

apoiaram todos os melodramas passados, presentes e futuros; vê-

se ali um opressor e uma vítima, um poderoso celerado que abate a

fraqueza e a virtude até o momento em que o céu se manifesta a

favor do inocente e fulmina o culpado. Tudo isso não é exatamente

novo, mas há nos corações dos freqüentadores do bulevar

inesgotável impulso de justiça e de humanidade. Todos os dias eles

têm novas lágrimas para a jovem perseguida e transporte de

entusiasmo para a punição do monstro, que sacrifica com suas

paixões os direitos mais sagrados da natureza. (PIXÉRÉCOURT,

1823, apud THOMASSEAU, 2005, p.34).

Desse fragmento, é possível observar o pólo bem contraposto ao mal,

circunstância em que a virtude é abalada para depois ser recomposta, seguida da

punição do vilão. Esse possui, então, papel nuclear na composição da trama

melodramática, porque é a partir de sua aparição que a harmonia é rompida e se

instala a perseguição, geradora da tensão que acompanha o público e grande

colaboradora para a construção da emoção e compaixão pretendidas, já que, como

defende Nodier (1841), o melodrama possui caráter também educativo. Uma vez

desestabelecida a ordem, com o bem ameaçado e agredido, ocorrem reversões do

destino, reviravoltas, peripécias, advindas de maneiras normalmente não esperadas.

Como a proposta é ver o mundo novamente em harmonia, o malfeitor

deve sucumbir à verdade; a platéia deve conhecer a face do vilão e repudiar suas

maldades, tendo em vista seu conseqüente castigo exemplar, guardado para o ato

final: o reconhecimento, muitas vezes pressentido. Quando ocorre a punição, a

tensão está zerada, e o final do melodrama está próximo. Aliás, o reconhecimento

supera e anula alguns “enganos” (carta roubada ou extraviada, crianças trocadas,

avisos não dados), porque todos esses “problemas” ocorridos durante a trama são

esquecidos diante da virtude reinante após o castigo exemplar. Essa punição, que

no plano físico representa a justiça, é obra da Providência divina (mesmo que

bastante inverossímil no mundo físico, é aceitável se o referencial for o poder

celestial), intimamente ligada aos bons; o vilão é, via de regra, ateu. O esquema

básico acima descrito, embora pareça elementar, sustenta o espetáculo

melodramático e dá a ele um jogo dinâmico que faz a platéia manter-se fielmente

atenta. Quem salvará? Quem descobrirá a face do vilão? Qual seu castigo por

tamanha crueldade? São perguntas que atuam na curiosidade e na emoção do

público que lota os bulevares franceses.

Quanto às personagens do melodrama tido como clássico, elas são

mesmo tipificadas entre boas ou más não apenas moralmente, mas também física e

gestualmente. Basicamente, atuam o vilão, a vítima e o cômico, acompanhados por

personagens secundários que confirmam o perfil das personagens principais. O vilão

tanto pode pertencer ao grupo familiar e acabar influenciando alguma personagem

desse meio quanto pode chegar inesperadamente guardando segredos

ameaçadores ou ainda um “fidalgo malvado”, de caráter ambicioso e cruel,

disfarçado, num primeiro momento, sob as máscaras da honestidade e simpatia.

Cabem aos vilões a tarefa de dar ação, criar situações e proporcionar movimento à

trama. Por outro lado, não se nota para a vítima (mulheres ou crianças) grandes

complexidades: seu papel é submeter-se à perseguição. Para acentuar a oposição

da vítima e seu perseguidor, o seu caráter de bondade, delicadeza e sensibilidade

são exaltados, mas maculados diante das maldades alheias. Essa condição do

papel feminino conhece outra versão a partir de 1815, quando o adultério feminino e

suas paixões entram em cena. Se crianças, são abandonadas ou perdidas. Como se

pode notar, o herói do melodrama é um sujeito com pureza da alma, preza as

grandes virtudes e mesmo as mais simples (trabalhador, honesto, bom pai).

Restam, ainda, as personagens cômicas, atuantes nos momentos

próximos dos mais patéticos; possuem um efeito atenuador de emoções. Essas

personagens podem estar representadas pelas matronas, pelos matamouros, pelos

soldados ou pelo bobo. Desses, os mais recorrentes são os soldados que fazem

pequenas piadas ou auxiliam o herói a sair de situações complicadas e os bobos,

ingênuos que falam sem pensar, e agem inocentemente, podendo cometer, sem

intenção, a traição. Com certa raridade, aparecem, no clássico, aqueles

personagens de poder onipresente, salvador da vítima (é o “pai nobre”).

Assim, então, é construído o espetáculo melodramático. Somado à trama

dada pelo texto, existe o paratexto, fundamental na construção daquilo que é ótico.

Vale lembrar que o objetivo máximo desse acontecimento é promover a moralidade,

restabelecer a família e a propriedade, por isso o vilão é aquele que foge à

concepção da retidão de caráter. Em sentido contrário, lembra Thomasseau (2005),

as personagens da virtude gostam do dever, não reclamam do sofrimento, servem

ao seu patrão, são extremamente piedosos.

O tema amoroso não é freqüente no melodrama clássico (mas o é a partir

de 1815), porque ele pode diminuir a intensidade da convicção diante da

recuperação da virtude ou mesmo desequilibrar as ações das personagens.

Também os valores de honradez superam o sentimento amoroso; de fato, ele fica

relegado a segundo plano, exceto quando se trata do amor maternal ou fraternal.

A partir de L’Auberge des Adrets, encenada primeiramente em 1823 e

retomada em 1834 com o título Roberto Macário, o melodrama conhece uma nova

temática, especialmente no que diz respeito ao vilão; agora, ele passa a ser

compreendido como herói, que não merece ser castigado ou mesmo banido (mas

subsiste aquele tirano, conspirador, cruel). As paixões, antes ignoradas, inflamam os

palcos. Pixérécourt (1841), defensor da postura ética e moralizante do melodrama,

posiciona-se diante dos novos dramas. No já citado Dernières réflexions sur le

Mélodrame, o dramaturgo afirma tratar-se de peças maléficas, imorais.

Mas ainda outras alterações são conhecidas: o herói pode chegar a

cometer o suicídio, diante da não recuperação de uma falta inicial; o adultério entre

as personagens é freqüente, causando a invasão de personagens antes

desconhecidas, como os filhos bastardos, os pais desconhecidos, crianças perdidas,

além dos ideais republicanos e bonapartistas diluídos nas falas, com ações violentas

e tempestuosas. Outros tipos sociais entram em cena, como os carregadores, os

médicos, os banqueiros, advogados, costureiras.Tecnicamente, os atos passam a

cinco, subdivididos em vários quadros mais ou menos rápidos, com estadas em

esconderijos, tavernas, palácios, praças, etc. Para o encadeamento entre um quadro

e outro, insere-se o prólogo, que substitui o tão usado monólogo no melodrama

clássico.

No período do governo de Napoleão III (1852-1870), os palcos dos

bulevares voltam ser altamente freqüentados por todas as classes sociais,

apreciadoras do charme, das emoções e da prosperidade. Apresentações de óperas

e vaudevilles e romances de folhetim também fazem parte da vida cultural da época,

com forte adesão desse mesmo público. O espetáculo melodramático se atualiza:

mais personagens, mais quadros, músicas, experimentos científicos, como

hipnotismo, as novas formas de transporte. É nesse período, aliás, que as

companhias ultrapassam as fronteiras francesas e se apresentam em outros lugares.

Esse quadro de euforia pelo teatro sofre o intervalo: até por volta de 1862, quando

outras atrações – cafés-concerto, operetas – tiram o público do melodrama, para ser

retomado em 1890, quando as idéias socialistas são veiculadas.

Ao encerrar seu estudo, Thomasseau (2005) atualiza a teoria sobre seu

objeto de observação. No início do século XX, duas correntes dão continuidade à

estética melodramática: uma que retoma seus princípios mais tradicionais e outra

que pretende inová-la, investindo na propriedade da “liberdade” melodramática.

Huppes (2000), em Melodrama, o gênero e sua permanência, resgata os

estudos sobre o assunto no Brasil. Nele, traça o histórico do que a autora chama de

gênero e analisa-o na produção dramática de Gonçalves de Magalhães, Martins

Pena, Gonçalves Dias, Luís Antônio Burgain e Francisco Adolfo de Varnhagen.

Nesse intento, dois pontos se destacam no trabalho: a preocupação em firmar o

melodrama como um espetáculo importante, levando-se em consideração a sua

descendência da tragédia e a sistematização do modelo. Em relação ao primeiro

aspecto, a autora partilha da visão de Bentley (1967) de que o melodrama segue os

passos da tragédia, porque possui o mesmo objetivo de envolver a platéia pela

identificação e, conseqüentemente, pela purificação. No entanto, elas divergem,

segundo a estudiosa, quanto à maneira de obter a adesão desse público: a tragédia

é mais comedida, debruça-se na alma humana; o melodrama intensifica sentimentos

(medo, paixão, rancor, dor) e não elabora com cuidado as conexões entre um

acontecimento e outro. Interessa, para ele, o excesso, o impressionismo da cena,

capaz de superar a lógica: é o espetáculo melodramático.

Interessa observar, como mencionado, a sistematização que Huppes

(2000) propõe acerca do modelo, especialmente no que diz respeito ao desfecho. A

estruturação é bipolar e alterna momentos de euforia e serenidade com momentos

de desolação e desespero, mais dinâmico, com arranjos visuais e sonoros que

seduzem a platéia, e buscam o desfecho. Se ele visa ao restabelecimento da justiça,

o final é positivo e moralizante; se visa à felicidade amorosa, encontra o infortúnio.

No primeiro caso, o grupo das personagens boas violadas consegue reverter a

situação e restabelecer a virtude; no segundo, a suposta impossibilidade da

realização sentimental se concretiza. O casal está em disjunção por questões

sociais, ou por equívocos que são percebidos apenas quando já não é mais possível

repará-los (ocorre a morte ou o enlace com outra pessoa).

Embora o texto se prenda ao melodrama tradicional, ele aponta a

perspectiva da permanência e mesmo a atualidade do gênero, opinião comum de

Bentley (1967), para quem o melodrama é moderno porque objetiva os sentimentos

e não a racionalidade, ainda que lide com eles de forma hiperbólica. O cinema

hollywoodiano e as telenovelas, consideradas herdeiras do romance de folhetim,

com quem o melodrama mantém intimidade e divide o mesmo público já que, nas

palavras de Hauser (1995, p.895), ambos se dirigem “pelos mesmos princípios

formais e critérios estéticos”, bem recebem ao arquétipo melodramático, como

exemplifica Xavier (2000, p.83):

Titanic (1997), por exemplo, soube muito bem se inserir nesta via

aberta pela nova geração da indústria: de um lado, as agonias do par

amoroso, no caso temperadas pela oposição entre o altruísmo do

jovem plebeu e a vilania dos aristocratas (tema do século XVIII que

Hollywood não pára de reciclar); de outro, as imagens de impacto a

indiciar alta tecnologia e dinheiro. Esta articulação entre melodrama e

efeitos especiais é de uma enorme eficácia, pois nos gratifica das

mais variadas formas em sua operação de “tornar visível”. Ruínas

perdidas no fundo do mar guardam o segredo de um romance mais

precioso do que o diamante procurado. E a enorme engrenagem

narrativa se põe em marcha para que, no final, a pedra finalmente vá

ao fundo levando suas ressonâncias simbólicas, enquanto, em outro

plano, a experiência romântica que a retira de circulação atinge o

ápice do seu valor de troca.

O breve comentário observa a estrutura melodramática viva e pulsante na

produção do cinema americano. Como aponta Huppes (2000), o tema da felicidade

amorosa não se realiza, dado aos obstáculos sociais impostos: o moço não pertence

à mesma classe social que sua amada, o que é inaceitável pela família dela. A

intensidade do sentimento de ambos, construído sem dificuldades existenciais e de

maneira simplificada (a felicidade de estarem um ao lado do outro é infinita), é

mantida até o desfecho: o casal mantém-se unido até a morte. Aliado a essa trama,

o cenário ricamente construído (com o navio portentoso de alta tecnologia para a

época, pessoas da alta aristocracia em paralelo aos plebeus, festas e jantares

luxuosos), os “golpes de teatro” resolvem as tais “faltas de nexo”, como a cena em

que o moço, por uma questão de “destino”, consegue embarcar.

Todos esses pilares melodramáticos provam, mais uma vez, mesmo no

final do século XX, sua força. Tanto o filme em si como a trilha musical (o que

remete à origem do melodrama) obtiveram grande sucesso junto ao público,

cumprindo as condições mínimas da narrativa levantadas por Aristóteles, como

aponta Umberto Eco (1995, p.194): “quer a trama siga uma curva constante ou

sinusoidal, as condições essenciais da narrativa, tais como Aristóteles as definiu na

sua Poética (início, tensão, ponto culminante, desenlace e catarse) permanecem

imutáveis”. Vale lembrar – ainda que este estudo não se proponha a examinar a

questão – que o melodrama recebeu (e recebe) uma ótica depreciativa. Pensadores

e críticos, na atualidade, discutem sobre a manipulação emocional operacionalizada

já que as massas são facilmente atraídas por esse tipo de fantasia, de emoção, de

catarse.

Tecnicamente, os cortes das cenas utilizadas no melodrama e o

impressionismo centrado nelas são recursos bem vivos e operantes até mesmo em

telejornais, lembra Huppes (2000). A informação não é transmitida de forma neutra,

imparcial, mas com um tom dramático, criando cenas catastróficas, numa

“espetacularização da vida”. (HUPPES, 2000, p.150).

Pelo o que é possível perceber, o melodrama recebe atenção de toda

ordem e em todo tempo, muito além do da época da sua criação. Pesquisas atuais

junto aos bancos de dados mostram que o assunto é objeto de trabalhos

acadêmicos recentes (teses, dissertações, congressos), o que demonstra, de fato, a

permanência e a autenticidade do modelo, como confirma Xavier (2000, p.86):

A teoria atual observa que não é o conteúdo específico das

polarizações morais que importa, mas o fato de haver tais

polarizações definindo os termos do jogo e apelando para fórmulas

feitas. Há melodramas de esquerda e de direita, contra ou a favor do

poder constituído, e o problema não está tanto numa inclinação

francamente conservadora ou sentimentalmente revolucionária, mas

no fato de que o gênero tradicionalmente abriga e, ao mesmo tempo,

simplifica as questões em pauta na sociedade, trabalhando a

experiência dos injustiçados em termos de uma diatribe moral

dirigida aos homens de má vontade.

3 OS CONTOS DE EÇA DE QUEIROZ

3.1 Localização literária

Ao examinar a linha de evolução, conforme Reis (1978, p.11-12), é

possível rastrear uma

[...] visão de conjunto da obra de Eça de Queiroz, que revela-nos,

antes de mais, um escritor polifacetado, porque responsável por uma

produção literária que pode ser distribuída por três sectores: há um

Eça romântico (o das Prosas Bárbaras (1866-1867) e o da primeira

versão d’O Crime do Padre Amaro (1875); há depois, um Eça

progressivamente atraído pelos valores do naturalismo [...], há,

finalmente, um Eça eclético, isto é, aberto a várias tendências

estéticas e sobretudo não enquadrado de modo rigoroso em

qualquer corrente específica [...].

A tradição dos estudos sobre a obra queiroziana aponta “fases”, segundo

as quais será possível observar a predominância de um estilo e até de uma estética.

Essas fases, de acordo com Oscar Lopes e José Saraiva (1969), são as seguintes:

– 1ª fase: As prosas bárbaras;

– 2ª fase: 1871 a 1880 (fase realista);

– 3ª fase: A cidade e as serras, A correspondência de Fradique Mendes,

A ilustre casa de Ramires, As vidas dos santos.

Em estudos mais recentes, com alguns “ajustes” em relação à clássica

tripartição das fases, Reis e Milheiro (1989, p.97-98) analisam os três momentos da

produção, apontando, na última fase, um certo ecletismo, uma vez que transita entre

o realismo crítico e “um certo fascínio pelo imaginativo fantástico”. Outros

estudiosos, como Grossegesse (1995), defendem a presença da ambigüidade na

produção do escritor, fruto das influências do século XIX.

Como mencionado, no início dos seus escritos que se têm registrados,

Eça produz as Prosas Bárbaras, título póstumo publicado em 1903 e que resgata

folhetins publicados na Gazeta de Portugal entre 1866-1867. França (1993) diz que

“estas prosas eram ‘bárbaras’ pelo estilo recheado de imagens e pelo seu ultra-

romantismo que transportava já em si a própria condenação. Florestas de

fantasmas, de espectros, onde as forcas escreviam suas memórias [...]”. Trata-se de

textos curtos, de pequena extensão. Se essa foi uma “experimentação” ou uma

“iniciação” no curso do fantástico, o estilo não se estende: como concorda Franchetti

(2007), não há continuidade nem de estilo nem de forma na sua produção. As

Prosas bárbaras representam as notáveis tendências de Vitor Hugo, Baudelaire,

Nerval, Heine, e também Comte, Hegel e Proudhon. Essas leituras se tornam mais

acessíveis com a inauguração da estrada de ferro que chega a Coimbra.

Organizados os encontros, os jovens liderados por Antero de Quental lêem e

discutem os textos com entusiasmo, seguidos de longas declamações à madrugada:

Cada manhã trazia a sua revelação, como um sol que fosse novo.

Era Michelet que surgia, e Hegel, e Vico e Proudhon; e Hugo,

tornado poeta e justiceiro dos reis; e Balzac, como seu mundo

perverso e lânguido; e Goethe, vasto como o Universo; e Poe, e

Heine, e creio que já Darwin, e quantos outros! (QUEIROZ, 2000b,

p.815).

A transposição para a segunda fase é gradual. Em “Egito” (edição

póstuma), observa-se um estilo mais filiado ao dos moços de Coimbra, por

apresentar detalhes advindos de observações precisas. Vale lembrar que a obra é

constituída por notas tomadas na viagem que Eça realizou ao Oriente no final de

1869.

É justamente na segunda fase que se observa a precisão da escrita que

consagra o escritor. De 1871 (ano das Conferências no Cassino) a 1880, Eça leva

ao público o resultado fecundo da sua observação aguda, crítica, apurada da

sociedade portuguesa. O crime do Padre Amaro e O primo Basílio, obras de sucesso

junto ao público, são títulos tidos como naturalistas e pertencentes a esse momento,

o da segunda fase. Porém, com a publicação de O Mandarim, pequena novela

publicada em julho de 1880 no Diário de Portugal, cujo enredo possui teor fantástico,

Eça se distancia do estilo realista-naturalista e, na colocação de Franchetti (2007)

encaminha-se para um “discurso impressionista”, desenvolvendo narrativas com

outro estilo.

São consideráveis as colocações de ordem estética que apresenta em

determinados textos, como os prefácios que escreve para livros de amigos. Em O

Brasileiro Soares (1886), de autoria de Luiz de Magalhães, Eça, aproveitando-se da

figura do “brasileiro”, evidencia uma suposta falsidade romântica. Segundo ele, os

românticos aproveitam o momento oportuno para tematizar determinado assunto.

Para exemplificar, toma o exemplo do emigrante. Este não agrada, pois “esse

labrego, largando a enxada, embarca para o Brasil num porão de galera, com um

par de tamancos e uma caixa de pinho” (QUEIROZ, 2000, p.52). Porém, quando

[...] este mesmo cavador endinheirado comovia o Romantismo até à

Elegia, quando ele era ainda o triste emigrante, parando uma

derradeira vez na estrada, para ouvir o ruído do açude entre as

carvalheiras da sua aldeia; quando ele era o pobre embarcadiço, de

noite, do mar gemente, encostado à borda da escuna Amélia,

erguendo os olhos chorosos para a lua de Portugal... Apenas voltava

porém, com o dinheiro que juntara carregando todos os fardos da

servidão – o saudoso emigrante passava logo a ser brasileiro, o

bruto, o reles, o alvar. (QUEIROZ, 2000a, p.52).

Nesse prefácio, evidencia-se a visão da estética plasmada em solo

português. O olhar agudo, preciso e incisivo capta o cotidiano e o analisa. Se antes

o emigrante era um ser que interessava ao romântico, depois passa a ser

repugnante, porque “o trabalho despoetizara o triste emigrante” (EÇA DE QUEIROZ,

2000, p.52). O emigrante, então “brasileiro”, apresentado por Luiz de Magalhães em

sua obra, traça um novo perfil desse sujeito, analisado por Eça no prefácio do título:

Querendo estudar um brasileiro, num romance, V. faz isto, que é tão

fácil, tão útil e que nenhum dos antepassados da literatura quis

jamais fazer: abre os olhos, bem largos, bem claros, e vai de perto

olhar para o brasileiro, para um qualquer, que passe num caminho,

em Bouças, ou que esteja à porta da sua casa, na Guardeira, com o

seu casaco de alpaca. E imediatamente reconhece que ele, como V.

e como o seu vizinho, é um homem, um mero homem, nem ideal,

nem bestial, apenas humano: talvez capaz da maior sordidez, e

talvez capaz do mais alto heroísmo, podendo bem usar um horrível

colete de seda amarela, e podendo ter por baixo dele o mais nobre, o

mais leal coração: podendo bem ser ignóbil, e podendo, por que

não?Ter a grandeza de Marco Aurélio! (QUEIROZ, 2000a, p.55).

Ainda nesse segundo momento da evolução literária, não poupa as bases

burguesas. Além da família ser defeituosa na constituição (casamentos por

conveniência), focaliza a mulher, vítima de uma educação romântica, que a leva ao

adultério. Na mesma linha problemática situa-se o clero, portador de vícios

escondidos, como o desvio do celibato, a boêmia, a corrupção, enfim, a vida

desregrada não prevista nos padrões eclesiásticos. O lazer burguês também vem à

cena: os salões, por exemplo, são formados por personagens frívolas, fúteis, que se

divertem por meio da satisfação de vícios (jogos, bebidas, gula). Esses são frutos

das condições culturais, da educação e da literatura, que são insistentemente

atacados no meio português.

Se nesse momento de sua produção o autor português segue as

recomendações da teoria do romance realista advindas da literatura francesa, numa

análise perspicaz dos tipos sociais, adiante essa veia incisiva se dilui, tornado-se

bem menos incisiva, traço caracterizador da fase que vem recentemente

denominada entre os estudiosos ecianos de “último Eça”. Não que perca sua crítica,

mas a operacionaliza de forma conjugada a outros elementos, observando

diferenças e deveres sociais, numa espécie de conscientização coletiva. É o que se

observa, por exemplo, nos contos das Últimas páginas (obra póstuma),

especialmente em “S. Cristóvão”. Nele, Cristóvão se mostra um homem puro e

inocente, que ajuda espontaneamente o povo, tendo em vista a vaidade e a

hipocrisia da sociedade causadoras da exploração dos humildes, o que faz dele um

homem de ações, acima de ideologias, preocupado em resgatar valores nobres.

Juntamente com as produções ficcionais mais conhecidas, Eça de

Queiroz vai produzindo os contos, tipo de narrativa que vai acompanhá-lo durante

toda sua história literária, ainda que, para Álvaro Lins (1959), ele os produza para

colaboração remunerada ou amizade. Levando em consideração as colaborações

para a Gazeta de Portugal e Districto de Évora constata-se que as primeiras

histórias publicadas datam de 1866, estendendo-se até 1897, atravessando,

portanto, toda a história literária do escritor e seus diferentes momentos de criação

estética. Os contos nunca foram reunidos para publicação em vida; Eça sempre os

apresentou em periódicos brasileiros e portugueses. Eles são editados dessa forma

apenas em 1902, dois anos após a morte do escritor, a pedido de sua esposa, pela

editora Lello e Irmãos Chardron. Nessa edição, que leva o título geral de Contos,

constam doze narrativas, que se tornaram conhecidos dos leitores ecianos:

“Singularidades de uma rapariga loura” (publicada no Diário de Notícias, 1874), “Um

poeta lírico” (publicada em O Atlântico, 1880), “No moinho” (publicada em O

Atlântico, 1880), “Civilização” (publicada na Gazeta de Notícias, 1892), “A aia”

(publicada na Gazeta de Notícias, 1893), “O tesouro” (publicada na Gazeta de

Notícias, em janeiro 894), “Frei Genebro” (publicada na Gazeta de Notícias, em

março de 1894), “O defunto” (publicada na Gazeta de Notícias, em 1895), “Adão e

Eva no paraíso” (publicada no Almanach Enciclopédico, 1896), “A perfeição”

(publicada na Revista Moderna, em maio de 1897), “José Matias” (publicada na

Revista Moderna em junho de 1897), “O suave milagre” (publicada na Revista

Moderna e dezembro de 1898). Trata-se, então, de textos publicados vistos e

revisados por Eça quando apresentados para os periódicos, mas não quando são

reunidos nos Contos. Dessa primeira edição não constam outros títulos contidos na

Gazeta de Portugal, talvez pela extensão ainda menor que os mencionados e por se

tratarem de narrativas tétricas, fantasiosas, influenciadas pelas leituras da juventude.

Também não estão selecionados outros títulos que Eça escreveu.

O questionamento realizado por estudiosos ecianos acerca dessa edição

se refere ao critério adotado, uma vez que não atende nem ao cronológico nem ao

temático. Outras edições posteriores a da organizada pioneiramente por Luís de

Magalhães repetem títulos, mas com pequenas alterações. É o caso da de Luiz

Fagundes Duarte (1989), que inclui o texto “Tema para versos”, introdução ao conto

“A aia” e também o conto “Milagre”. O autor cuida para que os contos sejam

agrupados por critérios temáticos contemporâneos a Eça e por temas bíblicos,

medievais ou mitológicos. Também o volume de Helena Cidade Moura (1999),

editado pela Livros do Brasil, traz o conto “Outro amável milagre”, título não incluído

na edição de 1902.

Contudo, outras narrativas produzidas continuavam quase no anonimato,

até que o espólio dos textos originais do escritor é comprado em 1975 e depositado

na Biblioteca Nacional de Lisboa, onde uma equipe de filólogos e queirozianos se

debruçam para estabelecer os textos originais.

Por ter suas criações amplamente publicadas, a produção queiroziana

sofre alterações, sobretudo em relação aos títulos póstumos. Quando da sua morte,

a esposa, Dona Emília, em carta a Ramalho Ortigão, solicita que ele e Luís de

Magalhães examinem os papéis que ela recolhera e consultem as editoras Lello e

Irmão e Livraria Chardron. Aceitos os pedidos, ambos passam a realizar a “revisão”

daqueles papéis. Sabe-se que Luís de Magalhães cuida para que as publicações

aconteçam. Por outro lado, Ramalho não: após sua morte, em 1915, seus filhos

encontram manuscritos de A capital, O conde de Abranhos e cartas de Fradique

Mendes, que são então enviadas a José Maria de Eça Queiroz, filho mais velho do

escritor, em 1924.

De posse dos manuscritos, e passando por dificuldades financeiras, o

filho “termina” o que era inacabado, imitando o estilo do pai. Declara que “toda obra

póstuma de meu Pai, publicada nessa casa [Lello], organizada por amigos

dedicados, de acordo com minha mãe, compunha-se de trabalhos já completos,

quase perfeitos.” (apud REIS, 1999, p.189). A família sempre se manteve muito

reservada em relação aos assuntos mais particulares e muito atenta à forma como a

crítica se posicionava diante do autor, o que causou alguns mal-estares. O filho

declara acerca dos manuscritos: “É claro que possuímos, minha irmã e eu, cativos,

quantidades de papéis íntimos do nosso Pai, toda uma vasta correspondência,

notas, manuscritos, e tudo isso, todo esse espólio é nosso, muito nosso,

exclusivamente nosso” (SIMÕES, 1980, p. 46).

Com o objetivo maior de preparar a edição crítica dos textos queirozianos,

isto é, de restituir a autenticidade possível ou aquilo que seria a vontade final do seu

criador, a Biblioteca Nacional conserva seu espólio composto por catorze caixas,

contendo, até o momento, 309 documentos. Fazem parte desse acervo os

manuscritos originais das obras póstumas e semi-póstumas, cartas a sua esposa e

alguns “rascunhos” de textos. Esse conjunto possui extensão e natureza muito

desiguais, de acordo com o responsável pelos estudos, Carlos Reis, da

Universidade de Coimbra e um dos principais pesquisadores da produção

queiroziana. Segundo ele (1999, p.192-3), após todo o processo de estudo e

posterior estabelecimento dos textos, as edições críticas se estabelecem em obras

de ficção, divididas em não-póstumas, semipóstumas e póstumas; crônicas e textos

de imprensa, epistolografia, organizada em dois blocos: o doutrinária e o particular;

narrativas de viagem e traduções.

Vale dizer que a publicação das edições críticas fica a cargo da

Imprensa Nacional-Casa da Moeda. Até o momento, já as possuem Textos de

Imprensa I, IV, V e VI, O crime do Padre Amaro, Alves e Cia, A ilustre casa de

Ramires, O mandarim, A Capital, Correspondências e Contos II.

Nesse último, quatro títulos pouco conhecidos vêm à tona: “A catástrofe”,

“Um dia de chuva”, “Enghelberto” e “Sir Galahad”, estabelecidos por Marie-Hélène

Piwnick, pesquisadora da produção contista de Eça. Segundo a estudiosa (2003),

esses seguiram a releitura dos filhos do escritor, e publicados, respectivamente, em

1925, 1929 (segunda e terceira narrativa mencionadas) e 1966, e apresentam-se,

agora, corrigidos e esclarecidos, apesar de sua condição ser menos acidentada do

que em outros casos. Os manuscritos, encontrados nos escritório do escritor em

Neuilly e transportados para Tormes em 1924, mostram que “A catástrofe”

(relacionada com o projeto do romance A batalha do Caia, nunca publicado) e “Um

dia de chuva” são narrativas acabadas, mas “Enghelberto” e “Sir Galahad”, não;

tratam-se de rascunhos. A leitura deles mostram que os dois primeiros estão ligados

à preocupação realista do autor, enquanto os dois últimos com as temáticas

medievais.

Além dos acima mencionados que já possuem texto estabelecido

criticamente, outros títulos foram publicados postumamente. Em 1912, Luiz de

Magalhães edita as Últimas páginas – teoricamente os derradeiros textos de Eça –,

contendo as três lendas dos santos (“S. Cristóvão”, “S. Frei Gil” e “Santo Onofre”).

Após a essa publicação, os originais dos dois primeiros se perderam e apenas do

último é que existem algumas folhas.

Os contos recebem maior atenção das editoras brasileiras nos últimos

anos, quando determinados títulos são publicados a custo baixo. Também em língua

estrangeira essas narrativas aparecem no mercado editorial: Rarezas de uma

muchacha rubia

, Singularités d’une jeune fille blonde

, Une singulière jeune fille

blonde

É importante ressaltar que a aguardada edição da Obra completa,

organizada e fixada pela professora Beatriz Berrini, é completa, não só, mas

também, em relação às narrativas breves. Dela constam desde pequenos textos

chamados por Piwnick “contos latu sensu” (BERRINI, 2000, p.1369), reunidos nas

Prosas bárbaras, passando pelos títulos da primeira edição dos Contos, em 1902 e

alcançando títulos póstumos, como os dos santos e aqueles com edição crítica

acima mencionados. Cabe salientar que os textos literários dos quais este trabalho

se serve pertencem a essa edição, pela sua reconhecida seriedade compartilhada

na comunidade acadêmica queiroziana.

Ainda que a narrativa breve não tenha sido exatamente a sua linha de

produção principal, ela o acompanha durante toda sua carreira de escritor. Lins

(1959, p.30) entende que

Escrevia contos, porém, com todos os requisitos do gênero, como

era conceituado no século XIX. Não fez contos-resumos de romance,

não fez contos-simples, crônica de um fato ou

apresentação de

personagens. Os de Eça são sintéticos, monocromáticos,

casuísticos. Não se sabe se conheceu os de Maupassant, mas os

seus são bem à antiga: o enredo forma-se sempre de um caso fora

do comum. Neles, Eça esquecerá um pouco os seus mestres e

esquecerá de todo as exigências da escola realista. Nos romances

estará murado pela disciplina e pelos processos naturalistas; nos

contos, sente-se mais livre para as aventuras da imaginação.

Dessa fala destaca-se a idéia da originalidade da narrativa ao tratar de

um assunto diferenciado a tal ponto de merecer ser contado. Porém, nem sempre

seus contos se distanciam dos ideais estéticos realistas defendidos e difundidos por

Eça, até publicamente. É o caso de “Singularidades de uma rapariga loira” e de “No

moinho”, para ficar nos títulos mais incisivos.

O próprio autor se manifesta, ainda que poucas vezes, sobre as suas

intenções em relação ao conto. Para ele, a linha de composição deve ser sóbria,

rápida, o que está em consonância com os comentadores da época, como Poe, no

QUEIRÓS, E. de. Rarezas de uma muchacha rubia. Madrid: Aguilar, 1988.

______. Singularités d’une jeune fille blonde. Paris: L’age d’homme, 1983.

QUEIRÓS, E. de. Une singulière jeune fille blonde. Paris : Gallimard, 1997.

que se refere à brevidade, o que parece estar ligado ao princípio do bem escrever,

bem ouvir e bem compreender. Em outras palavras, tal procedimento mantém o

leitor atento, sintonizado à história bem contada. A esse respeito, Eça de manifesta

em carta aos Condes de Arnoso e de Sabugosa, em 1895, avaliando o volume De

braço dado:

Foi um delicado prazer o ter-vos aqui, toda uma noite, ouvindo, ora a

um, ora a outro, uma linda história bem sentida, real e no entanto

poética, e contada com uma arte fina e sóbria. Positivamente, contar

histórias é uma das mais belas ocupações humanas [...]. Todas as

outras ocupações humanas tendem mais ou menos a explorar o

homem; só essa de contar histórias se dedica amoravelmente a

entretê-lo, o que tantas vezes equivale a consolá-lo. Infelizmente,

quase sempre, os contistas estragam seus contos por os encherem

de literatura, de tanta literatura que nos sufoca a vida! Vós não sois

desses: contais simplesmente, com elegância, o que observais com

verdade; e por isso nos dais histórias vivas que deixam uma emoção

viva. (QUEIROZ, 1961, p.97)

Essa carta escrita cinco anos antes de sua morte guarda a opinião do

escritor experiente, conhecedor da prática da composição e da leitura. Anos antes,

em 1884, em carta a Oliveira Martins, Eça reclama de sua “névoa intelectual” que o

impede até mesmo de encomendar com clareza uma peça ao alfaiate. Diante dessa

“incapacidade”, por uma questão de honestidade, limita –se a produzir contos para

crianças e sobre a vida dos grandes santos.

A leitura da correspondência de Eça é reveladora em relação ao cuidado

despendido pelo escritor à elaboração de seus títulos contistas. Em setembro de

1891, quando já reclama de indisposição física, o autor comunica a Luís de

Magalhães, editor, que acredita ser seu conto encomendado extenso para a

publicação pretendida e que não consegue fazê-lo menor sem prejuízos. Afirma:

“Cada vez possuo menos aquela arte de concisão que caracteriza o verdadeiro

escritor”. (QUEIROZ, 1961, p.86). Um mês mais tarde, dá notícias ao seu editor que

o primeiro número da revista não pode conter o seu conto, porque não conseguiu

diminui-lo na sua extensão.

Eça, pelo o que pode ser observado na leitura de suas cartas, reconhece

a propriedade necessária para aliar qualidade à brevidade, compatibilidade

alcançada por ele em seus próprios contos.

3.2 Fortuna crítica

Em estudos anteriores (JARDIM, 2003), já se observou que a produção

contista não é objeto de estudo pontual. A atualização da fortuna crítica não

aumenta o número de estudos e publicações; esparsamente encontram-se trabalhos

em eventos acadêmicos. No entanto, estudos de toda ordem sobre textos ficcionais

e não ficcionais queirozianos estão na ordem do dia, principalmente por volta do

ano 2000, um pouco mais, um pouco menos, quando é lembrado o centenário. É o

caso das publicações crítico e/ou informativas, como o de Carlos Reis, Estudos

Queirosianos – Ensaios sobre Eça de Queirós e a sua obra (Lisboa, Editorial

Presença, 1999), Manuel dos Santos Alves, Eça de Queiroz: Sob o signo de

Mnemósine: intertexto, interdiscurso, dialogismo (de Tróia ao Lácio) (Braga,

Universidade do Minho, 1992); Mário Vieira de Carvalho, Eça de Queiroz e

Offenbach: a ácida gargalhada de Mefistófeles Lisboa (Edições Colibri, 1999); Aníbal

Pinto de Castro, Eça de Queiroz da realidade à perfeição pela fantasia (Lisboa, CTT

– Correios de Portugal, Edição Clube do Coleccionador, 2001); Maria do

Rosário Cunha, Molduras: articulações externas do romance queirosiano (Coimbra,

Universidade Aberta, 1997), Ana Paula Guimarães, O Livro: Eça, Platão, Mallarmé e

Borges (Lisboa, Apenas Livros Lda, Colecção À Mão de Respigar n.º 9, 2003),

Eugénio Lisboa, No Eça nem com uma flor se toca – Eça visto por Régio (Lisboa,

Instituto Camões, 2002), A. Campos Matos, Sobre Eça de Queiroz (Lisboa, Livros

Horizonte, 2002); Ana Nascimento Piedade, Fradiquismo e Modernidade no Último

Eça Lisboa (Imprensa Nacional Casa da Moeda, 2003), Maria do Carmo Castelo

Branco Sequeira, A Dimensão Fantástica na obra de Eça de Queiroz (Porto, Campo

das Letras, 2002), Maria João Albuquerque Figueiredo Simões, Ideias Estéticas em

Eça de Queiroz (Coimbra, Edição da Autora, 2000), Helena Carvalhão Buescu,

Descrição, ironia e antropologia literária: Eça de Queirós (Porto, Campo das Letras,

2001). Quanto às pesquisas, acrescenta-se uma tese da Universidade de São Paulo

(1999) na qual é examinada a importância e o efeito dos adjetivos na construção das

narrativas breves. Outro trabalho relativamente novo acerca dos contos queirozianos

é o de SILVA (1999), intitulado Le réalisme dans Contos de Eça de Queiroz: étude

des septs contes dits non-réalites, apresentado na Université de Paris, em 1999,

mas que não se encontra disponível nas bibliotecas digitais.

No entanto, os textos de maior extensão de Eça são temas de estudos em

diversos lugares, conforme revelam as pesquisas nas bases de dados nacionais e

internacionais

. Trabalhos mais interessantes ficam por conta de publicações que

focalizam títulos específicos, segundo levantamento bibliográfico realizado junto à

Biblioteca Nacional de Lisboa e à Fundação Eça de Queiroz, em Tormes (nome

fictício da Quinta da Vila, herança da família Eça de Queiroz, localizada em Santa

Cruz do Douro, cuja Fundação é presidida pela nora da filha do escritor). O

levantamento dos trabalhos e a leitura de seus conteúdos permitem dizer que eles

são textos curtos, publicados por ocasião de comemorações e/ou eventos

acadêmicos. Eles se prendem, na maioria das vezes, a análises estruturais dos

textos, examinando como as categorias narrativas são construídas e em quais há

maior investimento narrativo, tendo em vista o efeito pretendido, como é caso de

Abel Barros Baptista (1986) ao tratar do conto “José Matias”, Jacinto Prado Coelho

(1968), no seu tradicional estudo sobre a mesma narrativa ou ainda Juan Paredes

Nunez (1985) em “José Matias’ de E. de Q.: tentativa de descrição estrutural”.

Outros fazem um recorte temático e o exploram no título escolhido, exemplo

constatado no trabalho de Ana Paula Ferreira (2002) ao analisar o tema do

homossexualismo ainda no mesmo conto (aliás, é fato que esse é o que mais recebe

atenção dos estudiosos). Por último, o grupo que se atém ao exame da forma conto

na produção eciana, verificando, assim, como o autor fixou essa forma narrativa na

literatura portuguesa do século XIX. Recentemente Carlos Reis ministrou uma

conferência acerca dos contos na França, em Clermont-Ferrand, intitulada Eça de

Queiroz: produção literária e escrita do conto, que não existe em texto. Em termos

de estudos mais amplos, as referências continuam a ser Contos de Eça de Queiroz,

BERRY-HORTON, Glenna. Fatal attractions in luso-brazilian literature.

SIMAS-ALMEIDA, Leonor. The reader's emotional response to the characters in “O Primo

Bazilio”, “Madame Bovary” and “The Awakening” (Eca de Queiros, Portugal, Gustave Flaubert,

France, Kate Chopin).

RIPPON, Maria Rose. Whose crime and whose punishment? Adultery in the nineteenth-century

novel (Gustave Flaubert, Eca de Queiros, Kate Chopin, Leo Tolstoy, Russia, Spain, Portugal,

France).

ABEL-QUINTEIRO, Margaret Mary. Eca beyond realism: a study of the language of flowers in “Os

Maias” .

de Maria Eduarda Vassalo Pereira (1983)

; Leitura de um conto de Eça de Queiroz:

“Singularidades de uma rapariga loura”, de Maria Adelaide Coelho e Arlete Miguel

(1991) e Introdução à leitura dos contos de Eça de Queiroz, de Henriqueta M. A.

Gonçalves (1991). Ainda no grupo de abordagens gerais enquadra-se o artigo de

Lauro Escorel, “E. de Q. contista”, no Livro do Centenário de E. de Q., lançado em

1945.

Diante do quadro apresentado, no qual é possível visualizar de forma

panorâmica os estudos acerca dos contos (cujos resultados e discussões serão

tomados em momento oportuno para este trabalho), observa-se que é um campo

menos investigado que os romances e, por isso mesmo, várias tônicas se mantêm

latentes. Dos trabalhos já existentes de maior extensão cujos títulos foram

mencionados acima, nota-se que uma das grandes preocupações é reconhecer as

temáticas desenvolvidas em consonância ou não com a estética em voga e, a partir

de então, estabelecer um “agrupamento” ou uma aproximação entre as produções

contistas e, até, entre elas e aquelas de maior extensão.

4 O CORPUS E A METODOLOGIA

Para tratar dos títulos selecionados para este trabalho que compõem o

seu corpus, faz-se necessário retomar a proposta deste estudo, a tese sobre a qual

ele se sedimenta. Parte-se do senso comum de que Eça de Queiroz é o escritor

português realista de maior representatividade em Portugal, tanto pela sua produção

propriamente dita, como pela sua atividade militante em defesa da estética que julga

ser transformadora da sociedade, sobretudo na chamada segunda fase. Nesse

sentido, interessou em abordagem anterior (JARDIM, 2003) examinar como a

temática amorosa é tratada na produção contista do escritor, já que é uma condição

cara aos românticos tão criticada pelos realistas. As conclusões desse estudo

apontam, entre outros, o uso de uma estrutura e mesmo de recursos próprios do

melodrama, espetáculo típico do século XIX cujo histórico que engloba sua evolução

já foi percorrido no segundo capítulo deste trabalho, que examina, agora, a utilização

dessa modalidade teatral plasmada na narrativa breve queiroziana.

Essa publicação não possui reedição, e a dificuldade de encontrá-lo é bastante grande.

As referências completas se encontram no final do trabalho.

Como é fácil concluir, o esqueleto melodramático não está presente em

todo e qualquer conto, e sim naqueles – mas nem todos – que tematizam o amor. A

fim de verificar a hipótese que aqui se propõe, elege-se como corpus de análise os

títulos “Singularidades de uma rapariga loira”, “No moinho”, “José Matias”, “Um poeta

lírico” e “Um dia de chuva”, cujas publicações obedeceram destinos diferentes.

“Singularidades de uma rapariga loura”, produzido em 1874 quando o

escritor trabalhava em Havana, aparece no Diário de Notícias como “brinde aos

senhores assinantes”, num suplemento. Em geral, esse conto é entendido pelos

críticos como a primeira narrativa realista portuguesa. Na carta a Eugênio de Castro,

editor da série Biblioteca Internacional, datada de 21 de fevereiro de 1896, Eça

responde ao editor que propõe a continuação (ou, talvez, a reedição) de “Rapariga

loura”:

[...] não tornei a ler, nem sequer avistar, essa ‘Rapariga loura’, desde

que ela apareceu, há mais de vinte anos, no Diário de Notícias, e

estou receando que esse trabalho, assim desenterrado, necessite

muita limpeza e muito conserto. (QUEIROZ ,1961, p.101).

Apesar da manifestação “reparadora” de Eça sobre essa narrativa, não há

notícias de que ele tenha voltado a trabalhar nela.

“Um poeta lírico” e “No moinho” são contemporâneos; a diferença entre a

data de publicação (a de produção não é estabelecida) difere em um mês. Ambos

aparecem no jornal O Atlântico, folha comercial literária e noticiosa, em 1880. “José

Matias” é uma publicação bem mais tardia, datada de 189 pelo amor 7, na Revista

Moderna, periódico publicado em Paris que circulava também em Portugal, do qual

Eça é importante colaborador remunerado. Nele publica mais dois outros contos (“A

perfeição” e “O suave milagre”), algumas crônicas e parte de A ilustre casa de

Ramires.

“Um dia de chuva” é um caso que não se enquadra no mesmo grupo de

publicação que os outros contos selecionados, por duas razões que o distinguem

dos demais: a primeira, porque é uma publicação póstuma; a segunda porque

possui edição crítica. O conto aparece em 1929, no volume Cartas inéditas de

Fradique Mendes e mais páginas esquecidas, mas possui outras edições. A

pesquisa para a reconstituição da narrativa revela que o título não foi atribuído pelo

seu autor e muitas intromissões alheias estão presentes nos manuscritos, resultando

em modificações perceptíveis se comparadas com o texto de 1929. Exemplo disso

são as datações de páginas e algumas anotações a lápis. Após examinar dados da

narrativa e relacioná-los ao contexto português, aponta-se 1885 (um pouco mais, um

pouco menos) como a data de sua produção.

De posse dessas localizações temporais de publicação, colaboradoras no

nível de contextualização da história de produção literária de Eça, o trabalho passa a

verificar quais as constantes melodramáticas observáveis e a intensidade com a qual

elas comparecem nos textos selecionados. Nessa etapa, a teoria literária é solicitada

para comentar e esclarecer o discurso literário e, assim, examinar a construção da

literariedade, especificidade do texto literário. Como a proposta deste trabalho é

examinar a adesão do escritor realista a um modelo originalmente romântico, não se

faz aqui uma análise exaustiva das categorias narrativas, nem tampouco a

convocação de linhas teóricas, mas apenas referências para analisar a medida

melodramática nas narrativas focalizadas, para a qual tomam-se os estudos e

estudiosos do melodrama, especialmente Jean Marie Thomasseau (2005).

Para a análise dos contos focalizados, parte-se do princípio teórico de

que a forma conto é uma narrativa breve, como costumeiramente vem sendo

chamada pelos estudiosos. De fato, Claude Bremond, em seu artigo A lógica dos

possíveis narrativos diz que “toda narrativa consiste em um discurso integrado numa

sucessão de acontecimentos de interesse humano na unidade de uma mesma ação”

(1971, p.113). O conto atende a essas condições porque trata de relações de causa

e efeito, de causalidades, estendidas num determinado tempo, cujo foco está

voltado para as questões humanas. O discurso narrativo não caminha para o nada

ou para o desnecessário: se há o seu desenvolvimento, ele interessa à narrativa,

num processo de coerência interna. Essa “unidade” geradora da economia narrativa

é muito adequada à forma conto, pois ela converge para a unidade de efeito de Poe

(1987) que realmente não permite a existência do descartável.

Entendido como uma das formas de retratar a realidade e adicionado o

fator recriação, o conto é, então, como uma narrativa de pequena extensão que

apresenta a propriedade da narratividade. Na sua construção, de acordo com a

proposta deste estudo, interessa investigar como nela estão operacionalizados os

elementos melodramáticos e que efeitos eles trazem para o texto. No momento

apropriado, tomar-se-á a teoria da narrativa que se julgar mais adequada para

examinar o texto literário nos seus processos internos.

5. TEORIAS SOBRE O CONTO

Considerando o conto como forma narrativa e possuidora, portanto, de

uma coerência lógica nas suas partes constitutivas, e tendo se afirmado ao longo da

história da literatura, essa modalidade passa a ser reconhecida e discutida por

estudiosos que procuram inventariar e esclarecer sua narratividade.

Herdeiro das tradições orais na evolução da sua história, o conto é muitas

vezes confundido com outras formas narrativas, nomeadamente o romance e a

novela. No período medieval não possui o status de literário, visto que o termo se

refere a relatos, acontecimentos, sem nenhum caráter propriamente estético ou

maior elaboração que dá ao texto outros sentidos. No entanto, nos últimos séculos

desse momento e mesmo na época renascentista, embora decline a ocorrência

desses textos, há uma melhora qualitativa deles, marcadamente com Boccaccio e

seu Decameron, cujas narrativas não possuem títulos, mas números, e Chaucer,

autor de Canterbury Tales. A partir de então, a Europa passa a exercitar o conto (há

nomes importantes como Cervantes e Quevedo, na Espanha e La Fontaine na

França), até atingir maturidade no século XIX, quando, com grande adesão e prática

dos autores, trata de temáticas variadas (com modos de contar diferentes,

envolvendo procedimentos narrativos igualmente diferentes), o que leva a uma certa

“tipologia” contista, nomeada como contos satíricos, alegóricos, fantásticos, policiais,

humorísticos e outros. Ainda nesse século despontam autores que imortalizaram as

narrativas breves: Maupassant, Poe, Tcheckov, Hoffmann, Machado de Assis são

alguns nomes. Também nesse momento o termo conto começa a se desvincular de

outras modalidades das quais é considerado, freqüentemente, sinônimo, como já se

disse acima, apesar de alguns escritores utilizarem indistintamente os termos novela

e conto sem maiores critérios de classificação. Mesmo Eça de Queiroz, leitor de

grande porte e conhecedor de tantos títulos (o que poderia significar a adoção de

nomenclaturas mais precisas), utiliza em “O tesouro” e “Frei Genebro” os subtítulos

“As histórias”, conforme lembra Piwnik (1997). As definições encontradas em

enciclopédias daquele período indicam ser a extensão da narrativa o principal divisor

de águas dessas modalidades, cuja proximidade está baseada no denominador

comum do gênero narrativo, a da sucessão das ações no decorrer de um período.

Assim, conto e novela são formas próximas, a começar pela natureza breve

norteadora das narrativas. Essas formas, juntamente com o romance, são distintas

do ponto de vista literário mais claramente na segunda metade do século XX:

La théorie littéraire voit, dans ce schématisme et cet achèvement du

contenu, l’organisation et la matrice de tout récit, qu’elle ne peut

déceler dans la nouvelle ou dans le roman, parce que là, il n’y a plus

une intrigue, mais des groupements d’intrigues ou, dans la nouvelle,

constitution d’une loi sémantique spécifique qui commande une

hiérarchie choisie des significations. (DICTIONNAIRE DES

LITTÉRATURES, 1998, p.366-7)

Embora as discussões em torno do conto apontem-no como uma das

formas mais antigas de narrar, pois falar, compartilhar, comunicar, ouvir, conhecer,

elaborar, é uma atividade propriamente humana, é com Edgar Allan Poe, escritor e

ensaísta inglês, que ele começa a receber a discussão mais direcionada para sua

estrutura em geral, embora o autor seja considerado o mestre das histórias de terror.

Nas resenhas sobre as narrativas de Nathaniel Hawthorne apresenta a sua teoria do

conto, sublinhando o mesmo princípio da composição do poema, o da brevidade, da

concisão, conforme expõe n’A filosofia da composição. Para ele, manter o leitor

interessado e atento é fundamental, caso contrário a leitura não teria o efeito

desejado. Nesse sentido, tanto o poema (o próprio autor apresenta a composição

quase matemática de seu poema O corvo) quanto a narrativa devem ter a

propriedade da totalidade, isto é, nada deve desviar a atenção do leitor daquilo que

é essencial, constituindo a unidade de efeito à qual se vincula a intensidade da

leitura. Também por isso, segundo ele, o conto é mais eficaz que o romance, uma

vez que a maior extensão narrativa leva o leitor a interromper a leitura, e daí à perda

da sua eficácia, pois a totalidade não é alcançada e as tensões são amenizadas.

Portanto, o autor deve atentar para a seleção daquilo que deseja contar e o modo

como conta, tendo em vista o domínio sobre o leitor e o efeito pretendido

(Hemingway também é do mesmo princípio: o autor deve manipular as informações

que apresenta, mas sem perder de vista a sensação da verdade). Numa verdadeira

economia dos meios narrativos, diálogos, descrições, considerações desnecessárias

são, portanto, descartáveis, já que podem comprometer a extensão e o tempo de

leitura, mas não podem, de modo algum, colocar em perigo a propriedade da

coerência interna da história apresentada. O que é mantido respeita a estrutura do

texto e da significação, como observa Barthes (1964, p.369):

o que tem sentido em uma mensagem é a sua totalidade. Seu

sentido deriva do fato de ela ser uma estrutura e, na estrutura, como

sabemos, tudo, qualquer de suas partes, significa alguma coisa, em

um ou outro nível, visto que a significação é uma propriedade

relacional e qualquer elemento de um discurso está, por força de

pertencer a uma unidade de dependências internas, relacionado com

qualquer outro elemento dentro do mesmo discurso, e/ou com o

discurso como um todo.

Cortázar concorda com Poe no que diz respeito à economia interna do

conto. Em dois ensaios que tratam do conto, contidos em Valise de Cronópio, o

autor ratifica e amplia as idéias do escritor inglês. Para o contista e ensaísta

argentino, esse “compreendeu que a eficácia de um conto depende da sua

intensidade como acontecimento puro, isto é, que todo comentário ao acontecimento

em si deve ser radicalmente suprimido.” (CORTÁZAR, 1974, p.122). A idéia da

unidade de efeito é aceita plenamente: “Tomem os senhores qualquer grande conto

que seja de sua preferência, e analisem a primeira página. Surpreender-me-ia se

encontrassem elementos gratuitos, meramente decorativos.” (1974, p.152). No

entanto, ressalta o autor, essa economia se estende à adequação da expressão

verbal ao episódio narrado; além de centrar-se naquilo que é fundamental para a

criação da tensão e da intensidade, a narrativa deve estar atenta para utilizar uma

linguagem ajustada com essa preocupação. Com a eliminação de “acessórios” não

interessantes intimamente ao conflito central, e com todos os sintagmas trabalhando

em prol dele, juntamente com a atmosfera criada pela tensão, todas peças se

encaixam, numa verdadeira coerência interna. No conto, há um só núcleo narrativo,

e tudo na narrativa, a começar pelo título, contribui para o desenvolvimento ou para

a convergência desse “átomo narrativo”.

As considerações de Cortázar também tangenciam a questão do efeito de

unidade sentenciada por Poe, especialmente no que se refere à sensação causada

no leitor. Para ele, uma leitura causa ressonância quando consegue ultrapassar os

limites da história pelo modo como esta é construída e apresentada. O tratamento

literário que o tema recebe faz da narrativa uma substância ativada, com alta carga

de significação, cujo efeito é sentido naquele que a experimenta. Essa “carga de

significação” está atrelada à intensidade porque, à medida em que é descartado o

desnecessário e criada uma órbita em torno do tema, há uma concentração de

dados, um adensamento, puramente relacionados ao elemento principal, gerador da

narrativa. Como não há nenhuma amenização, a aproximação lenta e precisa motiva

a tensão, resultante da intensidade. Contrariando Poe, pregador da idéia de compor

o conto de forma matemática, Cortázar acredita ser a criação e o produto literário

resultado de uma “batalha fraterna” entre a vida (matéria-prima) e a sua expressão.

Ricardo Piglia, ensaísta, roteirista e um dos principais escritores

argentinos da atualidade, também apresenta sua visão no ensaio “Teses sobre o

conto”, no livro O laboratório do escritor (1994). De forma muito objetiva, a primeira

tese diz que o conto clássico sempre apresenta, na verdade, duas histórias,

denominadas “história aparente” e a “história cifrada”. Por “história aparente”

entende-se história visível, compreendida sem maiores dificuldades, enquanto que a

“cifrada” trata de algo narrado de forma fragmentária, escondido na história mais

acessível. Quando uma se revela na outra, ocorre o “efeito de surpresa”, relacionado

ao “efeito de unidade” de Poe. Para ele, as duas narrativas acontecem

simultaneamente, mas a aparente guarda vias de diálogo com a cifrada, até que em

certo momento elas se encontram. Sublinha o ensaísta argentino que, nos contos

modernos, com Tchekhov e Joyce, a tensão entre as duas histórias nunca chega a

bom termo, e acabam por se confundir. Num sentido mais abstrato, Piglia afirma ser

essa forma de compreender o conto (como a somatória do visível e do oculto)

análoga à busca humana de descobrir uma verdade secreta.

Embora Cortázar entenda que “quase ninguém se interessa por essa

problemática” (1974, p.152), quando se refere ao conto, a discussão em torno dessa

breve e mais antiga forma de narrar permite ao menos fixar algumas constantes.

Brevidade, economia e comedimento são palavras norteadoras do texto contista;

delas derivam outras ações constitutivas desse tipo de narrativa: Massaud Moisés

(1992) reúne objetivamente e de modo geral seus pilares estruturais. Partindo da

idéia da unidade, o enredo se desenvolve tendo em vista um conflito, um drama,

principal. Para isso, como bem estabelece Poe, digressões de qualquer natureza

que desviem desse núcleo não existem. Se há algum tipo de digressão temporal, ela

ocorre de maneira sintética e por razões explicativas, que bem podem ser índices

para a história cifrada, conforme Piglia. Aliás, o tempo é restrito, rápido, um recorte

do cotidiano se realidade fosse.

Narrativa que é, o conto também precisa das categorias narrativas para

ser arquitetado. Ainda com Massaud Moisés (1992), o espaço pode ser variado,

preparadores de situações, mas apenas um guarda a densidade dramática, a

peripécia que altera o destino previsto. Poucas são as personagens porque poucas

são as que participam do conflito central; as outras contribuem para atestar algo. O

epílogo, preparado por todas as categorias presididas pelo tom da unidade desde o

início da narrativa, responde pelo clímax. Num conto bem elaborado, o ponto final

sinaliza no leitor algum alívio em relação à tensão vivida na narrativa, mas, ao

mesmo tempo, concentra-se a ressonância daquilo que a leitura provocou. De certo

modo, ocorre a catarse prevista por Aristóteles.

Além dessa espécie de cânone do conto composto pela operacionalização

dos procedimentos narrativos, importa observar que nem toda narrativa breve tem o

mesmo comportamento. Em geral, as histórias possuem um encadeamento de

ações culminantes no clímax, após passarem pela peripécia: existe uma linearidade

de acontecimentos, estabelecendo a seqüência lógica de começo, meio e fim. Por

outro lado, há aquelas em que o enredo não evolui; nada acontece e nada se

resolve. Para Marchezan (2006), o princípio da economia rege todo conto, mas com

ênfases diferentes:

Um conto trabalha economicamente os meios narrativos. Desse

modo, ele pode relatar um acontecimento tanto com ênfase no

desenlace, no caso de um conto de enredo, como ressaltar a

ambientação ou atmosfera desse acontecimento, como no caso de

um conto de situação. O conto, enfim, converte um acontecimento

em linguagem. No primeiro caso, ele narra a história de maneira

objetiva; no segundo, de maneira subjetiva. (CAMARANI;

MARCHEZAN, 2006, p.191).

Essas diferentes maneiras de conduzir a narrativa levam a resultados também

distintos. Num conto de enredo, clássico, tudo leva ao desfecho, porque acontece o

processo de sucessão de acontecimentos do qual se aguarda uma finalização; as

ações fluem para um desenlace. Porém, o percurso é descontínuo, já que os pivôs

narrativos alteram a trajetória da história e colocam o leitor diante de um antes e

depois. Esses “pivôs” são referências que pautam a narração, isto é, um

acontecimento forte, marcante, que faz a narrativa ter uma outra seqüência

narrativa.

Por outro lado, os contos de atmosfera ou situação não se prendem a

grandes acontecimentos e, por isso, não há desenvolvimento de ações significativas

ou de clímax que deságua no desenlace. Para V. Chklovski (1917, p.208), “Se não

há solução, não temos a impressão de nos encontrar em face de uma trama”. Esse

tipo de composição, relacionado automaticamente à produção de Tchekhov, escritor

russo, é praticamente oposta ao modelo clássico de Poe. Ao contrário do que prega

o inglês, o conto de situação privilegia uma sensação, por vezes advinda da reflexão

e inquietação sobre a própria condição de estar no mundo e suas conseqüências.

Como a ênfase está em “traduzir em prosa” (CAMARANI;MARCHEZAN, 2006) os

estados da alma, a narrativa é subjetiva, sem preocupação com o desenlace, sem

peripécias, num ritmo contínuo.

Discutir e estudar a forma breve de narrar, tão fecunda na história da

literatura, é também pensar na maneira encontrada e escolhida pela sociedade para

retratar a sua própria história. Ao longo do tempo, estudiosos se debruçam sobre as

narrativas presididas pelo comedimento, num esforço em esclarecer, dentro do

âmbito da literariedade, os meios engendrados que levam à potencialização

narrativa. Se tudo no conto é suficiente e ajustado – pois, como concluem os

estudos tradicionais, se a história aparente deve estar sincronizada com a cifrada, se

não devem existir discursos excessivos e desnecessários nem tampouco faltar

elementos para não perder de vista o efeito desejado no leitor -, é sinal de que se

trata de um trabalho bem realizado. E, se assim for, o leitor é impulsionado a

constatar que o que parece apenas um detalhe, uma sugestão, é um elemento de

carga significativa compreendido ao fim da leitura: o máximo é construído a partir do

mínimo.

Vale dizer que a operacionalização da proposta deste estudo se torna viável

uma vez que a natureza da composição do conto possibilita a assimilação de certos

comportamentos do drama, como a aproximação entre palco e platéia traduzida, no

conto, principalmente naqueles de enredo, na leitura e leitor. Além disso, o teatro

apresenta espaços pouco variados, assim como no conto.

Como conclui Cortázar (1974, p.153), “Um conto é significativo quando

quebra seus próprios limites com essa explosão de energia espiritual que ilumina

bruscamente algo que vai além da pequena e às vezes miserável história que

conta.”. A fim de entender como é feita tal operação, este estudo convoca os

estudos da Narratologia porque ela oferece instrumentos que permitem descrever a

narrativa com procedimentos apropriados, levando ao melhor entendimento da

singularidade de cada texto literário dessa natureza.

6 ESTUDOS CRÍTICOS DA OBRA QUEIROZIANA

Embora a proposta deste estudo não seja a de examinar a linha

historiográfica da crítica sobre a produção ficcional queiroziana, nem tampouco

estabelecê-la, importa compreender como a obra do autor é recebida e entendida ao

longo do tempo, quais os ângulos adotados e que evolução há entre esses olhares.

Percorrer essa trajetória é um trabalho de grande dimensão e por isso ela é

parcialmente apresentada e apenas alguns estudiosos são evidenciados.

Na época contemporânea às publicações, Matos (2000) assinala que Eça

recebe grande admiração dos estudantes de Coimbra na última década do século

XIX, quando até uma revista lhe é dedicada. No entanto, a crítica portuguesa da

época não se pronuncia sobre sua produção, o que lhe deixa insatisfeito, porque,

segundo o próprio escritor, o parecer de outros lhe fornece um termômetro que lhe

permite avaliar e, se necessário, corrigir seus textos. Com o silêncio da crítica,

constata-se na sua correspondência o pedido aos amigos para que opinem sobre

seus romances e, uma vez isso realizado, posiciona-se diante dessas opiniões,

agradecendo ou comentando-as, como acontece na carta a Teófilo Braga, em 1878.

Os Maias é a publicação que recebe significativa reação em Portugal,

especialmente a de Bulhão Pato, poeta ultra-romântico português que convive com

Alexandre Herculano, Almeida Garrett, entre outros; é colaborador de jornais e

revistas, entre elas O Panorama e a Revista Universal Lisbonense. No romance

queiroziano é caricaturado na figura de Tomás de Alencar, fato que provoca a

publicação de duas sátiras da obra.

É com O primo Basílio que parece haver uma significativa atenção para a

obra de Eça. Sucesso de vendas e edições, o título alcança a segunda edição em

três meses e desperta a atenção e a crítica negativa de Machado de Assis,

publicada n’O Cruzeiro em 16 de abril de 1878, que se refere, principalmente, à

superficialidade da composição da personagem Luísa, como tantos já estudaram e

discutiram.

Após a morte do escritor, aparecem estudos de natureza biográfica, entre

comentários de toda ordem. João Gaspar Simões, cuja atividade de crítico literário

exerce no Diário de Lisboa, dedica ao autor português, por ocasião do centenário de

seu nascimento, uma extensa biografia de Eça (como também o faz com Fernando

Pessoa) intitulada Eça de Queiroz - o Homem e o Artista, datada de 1945, na qual a

vida do escritor é desvendada com fatos nem sempre correspondentes à realidade

dos fatos, segundo a própria filha do escritor, Maria, para fazer justiça à memória do

pai (Campos, 2000).

No Brasil, a perspectiva da crítica é semelhante à portuguesa no começo

do século XX. É curioso que o primeiro livro sobre Eça de Queiroz, tratando em parte

de sua biografia, é lançado em solo brasileiro antes mesmo que em Portugal. Seu

autor, Miguel Mello, organiza seu conteúdo em duas partes, a primeira com quadros

de literatura da época e questões de estilo (questões voltados para o uso de

galicismos, por exemplo), e a segunda por uma biografia construída a partir de um

questionário respondido pelo filho do escritor, José Maria Eça de Queiroz.

Em 1938, Vianna Moog, romancista e ensaísta, também segue a linha

biográfica em Eça de Queirós e o Século XIX, um tanto quanto fantasiado, como o

livro de Gaspar Simões. A partir de referências de suas obras ficcionais, o autor da

biografia (re)constrói o percurso de Eça. Por outro lado, em caráter mais inovador, lê

a produção queiroziana de maneira mais analítica em relação aos textos literários,

deixando de lado a preocupação em associá-los aos aspectos biográficos.

Álvaro Lins, já mencionado, embaixador em Portugal e ocupante de uma

cadeira na Academia Brasileira de Letras, em sua História literária de Eça de

Queiroz, publicada originalmente em 1939, considera dois pólos importantes ao

tratar da obra do escritor português: a sua interpretação e o seu julgamento, critérios

já distanciados dos de Moog. Apesar de Lins manifestar críticas positivas e

negativas aos romances de Eça, emitindo pareceres um tanto quanto emocionais,

como o que se refere ao volume de A cidade e as serras, a metodologia de Lins se

alicerça em leituras críticas que levam a concluir a preocupação de Eça com a obra

de arte, e não apenas com o momento estético-literário ao qual sempre é associado

o seu nome. Esse olhar se distancia de Moog, que aproxima a vida do escritor à sua

produção ficcional.

Quase na segunda metade do século, quando Eça é já um ponto pacífico

entre os leitores brasileiros, tendo já gerado uma “ecite” entre eles, outros ensaístas

se manifestam. Para as comemorações do centenário do autor, o historiador Jaime

Cortesão, diretor intelectual da Editora Dois Mundos, com sede no Brasil e em Portu-

gal, confia a Lúcia Miguel Pereira e a Câmara Reys a direção de um livro comemo-

rativo da data, intitulado Livro do Centenário de Eça de Queirós. Assim, nomes como

Manuel Bandeira, Gilberto Freyre, Aurélio Buarque de Holanda, Álvaro Lins, José

Lins do Rêgo, Antônio Cândido, entre outros, se debruçam para opinar sobre a obra

e a sua ressonância. Nesse mesmo ano há uma publicação bastante interessante,

de Reis (1945), intitulada Eça de Queiroz no Brasil na qual há um inventário de

referências de toda publicação em torno do autor português, mesmo no ano de sua

morte, passado um mês

Mas há quem se volte para fatos históricos, como Paulo Cavalcanti que,

em 1959, no seu Eça de Queiroz agitador do Brasil trata da polêmica criada em

torno da visita do Imperador a Portugal em 1871. Na verdade, As farpas, dirigida por

Eça e por Ramalho Ortigão, trazem numa de suas edições “insultos” ao Imperador

quando este visita Portugal em 1871. Baseado em pesquisas históricas e em

documentos da época, Cavalcanti conclui que são criados sentimentos anti-lusitanos

em Recife, resultando em perseguições a famílias portuguesas. A preocupação do

estudioso vale pela pesquisa em documentos da época para constatar a veracidade

das informações em torno da recepção brasileira.

De modo geral, percebe-se que a crítica em torno da produção

queiroziana conhece dois tempos: o do contemporâneo a Eça de Queiroz que, em

parte, considera-a fortemente naturalista, com fortes apelos sensuais, sem maiores

preocupações de composição, ou ainda como uma imitação francesa. No entanto,

naquela época muitos já o consideram altamente expressivo, afinado com a

literatura praticada da época. Depois da sua morte, a abordagem mais praticada é a

associação entre biografia e ficção, ou vice-versa. Com a chegada do salazarismo,

parte de seus últimos textos é considerada nacionalista. Aos poucos, pelos

exercícios críticos que sua obra possibilita, outro ângulo é tomado para visualizar a

importância e a qualidade de sua produção: o da dimensão estética.

4 ANÁLISES E CONSIDERAÇÕES

4.1 “Singularidades de uma rapariga loura”: o amor e a honra

Considerada a primeira obra portuguesa realista por Fialho de Almeida,

escritor contemporâneo de Eça, “Singularidades de uma rapariga loura” é um conto

de enredo, cuja narrativa o cineasta Manoel de Oliveira pretende tornar filme no ano

de 2008. Contado por um narrador que reproduz as falas de Macário vividas há

muitas décadas antes, conhece-se a história desse homem quando jovem, um moço

ingênuo que mora com seu tio, comerciante de retidão moral; o rapaz apaixona-se

por um certa vizinha, Luísa, moça bela que o encanta e que, habilmente, dele se

aproxima. No entanto, alguns comportamentos suspeitos fazem com que o tio não

queira o casamento deles, como o parentesco incerto entre a suposta mãe e filha e

o desaparecimento de um pacote de lenços do armazém e de uma peça de ouro

(moeda) numa noite de festividades. Impedido de se casar e expulso de casa, além

de um certo desdém de sua noiva quando percebe que está bem menos abastado,

Macário se lança a Cabo Verde, onde trabalha e acumula dinheiro. Ao retornar,

marca o casamento com Luísa. Porém, surge um empecilho não previsto: o moço

torna-se fiador de um conhecido que não salda seus dividendos, razão de seu

desespero, pois, novamente, não se encontra “apto” financeiramente para se casar.

Seu tio, reconhecendo a honestidade do sobrinho, ajuda-lhe, o que lhe salva o

casamento. A cena final, quase trágica, guarda o drama de Macário, que marcará

toda sua vida: ao visitarem uma joalheria a fim de adquirirem o anel de noivado para

Luísa, ela rouba um deles e o esconde. O dono a acusa e Macário, educadamente,

paga o anel roubado e sai de braços dados com a noiva, mas a abandona

chamando-a de ladra.

Campos (2000) apresenta a recepção que tal conto obteve no tempo de

sua publicação e circulação entre os leitores. Das mais curiosas é a de Alexandre

Herculano que a considera uma tradução ruim dos contos franceses, opinião

contestada por Sampaio Bruno (1885 apud Campos, 2000) que afirma tratar-se de

uma história dramática, construída por uma linguagem perfeitamente ajustada com

os quadros apresentados, nos quais a alma das personagens são translúcidas aos

olhos do leitor.

Como é possível depreender, há uma série de seqüências, todas elas

coerentes entre si e organizadas logicamente; é uma história construída a partir da

sucessão de ações, acontecimentos, reviravoltas do destino. A partir de “uma

situação que abre a possibilidade de um comportamento ou de um acontecimento”,

momento inicial das tríades narrativas propostas por Bremond (1971, p.128) aqui

significado pela conversa entre dois homens que se conhecem por acaso, dá-se o

desenvolvimento da história. Anunciada como um “caso simples” (QUEIROZ, 2000,

p.1472), é disso que o enredo trata: “A solidariedade orgânica do conjunto rege a

ordem de sucessão das partes”, lembra Bremond (1971, p.106). Já se sabe, então,

que tudo converge para se conhecer o episódio da vida de Macário que, por

extensão, também se tornou “singular”. Aliás, o enredo é sinalizado pelo título: tratar-

se-á da peculiaridade de uma moça loura. Esse início informa e também interessa

ao leitor, numa tentativa de seduzi-lo e fazê-lo adentrar na história dessa

personagem que, como sugerido, promete ter um papel nuclear.

Para que o discurso narrativo se organize desde a primeira linha, é

preciso que haja uma “entidade doadora” da narração que controle esse discurso.

No conto em questão, o narrador é estrategicamente escolhido.Todo o enredo é

transmitido pelo narrador confidente de Macário, não nomeado, a quem conhece

num quarto de estalagem. Há uma importante vantagem narrativa com esse

procedimento porque o narrador escutou a história de Macário e, em tese, vai

reproduzi-la fielmente (com o avanço do discurso, ele passa a ser comandado pelo

próprio Macário, que torna o relato mais fidedigno), como se tratasse de uma

conversa entre as personagens/narradores. Walter Benjamin (1994, p.198) acredita

que “entre as narrativas escritas, as melhores são as que menos se distinguem das

histórias orais contadas pelos inúmeros narradores anônimos.”. Qualificada por um

narrador, de fato, anônimo, a narrativa é um convite a sua audição, programada

desde as primeiras linhas: a mulher jovem deve estar vinculada a um sujeito

chamado Macário. É por esses referenciais que o conto vai se enredar.

O espetáculo está prestes a começar e o leitor é induzido a confiar e se

envolver, pois poderia fazer parte do seu mundo real uma história de amor. Para

alcançar esse objetivo, o da adesão do leitor – que bem pode ser considerado

espectador nas considerações deste estudo –, o narrador cria a expectativa das

causas possíveis que transformam o estado de espírito de Macário. Assim, assiste-

se a uma seqüência de enunciados significativos: “O homem calou-se.”;

“Compreendi que tinha tocado a carne viva de uma lembrança.”; “O homem estava

calado, comendo, com os olhos baixos [...]” (QUEIROZ, 2000, p.1471). É o momento

adequado e importante para cativar o espectador e mantê-lo fiel até o final.

Por meio de uma grande analepse, essa personagem de “quase sessenta

anos” (QUEIROZ, 2000, p.1472) volta no tempo e recompõe o episódio singular de

sua vida, ligada a uma mulher, significativa do ponto de vista emocional. Quando o

seu “recém amigo” refere-se a mulheres, “O homem contraiu-se num silêncio

saliente. Até aí estivera alegre, rindo dilatadamente, loquaz, e cheio de bonomia.

Mas então imobilizou o seu sorriso fino.” (QUEIROZ, 2000, p.1471). A impressão do

narrador instiga o leitor a querer conhecer a razão do infortúnio daquele homem.

Curiosamente, o plano fonológico traduz esse instante de oposição alegria/sorriso

versus tristeza/silêncio. Em “Até aí estivera alegre, rindo dilatadamente” há uma

seqüência fônica de vogais abertas, seguidas da repetição /n/ no sintagma “rindo

dilatadamente”, o que dá a noção de desenvoltura. Contrastando com esse estado,

o “silêncio saliente”, que leva a um “sorriso fino”, a aliteração de /s/ lembra algo

reticente, duvidoso.

A aproximação entre eles dá-se num momento propício, já que ambos

estão hospedados no mesmo quarto numa estalagem do Minho (o próprio narrador

guarda um preceito interessante, segundo a cultura eslava: aquilo que não se conta

ao melhor amigo, conta-o para um estranho numa estalagem). Esse espaço

abrigador de forasteiros (lá todos são desconhecidos), de algum modo fraterniza os

hóspedes que, longe do seu meio, podem compartilhar as suas angústias entre si,

induz à situação inicial. É nesse ambiente fechado que é narrado o caso intrigante.

Do espaço aberto vem o narrador e mais tarde narratário que atravessa o

caminho até a hospedaria, num cenário peculiar: “Era isto em setembro: já as noites

vinham mais cedo, com uma friagem fina e seca e uma escuridão aparatosa.”

(QUEIROZ, 2000, p.1470); “Vinha de atravessar a serra e os seus aspectos pardos e

desertos. Eram oito horas da noite. Os céus estavam pesados e sujos.” (QUEIROZ,

2000, p.1470). Esse ambiente influencia o estado de espírito da personagem, apesar

de se confessar “naturalmente positivo e realista” (QUEIROZ, 2000, p.1470), e o

dispõe a ouvir o estado de alma de alguém, agora, num espaço interior, fechado,

num quarto.

Segundo Bremond (1971), a narrativa pode prosseguir porque há motivos

para isso. É preciso movimentá-la por meio das personagens. Interessa, então, ter

notícias delas, saber seus comportamentos, vícios e virtudes. A conexão é dada pelo

fato da família de Macário ser conhecida do narrador. Na juventude, ele mora e

trabalha com seu tio Francisco, em Lisboa. A família mantinha com “uma severidade

religiosa a sua velha tradição de honra e de escrúpulo” (QUEIROZ, 2000, p.1473);

Macário é um moço caseiro, sem grandes entusiasmos da juventude e sem grandes

experiências.

Defronte ao armazém da família vem morar uma dupla feminina. Primeiro,

é vista a mulher mais velha, que vai à janela sacudir seu vestido justamente quando

Macário está na varanda. Seus traços fortes, impressionantes (cabelos violentos e

ásperos, sobrolho espesso, lábio forte) fazem Macário lembrar-se dela à noite, num

ambiente penumbroso e ao som de uma xácara melodramática tocada por um

vizinho. Atraído pela beleza dessa mulher, posiciona-se novamente diante da janela

vizinha, mas, ao contrário da mulher de cabelos negros, surge uma moça de cabelos

loiros. O espaço é importante colaborador para que essa aproximação ocorra: é por

meio da janela, atrás da cortina, que os protagonistas se vêem. Se ele proporciona a

circulação de olhares, é possível que haja a comunicação ao menos visual e, daí,

aconteça uma espécie de relação de receptividade; as personagens se expõem no

espaço aberto da varanda e pela janela correspondem ou não, de modo indireto, à

manifestação apresentada. Assim ocorre com Macário que sai do interior de seu

quarto e vai para a varanda quando percebe a movimentação da vidraça onde

aparece Luísa. Lembre-se que é também pela janela que o jovem obtém suas

impressões físicas sobre as vizinhas “interessantes”, traduzidas para a narrativa por

meio de descrições. Primeiro, a suposta mãe: “ [...] uma mulher de quarenta anos,

vestida de luto, uma pele branca e baça, o busto bem-feito e redondo e um aspecto

desejável.” (QUEIROZ, 2000, p.1473); depois a suposta filha: “Era uma rapariga de

vinte anos, talvez, fina, fresca, loura como uma vinheta inglesa: a brancura da pele

tinha alguma coisa da transparência das velhas porcelanas [...]” (QUEIROZ, 2000,

p.1474). As janelas se abrem para mostrar o interior, e não o movimento para o

exterior. A focalização leva o leitor para dentro.

Mas, além disso, as descrições cumprem importante papel significativo na

história. O leque descrito pelo narrador e utilizado por Luísa exprime requinte não

compatível com sua condição social, conclui Macário ao vê-lo, mais uma vez da

janela, nas mãos da rapariga. Também é por meio de uma longa descrição que o

leitor visualiza a assembléia na casa do “tabelião muito rico” (QUEIROZ, 2000,

p.1476) na qual Macário cuida para estar a fim de ver e conversar com Luísa. Esse

encontro reúne a sociedade burguesa lisboeta e demonstra seus comportamentos

próprios da época: declamações ao gosto romântico, declamadores vestidos de

maneira requintada, porém apresentando um dente podre, enfim, uma preocupação

em mais “parecer” do que “ser”. Essas descrições contêm significados importantes:

colocam a posse do leque de Luísa sob suspeita, além de levar a crer que ela se

interessa por objetos de valor. Já na casa das Vilaças, sutilmente o narrador informa

da “unha mais polida que o marfim de Dieppe” que Luísa possui na sua mão

delicada. Nessa mesma seqüência narrativa, desaparece a peça de ouro, caída

sem fazer barulho ao lado de Luísa.

Descrição ricamente composta é a grande cena da noite na casa do

tabelião e outra na casa das Vilaça. Frantz (1976) ressalta o cuidado do melodrama

em compor “quadros” nos quais é possível conhecer a vida burguesa, chamado por

ele de “esthétique du Tableau”. Na sala do tabelião, são retratadas as roupas, os

perfis físicos, as conversas, os comportamentos, os gostos da burguesia oitocentista

de então. A ironia atravessa a narrativa ao ridicularizar sutilmente os hábitos

literários daquele espaço.

Ao menos três momentos guardam descrições com a presença das cores

e da intensidade do sol nos momentos de alegria e euforia, numa pintura

impressionista. Assim, depois da visão da mãe Vilaça pela janela, “Pareceu-lhe que

havia na rua um sol alegre, e que nos campos as sombras deviam ser mimosas e

que se estaria bem, vendo o palpitar das borboletas brancas nas madresilvas.”

(QUEIROZ, 2000, p.1474). Ainda que ironizada pela ingenuidade do protagonista e

pelo procedimento romântico de ver na natureza os reflexos de sua alma, Macário

expande sua felicidade. O sol também atrapalha quando Macário deseja ver Luísa

na janela. Por último, na cena anterior ao momento do roubo, quando alegremente

Macário passeia com sua noiva na rua do Ouro, o ambiente é claro: “O dia estava de

inverno, claro, fino, com um grande céu azul-ferrete profundo, luminoso, consolador.”

(QUEIROZ, 2000, p.1487). A adjetivação parece ser premunitória: por que ele

haveria de ser profundo e consolador?

Após o roubo percebido e ressarcido, a cena é claramente impressionista,

o que possibilita a sua visualização. Repare-se que a vivacidade saudável do

ambiente contrasta com o estado de espírito de Macário:

Deram alguns passos na rua. Um largo sol aclarava o gênio feliz: as

seges passavam, rolando ao estalido do chicote; figuras risonhas

passavam conversando: os pregões ganiam os seus gritos alegres:

um cavalheiro de calção de anta fazia ladear o seu cavalo, enfeitado

de rosetas; e a rua estava cheia, ruidosa, viva, feliz e coberta de sol.

(QUEIROZ, 2000, p.1489)

Observa Saraiva (apud FRANCHETTI, 2007, p.152) ao tratar do

impressionismo de Eça que este “persegue a cor até ao limite em que se confunde

com a luz, intentando com a pena aquilo que os pintores impressionistas – como

Manet ou Monnet – quiseram obter com o pincel.”

Por outro lado, quando Macário passa por momentos de infortúnios a

claridade desaparece; é à noite que se encontra com Luísa para que ela não veja

suas vestes velhas, como é também no escurecer que anda desorientado quando

fica empobrecido por duas vezes. Lembre-se que conta a sua infelicidade amorosa

ao narrador também numa noite, ao deitar.

A narrativa atinge esse grau de desenvolvimento porque há um

enredamento de situações. Desde que os olhares entre um e outro protagonista são

compreendidos e aceitos, ou seja, dá-se a junção entre os sujeitos, tem início o

enlace amoroso e também o enlaçamento de um segundo período da história.

Estabelecidas as personagens no início do discurso, o leitor percebe que há uma

diferença física acentuada entre mãe e filha; enquanto a primeira tem traços fortes, o

que transmite a idéia de vigor, experiência, a jovem é muito clara, delicada, uma

beleza quase ingênua, assim como é auto-descrito Macário: “[...] nesse tempo era

louro com a barba curta. O cabelo era anelado [...]” (QUEIROZ, 2000, p.1474).

Esse contraste físico que se relaciona a perfis também opostos, como

posteriormente se constata, fixa, desde o início, dois grupos de personagens sobre

os quais o leitor forma uma opinião. Thomasseau (2005, p. 39) afirma que

[...] há, no gênero dramático, uma identificação das funções

dramáticas com os caracteres. Esta identificação é facilitada ainda

pela aparência física e o gestual dos personagens, que devem muito

à fisiognomia de Lavater, cujas teorias eram no momento muito

populares.

Se, segundo a fisiognomia, o caráter da pessoa se relaciona com seus

traços físicos, as ações dessas personagens confirmam esse pressuposto. Assim, o

comportamento delas conduzem ao questionamento: o que a mãe Vilaça foi fazer no

armazém do tio Francisco? Comprar casimiras se elas mesmas não usavam? Em

outro sentido – mas que solidificam a oposição de personalidades -, está Macário: o

fato de as mulheres Vilaça irem até o comércio era suficiente para que ele em cinco

dias estivesse apaixonado por Luísa? É fácil concluir que Macário significa o bem, o

ingênuo, enquanto que mãe e filha, as “espertalhonas”.

A oposição entre bons e maus é própria do espetáculo melodramático,

afinal a intenção moralizante, didática, é clara nesse tipo de teatro e por isso o

triunfo deve pertencer àqueles possuidores da virtude, do “bem”. O leitor/espectador

é seduzido à ótica de Macário: um homem honesto e bom, enganado por duas

mulheres golpistas: a mentora mãe, e a sedutora filha, que se apegam ao jovem na

sua carência afetiva, canalizada para o amor por Luísa a quem pede em casamento.

Entretanto, quando anuncia ao tio a sua decisão matrimonial e este dá seu parecer

incisivamente contrário, está criada a tensão dramática e a expectativa do drama:

qual será o desenlace dessa história?

Essa segunda parte concentra as peripécias narrativas desencadeadoras

do efeito pretendido. O primeiro plano narrativo tem em vista cativar a platéia, ao

anunciar, pelo narrador, a história de um homem maduro que ainda o faz chorar. A

platéia é informada do caráter de Macário:

Perguntei-lhe então se era de uma família que eu conhecera que

tinha o apelido de Macário. E como ele me respondeu que era primo

desses, eu tive logo do seu caráter uma idéia simpática, porque os

Macários eram uma antiga família, quase uma dinastia de

comerciantes, que mantinham uma severidade religiosa a sua velha

tradição de honra e de escrúpulo. (QUEIROZ, 2000, p. 1472).

O público deve tomar o partido de Macário, afinal é um homem de

histórico familiar considerado honrado, o que contribui de forma importante para

estabelecer a oposição com o grupo situado em pólo oposto. A tradição familiar,

histórica, é um recurso do qual se serve o melodrama para confirmar o sangue

honesto do herói. Macário, além da sua retidão de caráter, mora com o tio,

comerciante bem sucedido, e guarda a miniatura da fotografia da mãe, fatos que

revelam laços familiares fortes. Em pólo oposto está Luísa, cujo parentesco com a

mãe é duvidoso, a começar pela aparência física, como acima já se expôs. Além

disso, o amigo do chapéu de palha coloca em dúvida a relação entre as duas ao

hesitar em responder a Macário de quem se trata a “filha” de Vilaça (nome nada

sugestivo para uma mãe de família). Mas até esse ponto o público leitor não tem

fixado o grupo oposto opositor do “bem”.

Em contraste, portanto, ao grupo da família Macário estão situadas as

duas vizinhas oportunistas, predicativo esse deduzido pelas ações delas. Exibir-se

na varanda, ir ao armazém dos Macários, estar disponível para seus encontros

enquanto Macário dispõe de estabilidade financeira e preparar-se para o casamento

diante da folga monetária são qualificadores nada positivos para quem ama. A vida

social dessa dupla também levanta suspeitas: conhecidas por muitas pessoas, estão

sempre a cochichar com pessoas influentes. Tal como no melodrama clássico, as

personagens opositoras à virtude são mais ativas, ágeis, tendo em vista a satisfação

plena de seus desejos, enquanto os virtuosos se esforçam para restabelecer o bem

comum, e não o seu em particular.

A adesão do leitor vai sendo gradual. O comportamento de Luísa vai

indiciando o seu verdadeiro caráter que se opõe ao seu perfil delicado, mas essas

informações (índices) são tidas pelo público (e não levadas a efeito por Macário),

numa espécie de privilégio. Tio Francisco bem compreende o que a dupla feminina

pode representar e, diante de seu caráter de honradez, ao compreender o tipo dela,

opõe-se ao casamento de forma incisiva; é ele o único a se dar conta do

desaparecimento dos lenços da Índia depois que Luísa e Vilaça vão até ao armazém

adquirir casimiras pretas, fato que Macário entende ser uma declaração de amor, já

que não acredita que elas as utilizem. Outra cena muito importante é a que se passa

na festa do tabelião, fartamente descrita para o público notar algo diferente. Luísa,

sentada ao pé de seu amado, tem “meiga e amorosa pequenez da sua mão com

uma unha mais polida que o marfim de Dieppe”. (QUEIROZ, 2000, p.1479). Nessa

ocasião, uma peça de ouro que deve ser entregue como pagamento pelo jogo é

girada por Macário, o que a faz correr até à borda da mesa e cair para o lado de

Luísa, porém ninguém a encontra, nem ela que “ergueu-se e sacudiu com

pequenina pancada o seu vestido” (EÇA DE QUEIROZ, 2000, p.1479). As sutilezas

da descrição pertencem ao leitor, que bem pode desconfiar da agilidade da unha

polida ou do desaparecimento dos lenços. Essa onisciência privilegiada do público

presente nos espetáculos em palco do melodrama concedida por meio de apartes,

monólogos e confidências é substituída pelas descrições, mas com efeito

semelhante. O leitor começa a ter na leitura sinais do que pode acontecer no

desenrolar da narrativa.

Assim, numa estratégia melodramática, o narrador informa o quanto Luísa

é suspeita dos sumiços de objetos: a visita desnecessária ao armazém, a unha

polida e a mão descansada no regaço na cena do desaparecimento da moeda, são

exemplos de índices para os quais o leitor tem sua atenção dirigida, mas a

personagem, não, porque é virtuoso e ama. O espectador é uma espécie de

confidente; ele intui o que está por vir baseado naquilo que já tem conhecimento. Há

uma identificação entre “platéia” e a intriga, o que explica, em parte, o sucesso do

gênero. O tio Francisco parece entender a diferença de caráter que há entre o

sobrinho e a sua pretendida e, talvez por isso, não consinta o casamento.

Sustentando esse emaranhado de situações que ocorrem no nível

superficial (aquele em que a história é transmitida) está a estrutura interna da

narrativa, organizada coerentemente de forma a construir o sentido da unidade.

Bremond (1972) entende que no desenvolvimento da situação inicial há um

processo de melhoramento ou degradação. Segundo ele, toda narrativa tem em

vista algo relacionado a algum projeto humano e, de acordo com a aproximação ou

distanciamento dele, os acontecimentos podem assumir duas funções, a do

melhoramento e a da degradação. Cada uma delas implica em processo contínuo,

em cadeia, até atingir o equilíbrio que pode ser o fim da narrativa. Assim, o

melhoramento supera a situação anterior, mas para que ele ocorra é preciso um pré-

requisito, o obstáculo a ser superado. Para isso, precisa dos meios possíveis para

transpô-lo. De fato, Macário conhece um melhoramento inicial ao enamorar-se por

Luísa, afinal ela lhe desperta para o amor, motiva-o para a vida, a tal ponto que,

quando empobrece em virtude da expulsão da casa pelo tio e pela falta de emprego,

ele decide prontamente em tentar a sorte em Cabo Verde. O obstáculo do

descontentamento do tio e conseqüente falta de dinheiro é eliminado quando

Macário vai trabalhar em Cabo Verde. Esse meio possível (obter estabilidade

financeira) é bem sucedido porque Macário volta em plenas condições financeiras

para o casamento. Contudo, perde o dinheiro ganho, tensionando a narrativa; ocorre

a degradação, aliás já conhecida anteriormente no momento em que Macário, quase

miserável, perambula pelas ruas. Segundo Bremond (1972, p.126), se a narrativa

prossegue após o melhoramento, “o narrador deve recriar um estado de tensão, e,

para fazer isto, introduzir forças de oposição novas, ou desenvolver germes nocivos

deixados em suspenso. Um programa de degradação se instaura então.”. Como

Macário é aceito novamente na casa de sua família ao demonstrar boa vontade em

retornar a Cabo Verde, o seu objetivo está prestes a acontecer, num processo de

melhoramento. Para a infelicidade desse protagonista, descobre que a noiva rouba

um anel. A degradação prevalece, pois esse caso amoroso singular nunca se

resolve, mesmo depois de encerrado.

A seqüência que parece alterar o percurso da narrativa e dar a ela outros

encaminhamentos, denominada pelo próprio Bremond (1972) de “funções pivô”, é

aquela em que Macário e seu tio se indispõem. A partir de então, ocorrem ações

derivadas desse acontecimento, por meio do que se convenciona chamar de

peripécias. Elas mudam a situação das personagens; se antes o sobrinho vive com

tranqüilidade, sem maiores preocupações; depois, conhece o desalento financeiro e

amoroso, uma vez que Luísa se distancia gradualmente. Tomado pelo amor,

Macário não consegue perceber o óbvio. Sem a permissão do tio para casar-se,

viaja para Cabo Verde num trabalho intenso a fim de reverter a sua situação: tem

início a sua primeira peripécia, e o público tem o domínio, resumido em um

parágrafo, da determinação do herói, tanto como aguarda as próximas ações do

malfeitor, traduzido aqui como a “espertalhona”. De fato, agora Macário interessa a

Luísa e a sua mãe. Cria-se o clima da injustiça, da indignação, pois o moço ingênuo

e trabalhador, que ama acima de tudo e todos, está sendo alvo de interesse. É o

estabelecimento do sentimental versus o material, o que comove, afinal, alinham-se

amor, honra, ingenuidade, malfeitoria, injustiça, valores que o melodrama usa em

larga escala.

Mas, como a totalidade da narrativa nesse conto se dá pela junção de

uma narrativa dentro da outra, isto é, da história do narrador que conta a história de

Macário, há um pivô principal e definitivo: o flagrante do roubo por Luísa. Numa

análise panorâmica do “antes de ” e do “depois de”, nota-se que o jovem não possui

paixões nem frustrações, como se estivesse em grau zero de tensão. Ao não aceitar

nem suportar o fato de que a noiva, comprovadamente, é uma ladra e por causa

disso separar-se dela, ele torna-se um homem mal resolvido sentimentalmente, até a

idade alcançada pelo discurso narrativo, aproximadamente quarenta anos mais

tarde.

Com o reconhecimento, propriedade do melodrama no qual a

personagem é revelada em seus vícios, conforme discutido adiante, há a ocorrência

da grande peripécia da narrativa, diretamente associada à mudança do percurso

indicado. Macário vê o anel cair do regaço de Luísa (reconhecimento) e então

despede-se dela para sempre, às vésperas de sua união matrimonial. O que era

para ser cumprido, não se cumpre.

Como se observa, o sentimento amoroso é o que sustenta o espetáculo,

desde o início até o desenlace. O leitor acompanha passo a passo todo o enredo da

infelicidade de Macário. Thomasseau (2005, p.38) atenta que no melodrama clássico

o desenvolvimento das intrigas amorosas é colocado em segundo plano, pois

na ética melodramática, o amor-paixão é uma falta contra a razão e o

bom senso, um fator de desequilíbrio pessoal e social que toca

essencialmente os traidores e tiranos. [..] Em sua escala de valores,

o amor é colocado bem atrás do senso de honra, da devoção

patriótica e do amor filial e/ou maternal.

A partir de 1815 é que os melodramas passam a tratar da temática dos

amores infelizes. Renúncias, sacrifícios e sofrimentos passam a figurar na ordem do

dia nos melodramas. “Singularidades de uma rapariga loira” está contido nesse

grupo que escolhe os sentimentos do coração e as suas conseqüências. Essa visão

se harmoniza com o procedimento realista, que também expõe a condição da paixão

como causa do extremismo patético. Assim, Macário e sua história de amor são

exemplos dessa concepção, já que a personagem, ao se envolver de modo tão

absoluto com Luísa, perde a razão, num estado hiperbólico e não se dá conta da

desestabilização social sofrida: sem apoio familiar, sem moradia, sem sustento e

sem sua noiva. Mário Sacramento (1945) localiza no título O mistério da estrada de

Sintra (obra produzida na década de 1870, portanto, não muito distante da época de

criação de “Singularidades de uma rapariga loura”) a fala de uma das personagens

tematizando as desilusões do amor:

Creio que te fias demais no amor! Ele não constrói nada, não resolve

nada, compromete tudo e não responde por cousa alguma. É um

desequilíbrio das faculdades; é o predomínio momentâneo e efêmero

da sensação; isto basta para que não possa repousar sobre ele

nenhum destino humano. É uma limitação da liberdade, é uma

diminuição do caráter [...] E crês na estabilidade do amor, tu?... Sim,

é possível, enquanto ele viver do imprevisto, do romance e do

obstáculo... (QUEIROZ, 1884, apud SACRAMENTO, 1945, p. 105).

O conto é publicado em 1874, período em que a forma melodramática

teatral é bastante veiculada, dado tal que não passa despercebido pela narrativa

realista que é (a preocupação em conferir à história ficcional elementos da realidade

é significativa: referências a regiões de Portugal, como o Minho e a cidade de Vila

Real, localização de praças e ruas de Lisboa, a descrição dos tipos físicos das

personagens e das cenas em detalhes, além de datas que marcam temporalmente a

narrativa). Nesse sentido, o melodrama é trazido para o enredo em mais de uma

referência. O próprio narrador fornece alguns indícios de que o espetáculo

melodramático aproxima-se da narrativa; em dois momentos ele utiliza o próprio

termo melodrama, o que permite compreender qual o significado atribuído a ele:

Compreendi que tinha tocado a carne viva de uma lembrança. Havia

decerto no destino daquele velho uma mulher. Aí estava o seu

melodrama ou a sua farsa, porque inconscientemente estabeleci-me

na idéia de que o fato, o caso daquele homem, devera ser grotesco,

e exalar escárnio. (QUEIROZ, 2000, p.1471).

Observa-se que o autor distingue as duas modalidades, melodrama e

farsa. O caso responsável pelo incômodo causado remete a algo intenso, que tanto

poderia ser algo extremamente sentimental, digno de comoção, ou de algo cômico,

até grosseiro, mais próximo do riso. O narrador relaciona a figura feminina ao estado

perturbado em que fica o velho Macário, tanto pelo riso quanto pelo choro. Em todo

caso, associa os termos “grotesco, escárnio” a essas formas, numa depreciação.

Também quando o protagonista descreve seu perfil na juventude como

um rapaz de comportamentos simples e horizontes limitados, como “Jantar

alegremente numa horta, debaixo das parreiras vendo correr a água das regas” é

citada a comoção em ouvir os melodramas apresentados. A avaliação não tende a

ser positiva; ao contrário, o narrador sentencia que “eram contentamentos que

bastavam à burguesia cautelosa.” (QUEIROZ, 2000, p.1473). Outra manifestação a

esse respeito é quando Macário, recolhido em seu quarto, antes de avistar Luísa,

vive a atmosfera romântica, ricamente descrita e construída: de noite, cuidando das

cifras, ouve uma xácara agradável aos seus ouvidos, que julga ser de um

melodrama, como fosse um prenúncio do advir. A partir desse momento, nessa

mesma seqüência narrativa, a personagem visualiza a dupla feminina responsável

pelo seu infortúnio amoroso.

De modo geral, a intriga se enreda melodramaticamente. Por meio de um

plano narrativo conectado a outro (como já se disse, o primeiro que estabelece o

contato entre o narrador e Macário, e segundo que relata a história amorosa de

Luísa e Macário), a narrativa avança com uma certa simetria, como aponta Simões

(2004). Macário empobrece por duas vezes e por duas vezes reverte a situação, a

primeira partindo a trabalho para Cabo Verde, a segunda graças a seu tio. No

intervalo dessas seqüências paralelas, há o desenvolvimento narrativo que faz o

enredo caminhar, como acontece quando Macário volta de viagem e trata de seu

casamento. Antes da partida, Luísa mal quer vê-lo; depois dela, abastado, sua mãe

“abriu-lhe uns grandes braços amigos, cheia de exclamações.” (QUEIROZ, 2000,

p.1484), o que demonstra claramente os interesses daquelas mulheres. Ainda nesse

“intervalo” outros acontecimentos impulsionam o desenrolar da narrativa: ao ter que

liquidar a conta do amigo de chapéu de palha, de quem é fiador, Macário se propõe

a retornar a Cabo Verde e se recuperar financeiramente, condição essa que o faz

perambular pelas ruas pensativo. Numa espécie de rememoração (e mesmo de

repetição), ele se lembra da antiga moradia junto ao tio onde conheceu e observou

Luísa. Nesse momento, de significativa nostalgia, ele reencontra o tio que o convida

a retomar o seu posto na casa e no armazém, acolhendo-o com certa festividade

familiar. Restabelecida a harmonia no intervalo das repetições de estado da

pobreza, Macário caminha para o casamento até flagrar Luísa como uma ladra.

Portanto, o conto apresenta uma parte inicial descritiva e até mesmo informativa,

alavancadora do segundo plano narrativo, conforme já visto.

No conto focalizado, o amor é, portanto, instrumento para o “vilão” (Luísa

e Vilaça) manipular e extrair da ingênua personagem o que bem quiserem, em

benefício próprio. É verdade que para Piwnik (1993) Macário e Luísa são um caso

de “gemelidade”, pois ambos são órfãos, louros, pueris, reunidos na imaturidade

sexual, aspectos comuns em personagens melodramáticas. Mas as semelhanças

parecem ser apenas essas, porque se ele preza por seu nome, virtude e honra (em

todas as situações nas quais esses valores são colocados sob suspeita, Macário

cuida para que ela não seja abalada), Luísa, cleptomaníaca, não possui a mesma

preocupação. Se o fato de ser cleptomaníaca ameniza a avaliação de seu caráter, o

desinteresse e até um considerável desprezo por seu noivo (e pelo amor que ele lhe

devota) quando esse empobrece não deixam dúvidas quanto ao seu papel

“desonesto”. Pierre Brunel (1997, p.147) aponta o caráter temível e poderoso

feminino ao longo da mitologia grega. Mas é a partir do século XIX que essa imagem

se intensifica e se torna comum: a mulher guarda, em si, dois comportamentos: o de

ser anjo e demônio. O título Carmen, de Prosper Mérimée, é exemplo típico dessa

concepção de mulher fatal, assim caracterizada: “Carmen é uma boêmia de

costumes levianos que seduz e destrói um homem honesto e respeitador dos

valores sociais, que se apaixona por ela.” (BRUNEL, 1997, p.46).

Luísa tende, portanto, ao arquétipo da mulher fatal sem, contudo, se

comportar como tal. Com ar e aparência angelicais, conquista Macário sem

dificuldades (é o tipo enganador) mas cada vez que tem seu amor à prova, o

respaldo é negativo. O esquema melodramático procede assim, monitora as

respostas e conduz as emoções; o que se deseja, para ver a justiça restabelecida e

o herói vingado, é que Macário perceba qual é o real perfil de sua amada, momento

narrativo denominado reconhecimento; é a revelação seguida da punição.

Conforme o expediente do melodrama clássico, que guarda as cenas

emocionais intensas para o último ato, a narrativa breve observada deixa para esse

mesmo momento o reconhecimento por parte de Macário. Há um forte contraste

entre o clima harmônico antecessor ao clímax desse acontecimento e o posterior,

operando as emoções do leitor:

Macário estava então na plenitude do amor e da alegria. Via o fim da

sua vida preenchido, completo, radioso. Estava quase sempre em

casa da noiva, e um dia andava-a acompanhando, em compras,

pelas lojas. Ele mesmo lhe quisera fazer um pequeno presente,

nesse dia. A mãe tinha ficado numa modista, num primeiro andar da

rua do Ouro, e eles tinham descido, alegremente, rindo, a um ourives

que havia embaixo, no mesmo prédio, na loja. (QUEIROZ, 2000,

p.1487).

O leitor do melodrama tem conhecimento de que está prestes o

reconhecimento, numa espécie de pressentimento:

E no entanto Luísa continuava examinando os anéis,

experimentando – os em todos os dedos, revolvendo aquela delicada

montre, cintilante e preciosa. Mas de repente o caixeiro fez-se muito

pálido, e afirmou-se em Luísa, passeando vagarosamente a mão

pela cara. (QUEIROZ, 2000, p.1488).

A partir desse momento, resta apenas a expectativa de como acontecerá

a revelação. O caixeiro percebe claramente o furto do anel “com dois brilhantes”, e

comunica a Macário indiretamente se efetuará o pagamento do objeto. Ele não

entende a que o funcionário se refere, mas, diante da denúncia que o transtorna e

fere a sua retidão, impõe a sua honestidade: “Macário veio para ela, agarrou-lhe no

pulso fitando-a: e o seu aspecto era tão resoluto e tão imperioso, que ela meteu a

mão no bolso, bruscamente, apavorada, e mostrando o anel”. (QUEIROZ, 2000,

p.1488).

Só então, pela fala do caixeiro e porque, finalmente, vê a prova do crime,

Macário compreende que sua noiva é uma ladra. Luísa está exposta naquilo que o

caráter dele jamais admitiria, mesmo num caso de amor extremo. De fato, a

constatação do fato faz com que rompa o relacionamento de forma definitiva,

restabelecendo a ordem no mundo dos justos. A punição de Luísa é mais ou menos

discreta, mas incisiva, trazendo ao espectador a sensação de alívio, afinal ela é

“desmascarada” e excluída do futuro programado (e habilmente arquitetado) pelo

menos até aquele momento narrativo. Vê-se que a estrutura interna da narrativa é

organizada para que surta o efeito da unidade e, assim, o da intensidade dramática,

num momento breve. As tríades de Bremond (1972) poderiam ser sistematizadas:

- situação inicial que abre a possibilidade de um comportamento: O narrador se

dispõe a contar o caso singular de Macário; o leitor aceita conhecer a história, já que

parece ser tão significativa;

- passagem ao ato da virtualidade: como resposta à situação inicial, são conhecidos,

primeiramente, os protagonistas Macário e Luísa, tanto no que tange o aspecto físico

quanto o perfil de suas personalidades. Após a apresentação, ocorre a aproximação

entre ambos e o envolvimento amoroso explícito por parte de Macário, acatado por

Luísa. O amor intenso dele o impede de observar certos acontecimentos que

colocam a amada sob suspeita. Com o não consentimento do tio para o casamento,

o jovem enamorado parte para o exterior a fim de estabilizar-se e obtém êxito. No

retorno, perde dinheiro e empobrece. O tio o aceita novamente em seus negócios.

Macário marca casamento.

- resultado: apesar de todo esforço empregado para unir-se a Luísa, esse intento

não se realiza. Ele constata que ela comete o roubo e, em nome de sua honra

familiar, desiste do casamento.

Numa sistematização ainda mais breve, pode-se dizer que a narrativa se

organiza assim:

- Macário conta,

- Macário acredita,

- Macário fracassa.

Em “Singularidades de uma rapariga loira” Eça se serve da estrutura

típica do melodrama clássico para evidenciar o que o autor, no auge de sua

militância estética, entende como um erro romântico. Para retratar a sociedade

burguesa, o narrador povoa a diegese com personagens cabíveis no mundo real,

possibilitando a identificação do público leitor com os fatos narrados e crer que

aqueles acontecimentos bem podem ser possíveis. Assim, a construção da

personagem Luísa caminha no sentido parecer/ser, tensão constante na narrativa.

Ser que encerra em si essa dualidade, é a própria significação do embate dos

moldes românticos versus moldes realistas: a sua aparência não corresponde à sua

essência, tal como é a concepção queiroziana acerca do debate estético para o qual

colabora. Assim, Luísa é a própria representação da fragilidade do modelo

convencional romântico, demonstrando que, embora envolvente e sedutor, o

romantismo não se sobrepõe à realidade do mundo.

Para Eça, naquele momento tão absorto nas idéias realistas, o

Romantismo idealiza, falsifica, “parece ser”; o Realismo não foge à realidade: revela.

Esse descrédito ao programa romântico é evidenciado nos primeiros parágrafos do

texto:

Então, enquanto anoitecia, a diligência rolava continuamente ao trote

esgalgado dos seus magros cavalos brancos, e o cocheiro, com o

capuz do gabão enterrado na cabeça, ruminava o seu cachimbo – eu

pus-me elegiacamente, ridiculamente, a considerar a esterilidade da

vida: e desejava ser um monge, estar num convento, tranqüilo, entre

arvoredos, ou na murmurosa concavidade dum vale, e enquanto a

água da cerca canta sonoramente nas bacias de pedra, ler a

imitação e ouvindo os rouxinóis nos loureirais ter saudades do céu.

Não se poder ser mais estúpido. (QUEIROZ, 2000, p. 1471)

O amor avassalador como o de Macário em relação a Luísa,

figurativização do mito da amada angelical romântica, é destruído aos olhos dele, o

que no melodrama clássico denomina-se “reconhecimento” e ocorre, via de regra,

nas cenas finais; nesse momento, encerrada a tensão narrativa, volta-se ao ponto

zero da história. Tal como no teatro que alcançou notoriedade nos palcos franceses,

na história infeliz de Macário a realidade triunfa sobre a fantasia equivocada de

Macário em relação a Luísa, afinal, ela e sua mãe apresentam a sintomatologia de

pessoas interesseiras, pouco preocupadas com os valores de honradez

Cabe lembrar que a máxima de Pixérécourt (THOMASSEAU, 2005) ao

compor melodramas clássicos é pregar a moralidade, educar a platéia, objetivo que

Eça de Queiroz compartilha pelo o que acima se expôs. Subjacente ao maniqueísmo

moral, perpassa a questão estética que se quer plasmar em Portugal como forma de

recuperar a sociedade.

4.2 “Um poeta lírico” e o amor não correspondido

O título do conto confirma a natureza da narrativa, o sentimento amoroso

que inflama ou que, pelo menos, sugere a produção lírica de um sujeito. De fato,

trata-se da história de Korriscosso, homem grego que trabalha no hotel Charing-

Cross, Londres, apaixonado por uma criada do mesmo hotel, chamada Fanny. Para

sua tristeza, ela o despreza em razão de um policeman, a quem presenteia com

doses de álcool; amargurado, Korriscosso dá vazão aos seus sentimentos nos

poemas produzidos em grego, idioma que Fanny não compreende. O caso é

contado pelo narrador participante da trama que, interessado pela figura triste

inicialmente, mas preconceituoso ao saber se tratar de um grego, propõe-se a

conversar com ele e conhecer sua história, mesmo que com lacunas. Homem de

significativa expressão social, envolve-se em problemas de adultério o que o faz

deslocar-se de lugar, sem ter fixação, até que acaba por trabalhar no Charing-Cross,

onde conhece Fanny, por quem se apaixona. Depois de ter conhecimento de seu

caso, o narrador passa a respeitá-lo e querê-lo bem porque, de certa forma, ocorre a

identificação entre eles, pois ambos se interessam pela poesia, ambos são leitores

dos poemas de Tennyson; aliás, é por meio dessa leitura que se aproximam

ideologicamente. O narrador, do qual quase nada se conhece, lia esse livro quando

chega ao hotel pela primeira vez e, perdido entre quartos e corredores, procurando o

local certo, encontra Korriscosso em seu alojamento e com ele seu volume. O

público leitor toma conhecimento, então, de dois poetas, mas apenas do grego é que

tem mais informações.

A apresentação de Korriscosso acontece logo no início da narrativa. O

narrador anuncia que vai tratar do caso de um poeta:

Aqui está, simplesmente, sem frases e sem ornatos, a história triste

do poeta Korriscosso; de todos os poetas líricos de que tenho notícia

é este certamente o mais infeliz. Conheci-o em Londres, no hotel de

Charing-Cross, uma madrugada regelada, de dezembro. Tinha eu

chegado do Continente, prostrado por duas horas de Canal da

Mancha... Ah que mar! (QUEIROZ, 2000, p. 1490).

É a introdução narrativa de que fala Tomachevski (1972). No conto, isso

ocorre quando introduz a personagem descrita em pinceladas em seus dotes físicos

mais significativos, e sinaliza algum tipo de comportamento psicológico ao comentar

que a “figura esguia” olhava o carvão da lareira, meditativo, é possível pensar. De

imediato esse homem, garçom do hotel, chama a atenção do narrador. Mais tarde,

após o banho, ao descer para o restaurante, o vê novamente de costas encostado à

janela e, nessa ocasião, chama-o. Nesse momento, o olhar do leitor que aceita e se

interessa em ouvir a história é direcionado de maneira ampla para a figura de

Korriscosso, num processo de observação mais profunda, contemplador da

compleição física e comportamental que impressiona o narrador. De magreza

acentuada, com barba, muito moreno, testa larga e lustrosa, a figura vestia casaca e

tinha o olhar indefinido. Segundo os princípios veiculados na época, o aspecto físico

está associado ao aspecto psicológico e, nesse sentido, o poeta-garçom parece não

ter muita vivacidade, nem ânimo. A barba, entendida simbolicamente como a

sabedoria, é curta.

A leitura de pouca extensão de “Um poeta lírico” chama a atenção pelo

espaço no qual se desenvolve a narrativa (um hotel em Londres e não em solo

português), como acima já se expôs, e pelo herói grego. Pouco a pouco, nota-se que

a narração cede lugar, muitas vezes, aos quadros e às imagens sempre bem

construídas, ambientando a cena e colocando-a em coerência com o fato narrado. O

cuidado cênico é uma receita melodramática, porque colabora com o projeto de

aflorar as emoções.

No espaço que recebe o narrador e o faz observar Korriscosso, outras

imagens vão sendo transmitidas ao leitor, numa perfeita visualização. Esses

cuidados imagéticos se aplicam em diversas dimensões, pois tanto se atêm aos

personagens, como aos espaços abertos e fechados, “climatizando” o ambiente.

Assim acontece com o poeta grego, com Bracolletti, descrito fisica e moralmente,

com os espaços de Londres em neve no mês de dezembro, e os mais

particularizados, como dos quartos dos empregados. Alternando descrições

pormenorizadas mais extensas com outras de pequena extensão, às vezes sutis, as

seqüências narrativas são rápidas e atenuadas, e as descrições valorizadas.

Thomasseau (2005, p.69) aponta o desenvolvimento dessa técnica vinculada ao

melodrama romântico como herdeira do romance de folhetim, no qual os quadros

seguidos de descrições são comuns:

Esta técnica se aperfeiçoou na medida em que se criou o hábito de

recortar, nos romances de folhetim, as cenas a descrever e justapô-

las em quadros. Propunha-se, assim, uma visão dramática partida,

impressionista, que apelava mais às lembranças dos leitores dos

folhetins que a uma lógica dramática interna.

Da afirmação do estudioso, considera-se a parte a que se refere aos

quadros e ao impressionismo. Na verdade, quando o melodrama readapta-se aos

novos tempos, acontecem modificações técnicas, entre elas a organização em maior

número de atos desdobrados em quadros.

De fato, logo quando o narrador chega ao hotel, necessitado de calor

térmico, o foco ampliado mostra o espaço descrito de forma impressionista:

A sala estava deserta numa luz parda; os fogões flamejavam; e fora,

no silêncio de domingo, nas ruas mudas, a neve caía sem cessar

dum céu amarelado e baixo. [...] e toa sua magreza friorenta se

encolhia ao aspecto daqueles telhados cobertos de neve, na

sensação daquele silêncio lívido... (QUEIROZ, 2000, p. 1490).

A percepção imediata e a valorização da impressão, atributos das telas

impressionistas, são efeitos gerados pela descrição da cena na narrativa e dão

sentido ao quadro, técnica bem utilizada no espetáculo melodramático, como

anteriormente já se disse. A impressão advinda do ambiente causa a sensação de

algo melancólico, nostálgico, idéia induzida pelo uso do advérbio, projetado na

focalização de Korriscosso: “[..] avistei logo, plantado melancolicamente ao pé da

larga janela, o indivíduo esguio e triste.” (QUEIROZ, 2000, p.1490). O espaço se

harmoniza com o sujeito que é visto (Korriscosso) e com aquele que vê (o narrador),

afinal, este também fica impressionado, constituindo um jogo de trocas: o ambiente

melancólico se estende à figura do poeta, descrito como alguém que possui e

também traz traços fortes e impressionistas que causam no narrador a sensação de

melancolia e singularidade e, por isso, mais tarde, interessa-se grandemente em

desvendar seu mistério e sua vida.

Vale resgatar a arquitetura do espaço como direcionador das ações. É do

espaço aberto e frio (viagem que atravessa o canal da Mancha) que vem o narrador,

condicionado a aproximar-se da fogueira e notar Korriscosso, como acima já se

discutiu. Uma vez instalado no espaço fechado, aconchegante, perde-se no hotel, na

hora em pretende dormir. E é no quarto, delimitado, que a vida particular do poeta

grego vem à tona, revelando, afinal, o motivo de viver num ambiente que nada se

relaciona ao seu prazer: o amor pela criada Fanny. Todo o seu universo de saber,

experiências, de criação, está centrado no espaço de Charing-Cross porque é lá que

trabalha a amada, por quem tudo sacrifica. O espaço aberto é feroz; o fechado mais

confortante, íntimo, revelador.

Estabelecida a situação inicial de que fala Bremond (1972), a de dar uma

razão para que a narrativa se desenvolva, passa-se para o enredamento do conto,

após introduzir o protagonista. A narrativa, coerentemente, cuida para que aquela

figura anunciada e focalizada, seja explicada. Assim, organiza a segunda grande

seqüência, a “da passagem ao ato da virtualidade”, conforme Bremond (1972).

Como é o narrador que se volta para Korriscosso, cabe a ele retornar e esclarecer o

“assunto”. De volta ao mesmo hotel em Londres depois de um mês, depara-se

novamente com o garçom. O espaço condiciona o encontro com um amigo,

Bracolletti, a quem apresenta ao leitores como se com eles conversassem: “Não

conhecem o Bracolletti?” (QUEIROZ, 2000, p.1491). A partir de então, a narrativa

engendra-se para que o máximo de informações sejam passadas de forma rápida,

compactadas, como solicita a modalidade narrativa conto. É por meio de Bracolletti,

homem misterioso, mas entendido como doce pelo amigo narrador, que este forma a

imagem negativa de Korriscosso: o fato de ser grego o remete à lembrança de que

este olhara interessadamente para seu livro de Tennyson desaparecido.

O acaso coloca-o em conversa franca com o garçom. Perdido nos

corredores, cai no quarto dele e vê a edição que sumira. Numa espécie de

identificação e num espaço fechado, porque os dois são poetas, aprecia os poemas

de Tennyson, o que faz Korriscosso sentir-se à vontade para contar a sua história

cheia de lacunas, de forma condensada, como avisa o narrador. Trata-se de um

homem de formação interessante: viaja por vários lugares e se envolve com

assuntos misteriosos e às vezes problemáticos que o levam a desaparecer do

cenário e reaparecer em outro. Em Atenas, é deputado. É certo que tem bom

domínio da linguagem; isso o permite a levantar questões e transformá-las em

poemas, o que o leva a ser promovido na administração do Estado da Grécia. No

entanto, esse intento não se realiza, porque o grupo político ao qual estava atrelado

perde a força e desaparece. Depois de manifestações a favor da emancipação da

Polônia, esconde-se na Inglaterra, trabalhando naquele hotel.

O percurso de Korriscosso denota ser um homem experiente, inteligente,

mas nem por isso sábio, avaliação significada pela barba curta. Apesar de ter uma

boa bagagem cultural, não tira proveitos dela para viver bem; ao contrário, mora

num quarto em cujo corredor corre “um bafo morno de viela mal arejada”, usa

casacas “desgraçadamente grotescas” e possui um “olhar triste”. Produzir poemas,

especialmente na forma de espécies clássicas, como é a ode e a elegia, é a sua

alegria e escape para a alma sensível que possui. O fato das pessoas atendidas no

hotel serem educadas já lhe é o bastante. Porém, não lhe agrada o fato do

constante contado com o alimento, porque não é poético alimentar o corpo; prefere

alimentar o espírito.

Como se vê, a narrativa se desenvolve de forma mais direcionada à

medida que o foco se aproxima de Korriscosso; cria-se a expectativa no espectador:

quem será esse homem? Por que ele se comporta assim? A narrativa caminha e

enreda-se até a seqüência do diálogo entre os poetas; é nesse momento que o pivô

narrativo, antes oculto, revela-se. A queda do grupo político na Grécia ao qual o

protagonista se associa, acontecimento sobre o qual o narrador tece longos

comentários, e seu deslocamento para Londres, onde encontra um novo amor,

porém não realizado, fixa a sua mudança de destino. Antes, ele era um homem com

vida estabilizada, sem se considerar os sustos da paixão; depois, submete-se a uma

vida sem encantos apenas para ver a mulher amada.

No entanto, apesar dessa reviravolta em seu destino (quando um homem

letrado e deputado imaginar-se-ia terminar como um garçom em Londres?), não se

assiste a um emaranhado de ações depois de revelado seu amor por alguém que

não entende as suas composições feitas em grego; chega-se ao desfecho da tensão

narrativa surgida a partir do momento em que o narrador observa aquele homem

esguio, e se mantém crescente até que seja explicado quem ele é e por que está lá.

O conflito da personagem é explicitado: o amor versus o amor não compreendido,

com a sobreposição do fracasso. Essa situação desencadeia naquela seqüência um

desfecho dramático: Korriscosso soluça em choro ao pronunciar essa constatação.

Então, a narrativa chega ao fim: não há tensões, nem peripécias.

Ao anunciar a causa de sua tristeza e de seu comportamento, coloca em

pauta o tema do amor. A narrativa se serve de vários motivos componentes dessa

temática: a moradia e o trabalho no hotel, o ar triste, as composições líricas à janela

que tomam seu sentimento como matéria, o furto do volume de Tennyson. A

temática amorosa se enreda pelos motivos organizados pela narrativa. Assim, a

questão da poeticidade é colocada desde o início da leitura, tanto pela informação

apresentada quanto pela imagem construída. Rapidamente o público é informado de

que Korriscosso é um poeta sofredor, autenticamente lírico; a imagem do mar

complementa o tom do discurso criado e dá indícios de que também o narrador se

sente tomado pela emoção. Korriscosso é o poeta romântico frustrado, compositor

de elegias e odes, inspiradas na sua própria vida, vazão de seu estado de espírito

recriado pela palavra; seu viver caminha em consonância com seus poemas. Para

Fanny faz suas composições e, no entanto, é quase um desconhecido para ela.

Assiste-se a uma representação do próprio romantismo, decadente, humilhado, sem

o poder de conquistar algo ou alguém, mas fortemente enraizado num homem grego

com larga experiência de vida, suficiente para optar por um comportamento.

Em oposição a essa figura de “estampa romântica” está Bracolletti, com

quem o narrador encontra na segunda estada no Charing-Cross. De ascendência

também grega, descreve-o como um homem bon vivant; não passa necessidades,

ao contrário, usa o dinheiro ganho com seu bem estar, com sorriso doce e olhar

cativantes. Sua “debilidade” está em gostar de “rapariguinhas de doze a catorze

anos” (QUEIROZ, 2000, p.1492), recolhidas dos bairros pobres de Londres e

mantidas na sua casa, onde lhe oferece bebidas. A figura de Bracolletti, traduzida

como esperto, vivo, um homem do mundo, representa a estampa realista. É de se

notar que ambos são gregos, o que remonta à Antigüidade, mas possuem

comportamentos diferentes; Korriscosso é romântico, Bracolletti tende ao realista.

Enquanto o primeiro prefere prender-se ao hotel e a um trabalho cujo ambiente não

lhe é compatível com o teor de seus poemas feitos para uma mulher, numa

verdadeira expressão da alma e da sua história pessoal, o segundo é um sujeito do

mundo, envolvido com adolescentes e com um ar misterioso. O contraste entre ele é

nítido, assim como propõe o embate romântico e realista, mediado pelo narrador

que, como já se viu, é poeta confesso e leitor de Tennyson, o que é bastante

significativo dentro da narrativa. Trata-se de um escritor inglês, admirado pela rainha

Vitória, autor de poemas líricos, cujo teor faz alusão ao “mal de viver”. Sua produção

passa por uma composição em homenagem a um amigo morto e exprime dor

profunda, como também por melodramas narrativos. Porém, são os Idílios de El-Rei

que chamam a atenção de Korriscosso, poemas em torno das lendas do Rei Artur. O

prazer dessa leitura remete a um leitor tradicional, que gosta de lendas e fantasias.

Mas, para além da condição de índice da personalidade de Korriscosso, a

edição de Tennyson traz um outro significado, o do “efeito de real” proposto por

Barthes (1971) num ensaio de mesmo nome. Segundo ele, o referente deve ser

colocado pelo real, com elementos contidos também no mundo que não seja o

ficcional para nele surtir o efeito da realidade. Assim, é pertinente ao programa das

narrativas realistas (Barthes exemplifica com a obra de Flaubert) a estratégia de

sublinhar elementos que integrem a realidade, com o objetivo de ser criada a

sensação de que a narrativa é apenas o relato do mundo real. No título focalizado,

signos como Tennyson, a cidade de Londres e mesmo acontecimentos políticos da

Grécia pontuam esse caráter realista.

Lepecki (1994) assinala a sua leitura do conto. Segundo a estudiosa,

trata-se da discussão entre prosa e poesia, o conflito dos Antigos e dos Modernos,

representados pelo narrador (a prosa moderna) e por Korriscosso (evidentemente, a

poesia); o que poderia ser uma discussão teórica, abstrata, toma a forma de conto,

já que não há nenhuma discussão exata em torno do tema suposto. O narrador é o

contador de toda a história, o controlador da matéria narrativa veiculada em prosa

fluida, ao contrário de Korriscosso que fala por suas odes e elegias, ou por

Bracolletti, ou pelo próprio narrador. Lepecki (1994) apresenta, ainda, a

interpretação de uma cena metaforizada dessa relação. Trata-se da seqüência em

que, ao chegar na sala de estar do hotel onde há uma lareira, o narrador conta que

“gelado e estremunhado, corri ao vasto fogão do peristilo, e ali fiquei, saturando-me

daquela paz quente em que a sala estava adormecida, com os olhos beatamente

postos na boa brasa escarlate.” (QUEIROZ, 2000, p.1490). A postura do narrador é

de entendimento prático da sala: aconchego, recolhimento, o modo pragmático,

evidente, funcional. Por outro lado, Korriscosso, também presente na sala no mesmo

momento, apenas observa “os carvões ardentes”, fica impressionado, como se

quisesse extrair o significado além do aparente, ou a sua subjetividade, o que

remete à reflexão, à introversão. E, segundo se depreende pelas falas do narrador,

do que adianta esse estado reflexivo, transposto para o poema, se não é

comunicado nem compreendido o amor sentido? Parece haver na narrativa a

insinuação da não validade desse comportamento, ou, até mesmo, a sua

ridicularização, a sua inoperância, a sua inadequação. Vê-se, então, a crítica ao

modelo romântico, dessa vez mais discreta e menos incisiva do que em

“Singularidades de uma rapariga loira”, talvez porque já se distancie do momento

eufórico das Conferências Democráticas, quando o autor português está no auge de

sua militância estética. Ao que parece, Eça combate o ideário romântico, mas não se

separa totalmente de seus procedimentos.

Amor e desamor atravessam e norteiam o conto. Não há felicidade

amorosa do protagonista, nem da personagem que despreza o sentimento, porque,

afinal, também não é correspondida pelo policeman. Mais uma vez, a felicidade

amorosa não se realiza, porém serve de suporte para outras discussões, como a

suposta por Lepecki (1994). Ainda dentro do âmbito sentimental, e numa conclusão

primária e simples, o autor confirma a sua idéia da desestabilização provocada pelo

amor, pois Korriscosso não está feliz; ao contrário, traz em seu semblante a tristeza

da alma.

Tomachevski (1971, p.178) assinala que existem histórias nas quais o

exórdio (exposição das circunstâncias que determinam a situação inicial) é

retardado; “o relato inicia-se pela ação já em desenvolvimento, é apenas com o

desenrolar que o autor nos dá a conhecer a situação inicial do herói”. Trata-se de

uma narrativa com exórdio ex-abrupto, que mantém o leitor atento até o final da

narrativa, como pretende o programa melodramático. Acompanhar passo a passo as

emoções, monitorando-as, garante que o desfecho seja vivenciado emocionalmente

e dele se extraia alguma lição.

Embora exista uma infelicidade, um desajuste (nesse caso, amoroso), não

há um grupo portador da virtude perseguido por outro que seja o vilão, como é

comum no melodrama clássico. As personagens desse conto, embora possuam

traços muito diferentes, conforme visto anteriormente, não estabelecem duelos e,

por isso, não há perseguições, nem reconhecimentos. A desarmonia continua a

existir até ao que equivale, em termos seqüenciais, ao último ato, pois Korriscosso,

em momento algum, entra em consonância com sua amada. Nesse sentido, o drama

ao qual se assiste é de ordem sentimental particular, sem interferências de outros.

Por outro lado, é preciso lembrar com Thomasseau (2005) a modificação

conhecida pelo melodrama. De acordo com o pesquisador, a queda do Império na

França causa a mudança na mentalidade coletiva e, conseqüentemente, na

composição do melodrama. Pixérécourt (1841) condena o “novo” melodrama por

acreditar que ele não mais contribuía para a formação moral da sociedade. Em cena,

agora, os marginais e bandidos tidos como heróis injustiçados, o amor inflamado e

maculado por relações adúlteras e/ou problemáticas, dramas sem soluções

recuperadoras da harmonia e do bem viver. O conto em foco aproxima-se desse

padrão, mas sem perder de vista o tom didático, já que não se observa a discussão

ou o levantamento de uma questão moral.

Korriscosso não obedece ao padrão do herói clássico, cuja família possui

nome honrado e tradicional; aliás, é um ateniense na Inglaterra, fato que o coloca

numa condição marginalizada ou pelo menos de estrangeiro, tanto que o próprio

narrador cessa sua curiosidade ao sabê-lo ser um grego, considerando-o um

“bandido”, respaldado, segundo seu pensamento, pelo desaparecimento de seu

volume de Tennyson. Apesar de sua história de vida apresentar muitas lacunas e

experiências de todo tipo (mesmo as amorosas), não há nela traços desabonadores

de seu caráter. As personagens secundárias também não pertencem à alta estirpe,

afinal tanto Bracolletti quanto o narrador (de importância significativa na narrativa),

hóspedes do hotel, possuem passados desconhecidos, e se constituem em tipos

sociais novos que vão adentrando no melodrama romântico.

Se é freqüente no melodrama romântico o herói morrer, diante de uma

fatalidade, aqui o destino não se altera tanto. Korriscosso tem, de certa forma, uma

morte terrena, sentimental, interna, por três situações principais. Uma delas é que

seu trabalho não é condizente com seu perfil lírico (como “homem de guardanapo”,

as falas que lhe são dirigidas estão no nível funcional de solicitar refeições) e,

portanto, não há possibilidade de distender sobre assuntos que exigem maior

reflexão interior, até mesmo pela impossibilidade lingüística (e essa é uma outra

condição da morte silenciosa). Decorrente dessas situações, surge o terceiro fator

contribuinte para a tristeza de Korriscosso, talvez o mais incisivo: ao tomar a sua

experiência como matéria prima para a composição de seus poemas e neles

expressar a intensidade de seu amor, o herói o faz para demonstrar seus

sentimentos, porém a sua estratégia é completamente frustrada. Sua vida é reduzida

àquele mundo do hotel, de pessoas que lhe são desconhecidas. A infelicidade lhe é

absoluta.

A história apresenta um encadeamento narrativo, num enredamento de

seqüências, como propõe Bremond (1971):

- situação que abre a possibilidade de um comportamento: o narrador anuncia que

vai contar a história de um poeta lírico.

- passagem ao ato desta virtualidade: aproximação do protagonista, direta e indireta.

- resultado da ação: o protagonista revela sua dor e estabelece empatia com o

narrador.

Ao sistematizá-las em tríades mais amplas, pode-se obter o seguinte

esquema:

- Korriscosso ama (e por isso é uma figura triste);

- Korriscosso revela;

- Korriscosso sofre.

Tal como a preocupação do melodrama, “Um poeta lírico” tem diante de si

o público. Essa consideração se apóia no uso de um narrador dramatizado, como

denomina Booth (1980) que relata ao leitor aquilo que ele mesmo viu e constatou, e

faz questão de contar, monitorando a narrativa. A certeza de haver quem o ouve é

demonstrada de forma mais direta quando indaga sobre a identidade de Bracolletti

(“Não conhecem Bracolletti?”). No entanto, apesar do poder de despertar e conduzir

emoções, como o de instaurar o espírito nostálgico ou o de comover ou não diante

do drama do poeta grego – temas tão românticos conjugados com procedimentos

tão tipicamente melodramáticos –, não se assiste a uma máxima moral, nem a

peripécias dos bons nem dos maus capazes de reverter destinos, afinal, como já se

observou, o quadro de Korriscosso não se altera. O erro seguido do julgamento e

punição estão ausentes dessa narrativa, justamente porque não é dessa questão

que trata o sentido profundo da obra, mas da inoperância do amor, que leva os

sujeitos à condição de equívoco. Assiste-se, então, a um modelo melodramático que

convoca elementos como amor, sofrimento, dor, mas, como de regra acontece nos

melodramas com esse tema, resultam em infelicidade, porque tal sentimento não é

compreendido.Trata-se de uma conclusão irônica, maestria queiroziana.

Outros estudos podem ser realizados no texto literário ora tomado, como,

por exemplo, a questão de que o autor pode tratar com menor incisão o tema da

modernidade realista e ressaltar como o programa romântico está desatualizado ou,

ainda, como assinala Lepecki (1994), tratar do embate prosa e poesia. Mas, para

este momento, objetiva-se a análise da apropriação de certos comportamentos

melodramáticos para se estabelecer ou se construir um sentido.

4.3 “No moinho” e uma história interrompida

É tradição dos estudos queirozianos ver em “No moinho” uma

minimização de O primo Basílio pela semelhança de algumas ocorrências narrativas.

Assim como Luísa, personagem do romance, Maria da Piedade é seduzida pela

presença e pelo galanteio de um primo, no seu caso, Adrião, autor de livros

românticos. Tanto uma como outra personagem vivem períodos de euforia

sentimental (impulsionadas pelas leituras românticas que realizam) desdobrada em

experiências muito diferentes daquelas conhecidas, resultando em conseqüências

não muito ajustadas: Luísa morre no final da narrativa e Maria da Piedade

transforma-se numa histérica. Mas as aproximações não vão muito além, porque as

personagens possuem comportamentos diferentes: Luísa morre sem profundas

alterações no seu comportamento; já Maria da Piedade cai em desabono moral.

“No moinho” trata da história dessa mulher de índole inquestionável,

inteiramente dedicada ao marido e filhos adoentados. Seu contato com o mundo

exterior são a sua ida à missa, a visita do médico da família e a administração dos

negócios, uma vez que seu marido é inválido. Casa-se porque, embora conhecesse

a história de seu futuro marido, seu lar familiar é bastante problemático, pois sua

mãe era “uma criatura desagradável e azeda” e seu pai, um alcoólatra agressivo. O

casamento com um homem de posses também garante a não hipoteca da casa dos

pais. No entanto, toda a sua tranqüilidade de seu “hospital” é alterada quando sabe,

via carta, que o primo escritor de seu marido virá à vila tratar da venda de uma

fazenda, a única não hipotecada, herança de seu pai. Por indicação do próprio

marido, Maria da Piedade acompanha Adrião para cuidar da venda. Sozinhos,

ambos vão abrindo maior diálogo, até que o primo escritor começa a melhor

observar Maria da Piedade e ver nela uma mulher singular, sentimento de admiração

retribuída por ela. No dia seguinte, ao visitarem o moinho, Adrião beija a prima

santa, que por ele se apaixona, e parte no dia seguinte, sem deixar vestígios. A

partir de então, passa a ler os romances, e vê neles a intensidade da paixão,

tornando-se amante do praticante da botica, caindo em desabono moral na vila e

deixando marido e filhos padecerem em meio às suas doenças.

A história é comunicada por um narrador que dessa vez não está nela, ao

contrário dos contos anteriormente analisados. Maria da Piedade é apresentada na

primeira linha do discurso com predicativos idealizados no que tange a sua

moralidade, trata-se de uma “senhora modelo”, uma “santa” (QUEIROZ, 2000,

p.1498). Duas personagens masculinas quando se referem a ela, têm

comportamentos significativos: um acaricia os fios de cabelo e outro tem os olhos

esgazeados. Fisicamente, é descrita como uma beleza delicada, com detalhes

interessantes: olhos cor de violeta, olhar sombrio e doce, circundados por pestanas

longas, que tanto podem realçar os traços como podem indicar algum

comportamento peculiar, se for considerada a teoria de Lavater, em voga na época.

Segundo ele, a personalidade está intimamente ligada à constituição dos fenótipos

e, sendo assim, talvez se possa esperar mais do comportamento dessa personagem

que uma boa samaritana. Vale dizer que, apesar de toda generosidade, Maria da

Piedade não é uma mulher de grandes devoções. Vai à igreja aos domingos, mas

entende que a dedicação necessária e vital a sua família é a sua oração suficiente.

É ao menos curioso o dado trazido por Reis (1987, p.125) que, ao estudar os

manuscritos queirozianos depositados na Biblioteca Nacional de Lisboa, afirma que

faz parte do projeto de trabalho do escritor português, como atestam os manuscritos,

breves descrições de várias personagens, em cujos elementos

caracterizadores se antevêem comportamentos que entre si se

condicionam e que certamente viriam a harmonizar-se na orgânica

de uma ação que é possível adivinhar.

Isso leva a crer na adesão de Eça ao princípio determinista tão veiculado

na época, à maneira de Taine, plasmado, também, nessas histórias curtas.

A narrativa prossegue caracterizando melhor a vida de (e a própria) Maria

da Piedade. Seu cotidiano em tratar a família doente, habitar em ambiente

desalentador (andar em pontas de pé, remédios pela casa, cômodos não arejados) e

viver apenas em casa, cuidando de suas costuras e negócios do marido faz de sua

vida um sacrifício quase religioso, como sugere o próprio nome. Tais condutas são

justificadas por uma analepse que procura no passado a causa de tanta abnegação,

conforme prevê o programa naturalista, apoiado no determinismo de Taine cujo

princípio é o de que o homem é resultado do meio, da raça e do momento no qual

está inserido. Assim, é preciso encontrar a fatalidade condicionadora da vida das

personagens, que pode ser hereditária, fruto da educação e leitura, assim como os

exemplos vivenciados. Por essa visão determinista, a analepse é o recurso literário

adequado para que venha à tona a razão de Maria da Piedade ter aceito a condição

do casamento. Num retorno ao passado do tempo da história, o leitor conhece sua

vida familiar problemática e doentia na casa dos pais. Outra manifestação do

determinismo hereditário são seus filhos, doentes. Por outro lado, esse recuo no

tempo justifica e antecipa outras explicações de fatos futuros ou, ao menos, deixa

em suspensão a idéia de que, com tantos problemas familiares, a personagem

consegue se manter em relativo estado de equilíbrio. Maria da Piedade é

caracterizada, então, como uma personagem extremamente virtuosa; nada a desvia

de seus afazeres e nada é capaz de lhe corromper.

O primeiro segmento da narrativa, o exórdio segundo Tomachevski (1970)

é longo e demorado porque esmiúça detalhes em torno da figura da protagonista.

Estabelecido o seu perfil, a narrativa arranca para seu momento de ação. A notícia

da chegada do primo de João Coutinho desestabiliza o equilíbrio da casa e de Maria

da Piedade e proporciona à narrativa a situação inicial que é desenvolvida. As

informações sobre ele são trazidas à narrativa de forma a introduzir outra

personagem antes de sua ação propriamente dita, mas contém, também, alguns

índices importantes. Romancista, autor de um livro cujo título é Madalena, é dado

como “amado das fidalgas, impetuoso e brilhante”. Adrião não parece reunir as

qualidades de um homem virtuoso; ao contrário: sinaliza ser alguém com interesses

mundanos, pequenos. Ser autor de Madalena, “um estudo de mulher trabalhado a

grande estilo, de uma análise delicada e sutil” (QUEIROZ, 2000, p.1500), guarda a

coerência com o futuro narrativo, e também uma certa ironia, porque essa

publicação o consagra como um mestre e, no entanto, durante o jantar na casa do

primo doente, fala apenas dos negócios, sem fazer referências a qualquer outro tipo

de assunto. A ironia dirige-se ao comportamento em titular pessoas por pouca coisa.

A razão que o traz à vila também não é dos mais nobres.

Adrião vem tratar de negócios, do último patrimônio que não estava

hipotecado da herança do pai. Para ajudá-lo, João Coutinho disponibiliza sua

esposa, administradora dos bens familiares. A proximidade entre grupos opostos é

uma estratégia melodramática, que vê no favor, na presteza, o meio de os colocar

lado a lado para evidenciar seus valores conflituosos. Maria da Piedade é a mulher

tão dedicada aos cuidados familiares que sequer deseja visita do primo ilustre,

temendo alterar o cotidiano do seu hospital domiciliar, enquanto o primo escritor,

esbanjador, refere-se a ela como “um anjo que entende de cifras” (QUEIROZ, 2000,

p.1501). O recurso utilizado pelo melodrama se coloca de acordo com a organização

narrativa, pois o motivo da aproximação (a vinda do primo) elabora a situação inicial

proposta por Bremond, como acima já se disse. Assim, há algo a ser resolvido, um

motivo a ser desenvolvido: a venda da fazenda.

A partir de então, a tensão é crescente, numa estratégia que busca

incorporar o leitor como se ele também pudesse fazer parte daquela história e/ou

que ela lhe fosse familiar. Fazê-lo se ambientar a tal ponto que tenha ao menos a

sensação da realidade é um propósito realista. Para isso, há uma preocupação

importante em relação aos recursos visuais, aos quais o leitor tem amplo acesso, de

tal modo que possa representar o mundo sensível. A esse respeito, Peacock (1968,

p.31) aponta:

O contador de estórias, sejam elas em prosa ou verso, evoca o

ambiente de suas cenas, sugere a aparência de seus personagens e

locais, as casas e as salas em que vivem e trabalham, gastando toda

a sua arte para tornar tudo isso vivido para a imaginação sensorial.

Acima de tudo faz seus personagens viverem, como costumamos

dizer, indicando que dão corpo à própria matéria da vida, fazendo-

nos aceitar sua ficção em pé de igualdade com uma estória real.

Em “No moinho”, há uma série de descrições que muito bem funcionam

como recursos para criar a verossimilhança, como também concorda Philippe

Hamon (1973). De fato, não só as personagens são ricamente apresentadas, mas

também os espaços:

[...] havia sobre as cômodas alguma garrafada da botica, alguma

malga com papas de linhaça; as mesmas flores com que ela, no seu

arranjo e no seu gosto de frescura, ornava as mesas, depressa

murchavam naquele ar abafado de febre [...] (QUEIROZ, 2000,

p.1498).

Essas descrições alcançam outro patamar. Alem de causar a impressão

do real, também convidam o leitor que assiste a visualizar a cena e causar nele a

sensação interpretativa de que o ambiente é mesmo desconsolador. É o caso das

flores sobre a mesa. Retomando Lins (1976), o espaço oferece o ambiente em que

vive Maria da Piedade: triste, melancólico, sem vida. Tal como as flores (numa

metáfora do narrador que aproxima personagem e flor), que são bonitas e viçosas,

Maria da Piedade logo perde seu frescor naquele ambiente doentio. Assim, o ânimo

da juventude é minimizado, restando a ela apenas direcioná-lo aos cuidados

familiares.

A conversa em torno da transação da venda é o que proporciona o pivô

narrativo. Em harmonia com o motivo, a narrativa ambienta o espaço onde

transcorre a cena que proporciona acontecimentos desencadeadores de

sensações. Caminhar pelo campo, sem que haja obstáculos para a conversação

condiciona a aproximação e faz com que sejam rompidos os limites da timidez de

Maria da Piedade em relação ao homem jovem, cheio de vida. Solucionada a

distância verbal, ocorre a aproximação física, insinuante, sedutora. É porque estão

em meio à natureza que um galho enrosca em seu vestido e, então, num gesto

galante, Adrião desprende o objeto, resvalando na saia de Maria da Piedade, o que

lhe faz corar e amedrontar-se a tal ponto que deseja intensamente voltar para sua

casa. Mas a estrada é longa, e o silêncio entre os protagonistas torna-se improvável.

A conversa gira em torno da tristeza que há na casa dos enfermos e Adrião chega

mesmo a perguntar a Maria da Piedade se não possui outras vontades, mas ela

responde numa interrogação sobre o que mais poderia desejar. A ingenuidade

aliada à pureza fazem com que ele desista da insistência e passe a falar da

paisagem, especialmente do moinho.

Como se nota, é novamente pelo espaço que a narrativa vai se

enredando. Romanticamente, ela se refere ao moinho (“o idílio da vila”) e, então,

combinam para o dia seguinte a visita ao lugar. Num ambiente impressionista que

anima Maria da Piedade (“era um dia de março fresco e claro”; “o sol tépido”), Adrião

se impressiona com sua naturalidade, doçura, simplicidade, diferenciais em relação

às outras mulheres que o fazem se interessar de maneira significativa por ela. No

entanto, sente-se reticente em desejá-la, idéia que se contrapõe à figura feminina

rara diante de si.

A tensão narrativa é crescente à medida que os dois protagonistas se

aproximam fisicamente. Numa grande cena, vão conhecer o moinho, retratado de

forma impressionista, o que não é estranho em Eça:

Era um recanto da natureza, digno de Corot, sobretudo à hora do

meio-dia em que eles lá foram, com a frescura da verdura, a sombra

recolhida das grandes árvores, e toda a a sorte de murmúrios de

água corrente, fugindo, reluzindo entre os musgos e as pedras,

levando e espalhando no ar o frio da folhagem, da relva, por onde

corriam cantando. (QUEIROZ, 2000, p.1503).

A criação da imagem segundo os preceitos e intenções impressionistas

influenciam diretamente nas sensações causadas pela impressão pura do objeto,

especialmente pelos tons criados pela luminosidade; no caso da descrição acima o

da claridade e da sombra ao sol do meio-dia. Esse cenário composto provoca efeitos

na própria personagem que nele está ambientado, como no leitor ou na platéia. No

caso de Maria da Piedade, a sensação de vida e a frescura atuam na disposição

para a ação seguinte, a do beijo que a desperta, sem contar a identificação

simbólica existente entre esse cenário e a própria protagonista, como adiante se

verá ao tratar do espaço específico do moinho.

Ao iniciar a composição quase pictórica pela palavra, o narrador menciona

Corot e não é em vão. Trata-se de um pintor francês cuja técnica em registrar a

gradação de luzes e sombra é marcante, assim como o rigor na constituição das

paisagens retratadas. O impressionismo é uma técnica herdada dos folhetins,

ressalta Thomasseau (2005). Como a intenção pragmática do melodrama é envolver

o leitor e fazê-lo aderir à história contada – que bem poderia ser a do próprio leitor -,

o cenário deve caprichar em seus ornamentos a fim de impressionar, provocar

sensações e fazer reter na memória a história contada, no estabelecimento de

quadros, como acima já se disse. Além disso, a imagem deve provocar sensações,

as mais emocionais possíveis.

O ambiente em que Maria da Piedade e Adrião estão bastante íntimos é

convidativo para uma cena idílica: os dois adultos enamorados, sozinhos, num

ambiente silencioso apenas quebrado pelo rumor das águas, bucólico, encantador.

Adrião, condizente com o clima instalado, começa a falar em tom baixo, sedutor,

desenhando um conto de fadas, apropriado ao espaço daquela “velha edificação de

pedra secular” (QUEIROZ, 2000, p.1503), representado no enlace entre o moleiro a

sua companheira, com refeições à beira d’água e conversas ao luar. A idéia

fantasiosa passa a ser entendida como realidade e entusiasma o casal, o que

resulta no beijo sem resistência. O contato com a vida, simbolizado pela água e

concretizado pelo beijo, deixam-na chocada, com os lábios a tremer e sem voz.

O espaço que determina a mudança de estado de alma de Maria da

Piedade é discretamente trazido à narrativa pela descrição inicial do lugar onde a

personagem mora. Quando as pessoas vão passear até o moinho, vêem-na por trás

das vidraças, entre as cortinas, costurando, o que leva o leitor para o interior da casa

e permite conhecer melhor a protagonista por meio da livre circulação de olhares: é

mulher prendada, séria e reservada. Mesmo Adrião quando fica alojado na

estalagem do tio André, ressalta o privilégio de visualizar, pela janela novamente, o

moinho e a represa que lhe parecem deliciosos. De fato, delicioso é o lugar que lhes

aproxima intimamente, descrito como agradável, bastante diferente do ambiente

fechado em que vive com sua família. Se o espaço fechado representa a

resignação, o aberto simboliza a vida. Ao sair da “paz de seu hospital” e acompanhar

Adrião nos negócios a serem tratados, Maria da Piedade conversa com

desenvoltura, sorri, é admirada em sua beleza e capacidade de negociar, é tocada,

envolve-se em sonhos. Não é em vão que o moinho dá título ao conto, numa

espécie de prolepse. O divisor de águas da narrativa, o pivô narrativo, é habilmente

descrito pelo narrador de forma pormenorizada, o que faz lembrar um bosque

encantado. Fachin (1992, p.225) aponta que o “melodrama ancora-se num espaço

reduzido, fechado – cavernas, castelos em ruínas, floresta, taberna, mar agitado...”.

Ora, nessa atmosfera idílica, não faltam o príncipe, nesse momento revestido de

galanteria (como convém), e a princesa, de beleza encantadora, de moral e doce

ingenuidade.

Importa ressaltar que o moinho é bastante significativo pelo sentido

contido nele, que estão direta e intimamente vinculados aos caminhos tomados pela

narrativa. Chevalier e Gheerbrant (2002) relacionam a água como o símbolo da fonte

de vida e, realmente, é a partir do episódio ocorrido nesse espaço que Maria da

Piedade desperta para a emoção, para o desejo, como se lá nascesse uma outra

vida, de força nova. Segundo o que autoriza Chevalier (2002), os românticos

cantaram a água como símbolo da valorização feminina e da sensualidade, e onde a

libido desperta. É exatamente esse o acontecimento narrativo, pois é nesse

momento que Maria da Piedade sente a vida pulsar, confirmada pela informação de

que no moinho há “toda a sorte de murmúrios de água correndo, fugindo...”

(QUEIROZ, 2000, p.1503), o que figurativiza a idéia de dinâmica de sentimentos, ou

de revitalização deles.

Então, para que se dê o enlace amoroso, a mudança de espaço é

importante, porque depende dele a ambientação das ações. No jantar na casa do

primo doente, Adrião conversa apenas com ele, referindo-se à prima como um

“anjo”. Nesse espaço fechado, Maria da Piedade apenas o observa, avalia-o dentro

da sua óptica, mas, ao transpor esse espaço em direção ao aberto, a vida ressurge

traduzida em diálogo, sorrisos, fantasias, desejo, beijo, todos reprimidos e

impraticáveis no seu cotidiano, passado no espaço limitado, como é a sua vida

limitada. É no espaço fechado da estalagem que Adrião avalia a possibilidade de

100

envolver-se com a prima; primeiro se encanta e quer se aproximar; depois afasta-se,

radicalmente. É válido sublinhar, no entanto, que é presença daquele homem

revigorante que a faz repensar e reviver, porque, sem ele, a paisagem exterior é

uma metáfora do seu cotidiano:

A mesma paisagem que ela via da janela era tão monótona como a

sua vida: embaixo a estrada, depois uma ondulação de campos, uma

terra magra plantada aqui e além de oliveiras, e erguendo-se ao

fundo, uma colina triste e nua, sem uma casa, uma árvore, um fundo

de casal que pusesse naquela solidão de terreno pobre uma nota

humana e viva.” (QUEIROZ, 2000, p.1499)

A imagem construída do local é bastante visual, na tentativa, como afirma

Hauser (1995, p.914) de “reter o momento fugaz, a entrega ao estado de espírito

passageiro como o valor mais alto e insubstituível, o objetivo de viver no momento,

de ser absorvido por ele (...)”. De fato, ao fixar e reter o momento, todas as atenções

estão nele centradas, não havendo desperdício de movimento para outras

ocorrências. Observando com maior atenção o local descrito, nota-se semelhanças

com o sujeito que ali é revigorado, Maria da Piedade. A sua jovialidade aparece

refletida em “frescura da verdura”; a sua contenção sensual em “sombra recolhida” e

todo o seu vigor dedicado à família adoentada em “reluzindo entre os musgos e

pedras”. Esse espaço descrito é significativo porque é transformador e subjetivo:

ocorre a interação entre ele e o sujeito, num impressionismo literário e pictórico,

atingindo o leitor que imagina a riqueza do cenário.

Como se observa, o desenvolvimento da situação que abre a

possibilidade de algo a ser contado se enreda coerentemente. A mulher santificada

é apresentada, em seu perfil físico e comportamental: vivendo em ambiente doentio

quando solteira, quando casada quase nada melhora em sua vida, porque, afinal,

trata-se de uma mulher jovem, bela, que convive com a morte, com a tristeza,

distante dos ares de vida que a juventude lhe solicita. Esse estado de alma se

contrapõe com a alegria e com o ânimo de viver representado pela virilidade de

Adrião, pela atenção a ela dedicada (a brevidade desse cuidado não é levada em

consideração por ela) e, por isso, facilmente se apaixona por ele ou, ainda mais,

“amava-o”. O leitor, por meio do narrador onisciente, num procedimento das

narrativas naturalistas, acompanha o desenrolar das ações e o pensamento íntimo

das personagens. Essa onisciência permite conhecer o que sente Maria da Piedade

ao ter uma vida tão próxima da morte e também Adrião, tão admirado pela mulher

101

pura. Além dos aspectos exteriores, conhece o interior das personagens: traduz

sentimentos, comportamentos, intenções. Assim, torna-se público o que leva Maria

da Piedade às lágrimas: “Às vezes, só, picando a sua costura, corriam-lhe as

lágrimas pela face: uma fadiga da vida invadia-a, como uma névoa lhe escurecia a

alma.” (QUEIROZ, 2000, p.1499). Por isso, quando um homem viçoso, com palavras

ajustadas e ainda cultuado pelas mulheres e seus leitores é tão admirado por ela,

causando-lhe uma sensação de vida, em acentuado contraste com a que conhece,

como pode ser constatado pela impressão nela causada pelo primo Adrião: “[...]

aquele poeta que os jornais glorificavam, era um sujeito extremamente simples –

muito menos complicado, menos espectaculoso que o filho do recebedor!”

(QUEIROZ, 2000, p.1501). Dominador da narrativa, apresenta logo no início algo

que corresponde ao “monólogo recapitulativo” de que fala Thomasseau (2005),

apresentando as peripécias que precedem a narrativa propriamente dita, propondo a

natureza que a trama pode seguir.

Também é conhecido o pensamento mais íntimo de Adrião sobre

Maria da Piedade. Além da beleza, é uma mulher simples, talvez provinciana e de

mau gosto, alvo fácil para o “leão”, pode concluir o espectador. Após a cena

passada no moinho, Adrião não se culpa em tê-la beijado, aproveitando-se do amor

que ela possui em potencial; ao contrário, pelo narrador que tudo sabe, o leitor, que

se torna uma espécie de confidente, toma conhecimento de que o primo escritor

acredita ter sido bom ao dar-lhe um pouco de vida, mas lhe parece idiota

estabelecer-se naquele lugar que julga odioso por causa de um prazer que nem

sabe se poderá desfrutar novamente. Cheio de más intenções, como mostra a

narrativa melodramática, Adrião é fixado como o vilão praticante da maldade em

relação a sua vítima virtuosa, generosa. O espectador aguarda o desfecho.

Apresentado o caso, o leitor está em condições de avaliar e posicionar-se

diante deles, porque há informações privilegiadas de um observador impiedoso dos

costumes da época, buscando acentuar a intenção moralizante como é o

procedimento do melodrama. Ao desenhar Maria da Piedade como uma “beleza

delicada e tocante”, uma “santa”, logo o público constrói a imagem favorável dessa

mulher, cujas descrições de dedicação e beleza física intensificam. Não há dúvidas

que se trata da mulher romântica idealizada, abnegada de sua existência diante de

um amor maternal exacerbado. Mas, aos poucos, e para a surpresa do público leitor,

essa figura vai se transformando, como se aquela condição fosse mesmo

102

impossível; o realismo invade a narrativa até alcançar o naturalismo: Maria da

Piedade se dá conta do seu martírio e torna-se uma mulher sedenta de vida até ser

considerada “Vênus”. Após a partida de Adrião sem maiores considerações, a

saudade da vida lhe invade a alma, o que a faz olhar criticamente para o meio

desgraçado em que vive. No intuito de estar sintonizada com o universo do primo e

minimizar os seus desejos, lê os romances de sua autoria, acalmando seus ânimos.

Com o passar do tempo, desprende-se do amor de Adrião e direciona-o a qualquer

movimento que possa saciar a sua imaginação aprendida nos romances românticos,

cujo amante não mede esforços para satisfazer quem ele ama. No entanto, essa

condição abstrata não lhe satisfaz por muito tempo, e ela passa a ser amante de um

homem desclassificado.

Outras presenças naturalistas já sinalizam o que se pode esperar do

comportamento da protagonista, num princípio determinista: seus pais são pessoas

desequilibradas; os filhos de pai doente também o são e precisam de cuidados, o

que acentua a sua desilusão. Índices como o fato de ela não apreciar a idéia de

constantes orações, devoções ou ir à Igreja sinalizam o pouco apego à religião e,

sendo assim, esse desapego não entraria em choque com sua conduta de amar o

primo. Com esse histórico, o leitor pode ser levado a duas reflexões: é mesmo

possível uma vida como a de Maria da Piedade? Tanta dedicação ou tanta paixão

pode levar ao estado de desequilíbrio emocional?

A tônica da narrativa é, então, a metamorfose da protagonista a partir da

paixão despertada, o que passa, novamente, pela questão amorosa. O melodrama

clássico evita relacionar os heróis com paixões, porque elas transtornam a

capacidade de discernimento; o mesmo não ocorre com o melodrama romântico que

coloca em cena os amores mais inflamados, capazes de alterar os destinos. As duas

condições parecem se realizar: classicamente é demonstrada a tese de que o amor

desequilibra o sujeito, levando-o a um estado existencial deplorável, não porque

quer viver, mas sim por cair em descrédito moral-cristão. Mais uma vez, o

espectador tem suas emoções testadas: é razoável uma mulher deixar no abandono

filhos e maridos adoentados e procurar outros homens para satisfação de seus

desejos mais íntimos? O julgamento do quadro e a conseqüente punição como

ocorre no melodrama clássico não parece acontecer, pois o que é caracterizado

como vilão – o que ousa tirar a santa mulher de seus afazeres caridosos e

praticamente a molesta, e, em conseqüência desses atos, faz odiar a vida que leva –

103

, parte da vila sem nenhuma complicação, nem de consciência e nem de satisfações

mais pessoais ou familiares. E aquela que, certamente, é tida inicialmente como a

heroína romântica (bondosa, dedicada à maternidade e ao marido, sexualidade

dormente) é punida com o escândalo de toda a vila.

Não se pode perder de vista que o conto é realista-naturalista e, portanto,

a crítica ao romantismo aparece de forma mais explícita, como é o caso das leituras

realizadas por Maria da Piedade após a paixão despertada. Se antes ela lia Vida dos

Santos para seu marido entrevado, abandona essa leitura em favor de romances

românticos, que a fazem sentir alívio de suas dores:

Lentamente esta necessidade de encher a imaginação desses lances

de amor, de dramas infelizes, apoderou-se dela. Foi durante meses

um devorar constante de romances. Ia-se assim criando no seu

espírito um mundo artificial e idealizado. (QUEIROZ, 2000, p.1505-6).

O comentário do narrador é direto e impiedoso: a mulher está prestes a se

tornar uma desvairada por tomar a leitura fantasiosa romântica e imaginar a sua vida

em consonância com o mundo ficcional, em muito diferente da sua realidade que lhe

passa a ser, agora, odiosa. Essa situação induzida pelo sentimento amoroso é

alertada por Fradique Mendes numa carta ao seu sobrinho, Manoel:

Aqueles que, como Feuillet, e Sandeau e tantos outros, só

sabiam contar, com pena enternecida e graciosa, histórias de amor e

em que o amor era centro e o motor único da vida, estão

abandonados, comidos humilhantemente pelos ratos, nos

subterrâneos dos livreiros.

Nem por isso as mulheres lêem já hoje versos de amor – que de

resto não apreciaram em tempo algum, porque nunca uma mulher

gostou de ver outra coroada e idealizada! E além disso nem elas,

nem ninguém, por mais simples, acreditam na sinceridade dos

poemas amorosos. Todos sabemos que eles são meros exercícios

de leitura, compostos pacientemente, friamente, de chinelos, com um

dicionário de rimas. (QUEIROZ, 2000, p.121).

Maria da Piedade, de certa forma, também representa essa polêmica: o

perfil romântico era verdadeiro ou apenas superficial, forçoso e conveniente? Até

mesmo o criador de romances, o próprio Adrião possui descrição moral pouco

salutar. O autor de romances, querido pelas leitoras, “herói de Lisboa, amado das

fidalgas, impetuoso e brilhante” (QUEIROZ, 2000, p.1500), apresenta indícios de seu

caráter aproveitador quando o narrador informa que da herança de seu pai, quase

104

tudo estava hipotecado, exceto a fazenda ao pé da vila. É, então, um homem cujo

comportamento não condiz com a boa conduta esperada.

Piwnick (1988) vê nesse conto a revelação do interesse de Eça pelas

doenças nervosas, especialmente pelas publicações de Charcot intituladas Leçons

sur les malades. Maria da Piedade é o exemplo da histeria decorrente da

sexualidade frustrada, parcialmente resolvida quando envolve-se com o ajudante da

farmácia, mas é, também, na opinião da estudiosa, um sujeito à procura de uma

autovalorização que preencha suas falhas afetivas, durante toda sua vida. Como

elas são parcialmente preenchidas, o efeito é acumulativo e resulta num transtorno

histérico.

O caráter bovarista de Maria da Piedade é sublinhado por Piwnick (1988),

principalmente ao que se refere à permanente insatisfação do desejo. Há pontos

coincidentes; Emma e Maria da Piedade são mulheres que tiveram infância com

educação recatada (a primeira viveu em conventos e a segunda cresceu com sua

família); ambas vêem no casamento uma forma de ascensão social (porém, não se

satisfazem com ele). Além disso, se interessam por outro (no caso de Emma, por

outros) homem e lêem vorazmente obras românticas, criando ilusões que esperam

ver realizadas. O percurso traçado por elas também coincide: o matrimônio não tem

vínculos com o amor (mas o sentido de liberdade para a personagem queiroziana) e

a maternidade não é uma realização, nem uma felicidade – mesmo Maria da

Piedade, apesar da dedicação exemplar que tem para com os filhos, acaba por

relegá-los ao abandono mais tarde. Portanto, as duas possuem alterações de

percurso não previstas para as personagens femininas tradicionais.

Mais um ponto observado que aproxima essas duas mulheres é a

virilidade. Emma Bovary possui comportamentos em muito diferentes daquilo que se

conhecia na ficção que lia: age com rapidez, comete o adultério, é procuradora dos

bens do marido. Vale lembrar que Maria da Piedade apresenta também essas

atitudes como, por exemplo, ser a responsável pela administração dos

empreendimentos econômicos da família: “Foi por isso com grande alegria, que

ouviu João Coutinho declarar-lhe que a mulher era uma administradora de primeira

ordem, e hábil nestas questões como um antigo rábula!...” (QUEIROZ, 2000,

p.1501). Talvez possa se dizer que em Maria da Piedade a questão do bovarismo é

menos explícita que na própria Emma.

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Reis e Milheiro (1989) observam que há no espólio queiroziano dois

cartões identificados como “Estudo de mulher” e outro como “Outro estudo de

mulher”, incompletos; num terceiro, a designação de “admirável assunto de conto”.

Neles, de acordo com os pesquisadores acima citados, há uma investigação em

torno da condição feminina e seus desdobramentos, como o casamento, família,

adultério e a crise que sobre eles se constrói. Tematicamente, o tema relaciona-se

diretamente com O primo Basílio e também com “No moinho”, narrativas que estão

diretamente ligadas a estudos de casos. De fato, os dados se alinham quando o

conto referido é focalizado. No “assunto de conto” constata-se a seguinte anotação:

“uma provinciana sentimental concebe uma paixão por uma ilustração de Lisboa e é

desmoralizada por ela.”, que é o núcleo da narrativa em foco, concretização do

“estudo de mulheres”. Vale lembrar, com os autores, que Adrião, personagem

moradora de Lisboa, é autor de um livro cujo predicativo indica ser um estudo de

mulher.

“No moinho” é um conto de enredo seqüenciado melodramaticamente,

com boa dose naturalista. Dada a situação inicial, após uma explicativa introdução

narrativa que contém dados importantes sobre a protagonista, o espetáculo está

pronto para começar. De forma breve como requer o conto, a densidade dramática é

construída conforme se dá a anulação da distância espacial entre Maria da Piedade

e Adrião, ocorrida definitivamente no campo. A narrativa se inicia de forma

degradada, com a assexualidade da mulher fada e casamento condicionado para

fugir de um lar problemático. Depois, conhece o melhoramento apoiado na felicidade

proporcionada pelo primo galanteador para, em seguida, ser degradada em escala

crescente, porque Maria da Piedade chega à decadência, desmoralizada e

histérica. A grande cena do moinho, lugar potencializado em significações, guarda o

pivô narrativo, que altera o percurso das personagens, exceto o de Adrião. Filhos e

marido abandonados, mãe ausente. A peripécia da protagonista tem início quando

visualiza um homem admirável aos seus olhos e se completa quando o narrador

conta que ela o amava; isso a reanima e faz caminhar na busca do amor físico a

qualquer custo, resultando numa total transformação. A narrativa se enreda de forma

coerente, estruturada conforme as tríades de Bremond (1972):

- Situação que abre a possibilidade de um comportamento: chegada de uma

personagem que representa a masculinidade e a virilidade a um meio doentio,

presidido por uma mulher jovem e saudável.

106

- Passagem ao ato desta virtualidade; resposta a situação inicial: envolvimento

crescente entre os protagonistas a partir da venda da fazenda; aproximação

amorosa entre ambos e imediata separação, definitiva.

- resultado da ação: histeria e desabono moral.

Numa visualização sistematizada, vê-se:

- Maria da Piedade cuida;

- Maria da Piedade ama;

- Maria da Piedade desequilibra.

Retomando o tema das questões melodramáticas interessantes a este

estudo, observa-se a preocupação em despertar comoção, envolver o

espectador/leitor emocionalmente e mantê-lo atento ao drama. Para isso, preocupa-

se grandemente com a cena: é ela que deve conter os elementos capazes de

concentrar as atenções e estabelecer a tensão que desencadeia a comoção. É

preciso que o público se impressione – ainda que seja pelo exagero – e assim se

envolva emocionalmente com a questão que se apresenta. Em “No moinho”, a

paixão desestabiliza e gera a infelicidade prevista no programa melodramático (e no

tom que pretende o autor realista), com o desenlace baseado no “castigo” (FACHIN,

1992, p.225) conseqüente da atmosfera romântica que envolve Maria da Piedade.

Brooks (1974) sublinha o caráter impressionante do melodrama, num

caráter hiperbólico da situação. Assim, as cenas impressionam: a virtude

exacerbada de Maria da Piedade, o lar da família adoentada, expectativa interior da

personagem para receber o primo escritor, a aparente felicidade de ambos ao

estarem no moinho, a histeria que se apodera da boa alma.

Mas o conto é realista, e o final feliz também não é previsto nos moldes

melodramáticos. Estabelecido o drama de uma vida (uma mulher que vê no

casamento uma forma de escapismo, uma união frustrada com o marido inválido e

as crianças enfermas, a sedução por um homem que a faz sentir-se viva), é o

momento de dar a nuance desejada. A idealização dessa mulher representada pelo

orgulho que a vila tem dela diante da alma generosa e dedicada é nocauteada

quando ela se torna promíscua, como constrói o tom naturalista. Ainda que

apresente causas deterministas para esse comportamento (a hereditariedade e o

meio no qual está inserida), é a paixão que a transforma. O espetáculo

melodramático impõe um julgamento, com conseqüente castigo aos malfeitores,

como e o caso de Maria da Piedade que, de generosa, passa a bruxa. Observa-se

107

que, embora o vilão dotado de poucos sentimentos seja Adriao, quem recebe a

punição e aquela que ama porque, afinal, para ele tudo não passa de algo sem

valor, enquanto que ela é tocada profundamente pelo amor. Portanto, o sentimento

despertado provoca o erro e revela-se como ledo engano, porque acabou por cair no

esquecimento (“uma carta sequer”). Portanto, utilizando-se dos recursos

melodramáticos, a história deixa sua lição: as idealizações podem ser temporárias,

nem sempre correspondentes à verdade. Num panorama fantasioso, o amor parece

ser a resolução de problemas, mas não é.

4.4 “José Matias”, um amor impossível

Sem dúvida, “José Matias” é o conto queiroziano que mais recebe

atenção dos estudiosos e é o título sempre revisto pela crítica especializada, o que

demonstra o vigor dessa leitura. Também é senso comum ser a narrativa mais

intrigante e de maior elaboração por parte de seu criador, o que, para alguns, o

coloca em posição de superioridade em relação aos outros contos do escritor

(LEPECKI, 1974).

Penúltimo conto publicado em vida, a narrativa tem início pelo diálogo

entre o narrador com um interlocutor não nomeado, convidado a seguir junto, na

mesma tipóia, o enterro do amigo José Matias de Albuquerque, de quem vai ouvindo

a história da vida. Homem de bom coração, sempre muito correto em suas

vestimentas, órfão, vai morar com seu tio, o general Visconde de Garmilde, cuja

herança, significativa, o sustenta. Ao morar em Lisboa, conhece Elisa Miranda, sua

vizinha, bela mulher, casada com Matos Miranda, admirada em toda sua beleza por

José Matias através das janelas. Essa situação permanece por dez anos, quando o

marido de Elisa falece. Seus amigos, inclusive o próprio narrador, acreditam que,

passado o período de luto tradicional, o casal vai se unir. No entanto, embora Elisa

proponha essa união conforme informa o próprio narrador, José Matias viaja para o

Porto e nega-lhe o pedido feito. A jovem viúva casa-se, então, com Torres Nogueira,

e novamente a situação se repete: ambos trocam olhares por meio das janelas. Com

a morte do segundo marido e o afastamento de José Matias, ela se torna amante de

um apontador casado das Obras públicas. Adoentado, alcoólatra, em dificuldades

financeiras, José Matias entra em profunda decadência, até a morte.

108

Vários trabalhos se realizam para encontrar veios que permitam melhor

analisar o conto em foco. Lepecki (1974) e Nunez (1985) desenvolvem suas análises

levando em consideração a formação filosófica do narrador e, a partir de então,

examinar a condução dos fatos e o próprio ser narrado (José Matias). De modo

geral, concluem que as filosofias defendidas e adotadas pelo narrador (pensadores

como Hegel, Espinosa, Malebranche e Fichte entram em cena) são refletidas em

José Matias, como um espelhamento. Um outro estudo interessante e um dos mais

clássicos é o realizado por Coelho (1969), no qual aponta a estratégia da narração

em primeira pessoa, o que contribui para a impressão do efeito de verdade

A construção da narrativa por esse narrador instala a situação inicial ao

dialogar com uma personagem oculta na seqüência do enterro de José Matias.

Como essa figura parece não saber de quem se trata, como se observa no

segmento “Estou esperando o enterro do José Matias – do José Matias de

Albuquerque, sobrinho do Visconde de Garmilde... O meu amigo certamente o

conheceu [...]” (QUEIROZ, 2000, p.1600), o narrador se dispõe a relembrá-lo; essa

rememoração é responsável pelo conhecimento da história por parte do leitor.

Assim, o amigo-narrador resgata o perfil físico e comportamental de José Matias e

apresenta os dois extremos aos quais chega o protagonista que intitula o conto, o de

um moço de postura considerável, muito correto no que se refere às vestimentas e

ao comportamento social, quanto à sua intelectualidade interessante e olhar

contemplativo, como atesta a passagem em que, numa noite com amigos, fica na

ponte “com a alma e os olhos perdidos na lua!” (QUEIROZ, 2000, p.1601). Em

oposição a esse aparente equilíbrio está a situação decadente de um homem

maltrapilho e bêbado. O vazio desse circuito desperta a curiosidade em saber qual o

motivo de tamanha transformação, e anuncia, de certa forma, qual será a matéria

narrativa. Portanto, dar credibilidade ao narrador é a única condição para conhecer a

história, ainda que seja retroativa àquele momento funéreo. Essa estratégia convoca

o leitor a acompanhar ativamente a história, pois essa personagem que não possui

fala explícita – e facilmente se convence a acompanhar o amigo narrador, apesar

das calças claras -, bem pode se adequar ao leitor que começa a assistir o

espetáculo com a cena do enterro que, por sinal, atrai e comove.

Embora outros estudos se debrucem exaustivamente em torno da

identidade e do perfil influenciadores do que se narra e como se narra, interessa o

de Coelho por dois motivos principais: ser um dos pioneiros a tratar do conto de

109

forma mais aprofundada em seus aspectos constitutivos e por ver no narrador a

grande inovação na narrativa breve. Essa entidade, auto-identificada como um

filósofo, possui um ponto forte a seu favor quanto à “veracidade” do que relata: ele é

amigo de José Matias e acompanhou todo o seu percurso amoroso, embora se

mostre reticente em alguns momentos, situação traduzida em linguagem no uso de

expressões de incerteza . Entre outros elementos apontados, como a distância

mantida pelo narrador em relação à personagem protagonista em seu enterro,

referindo-se a ele como “interessante moço”, destaca-se a observação sobre a

construção da ambigüidade e do contraste ao longo da narrativa. Para fixar esse

contraponto, o narrador apresenta Elisa Miranda, a “sublime beleza romântica de

Lisboa” (QUEIROZ, 2000, p.1602) de forma concisa, sem perder o ritmo da prosa,

mas com muita propriedade e efeito. Assim, é possível criar a imagem dessa mulher

como uma “encarnação de camélia muito fresca. Olhos negros, líquidos, quebrados,

tristes, de longas pestanas”, com “cabelos negros, lustrosos e ricos, em bandos

ondeados” anteriormente apresentados (QUEIROZ, 2000, p.1603), enquanto José

Matias é o “rapaz airoso, louro como uma espiga, com um bigode crespo de paladino

sobre a boca indecisa de contemplativo, destro cavaleiro, de uma elegância sóbria e

fina” (QUEIROZ, 2000, p.1600). A diferença física encontra reflexo na diferença

comportamental. Coelho (1969) assinala que a boca indecisa, os cabelos loiros

indicam a idéia do homem muito mais contemplativo do que objetivo (o que se

confirma na cena da ponte acima referida), remetendo ao ideal platônico, enquanto o

comportamento naturalista é próprio do outro, de outro homem mais objetivo e viril,

como se observa:

O que o torturava, meu amigo, o que lhe cavara longas rugas em

curtos meses, era que um homem, um macho, um bruto, se tivesse

apoderado daquela mulher que era sua!E que do modo mais santo e

mais socialmente puro, sob o patrocínio enternecido da Igreja e do

Estado, lambuzasse com os rijos bigodes negros, à farta, os divinos

lábios que ele nunca ousara roçar, na supersticiosa reverência e

quase no terror da sua divindade!Como lhe direi?... O sentimento

deste extraordinário Matias era o de um monge, prostrado ante uma

Imagem da Virgem, em transcendente enlevo – [....] (QUEIROZ,

2000, p.1609).

Em contraposição, Elisa apresenta o biotipo sensual, cheio de vida, o

que é atestado pelos casamentos sucessivos e pelo comentário dedutivo do

narrador “Certamente porque os grossos bigodes negros do Torres Nogueira

110

apeteciam mais a sua carne do que o buço louro e pensativo do José Matias!”

(QUEIROZ, 2000, p.1609). Caracterizadas as personagens protagonistas, José

Matias como o virtuoso e Elisa Miranda como a menos virtuosa, mas nem por isso

vilã, a narrativa se enreda de maneira a preencher o percurso até o enterro.

Numa espécie de confidência explícita, o narrador vai colocando o

interlocutor da narrativa e o leitor/espectador a par da história de José Matias,

envolvendo-se com ela e instigando suas emoções, principalmente quando fica

estabelecida a trajetória do herói: órfão, segue um perfil do dândi do século XIX

(alguns biógrafos de Eça também o consideram um deles), elegante, culto, para

depois entrar em curva descendente acentuada, tornando-se jogador, alcoólatra e

doente. A narrativa em andamento se inicia já em degradação, afinal trata-se do

enterro de um homem bom, morto precocemente, vítima do abandono e descuido

voluntário. Paralelamente a esse primeiro plano narrativo, um outro vai sendo

construído, o do percurso de José Matias, até que ambas narrativas se encontrem

exatamente onde começaram; a história é, portanto, circular. Nesse segundo plano,

a narrativa é repleta de motivos, motores das seqüências articuladas desse conto de

enredos. A motivação que norteia toda a narrativa é o amor sentido, mas não

realizado, pela admirável Elisa, cujo nome em hebreu, ensina Piwnick (2000),

significa “deusa”. O leitor tem domínio da situação instalada: um casal que se ama,

mas não se aproxima. Vale lembrar, porém, como já mencionado, que nos

melodramas o amor não é colocado em cena ou quando o é, não prevê em seu

programa a felicidade conjugal.

Nessa narrativa breve, porém mais extensa que as anteriormente

analisadas, o amor é sublimado, não tende ao amor carnal; ao contrário, nem o

considera. Quando José Matias vê Elisa pela primeira vez, à luz do luar, seus

amigos logo percebem que o sentimento amoroso se estabelece de forma intensa. A

partir de então, as trocas de olhares são constantes e o amor alenta (e virá a

consumir) a vida daquele moço tão virtuoso. No entanto, há um obstáculo, que

impede a realização amorosa, a ser transposto, o marido de Elisa, Matos Miranda,

“diabético e tristonho” (QUEIROZ, 2000, p.1604). Espiritualmente, como afirma o

narrador, José Matias ama Elisa em silêncio e pelo olhar por dez anos, sem perder a

vitalidade. Nesse período, por aquilo que sabe o narrador, não há contato físico

entre os amantes, embora, segundo ele acredite ironicamente, por uma questão de

111

facilidade espacial: “Sim, decerto faltou para se perderem, uma hora de segurança

ou uma portinha no muro” (QUEIROZ, 2000, p. 1604).

No entanto, esse amor começa lentamente a trazer degenerações para

José Matias e para o segundo plano da narrativa. Ao admirá-la acentuadamente,

passa a incorporar os seus comportamentos mais pessoais, sem examinar com

melhor critério as suas conseqüências. Quando toma conhecimento pela tia-avó que

a “divina criatura” não aprecia o fumo, abandona o charuto mesmo quando está só e

distante espacialmente de Elisa. O amor exacerbado, obsessivo, acaba por adoecer

mentalmente o jovem amante, provocando alucinações, como trazer e depositar

flores sobre a mesa na qual toma Café Central, sorrindo e acreditando que Elisa lá

estava. Em seu quarto, quer deixar o ambiente digno de sua deusa, purificando-o,

tirando gravuras e forrando pareces com cortinas de seda para, espiritualmente,

recebê-la. Ou ainda quando instala em seu camarote do teatro uma cadeira

majestosa, bordada com estrelas de ouro. Tantos equívocos consomem, aos

poucos, sua estabilidade financeira.

Vista apenas como uma imagem no sentido literal porque, enfim, ele a vê

pelas janelas e jardins, Elisa aparece como o ser intocável, na pura idealização

romântica da beleza, envolvida numa relação amorosa, além do casamento,

estranha, como se fosse algo irreal. Até mesmo quando o narrador a vê – nesse

momento a flagra olhando para a janela do quarto de José Matias -, é descrita com o

vestido claro ou ainda “uma figura branca, nas longas pregas de um roupão branco,

parada à beira do terraço, como esquecida numa contemplação.” (QUEIROZ, 2000,

p.1612), o que remete aos vultos inalcançáveis românticos. Ao seus olhos

platônicos, Elisa situa-se num patamar acima; é suficiente apenas vê-la entre os

jardins ou em sonhos, como cabe bem a uma mulher endeusada. A aproximação

mais efetiva entre eles parece não interessar a José Matias que “gozou nesse amor

transcendentemente desmaterializado um encanto sobre-humano” (QUEIROZ, 2000,

p.1605) e se sente feliz em tê-la na sua alma. Matos Miranda também guarda a

mesma distância da divina esposa, sugere o narrador, uma vez que a doença se

apodera dele e, assim, portanto, Elisa é mesmo intocável. A mulher idealizada

remete ao amor platônico, irrealizável, impossível, desprovido de qualquer interesse

sexual, conceituando-se como puro e revestido de fantasias. Ao absorver,

imaginariamente, o comportamento e a presença de Elisa, José Matias parece ter

transformado a idéia perfeita desejada, em matéria, cumprindo o protocolo

112

camoniano de “transforma-se o amador na coisa amada”, e, desta maneira, sua

alma já está completa. Por isso mesmo, quando Matos Miranda, o marido de Elisa,

falece, José Matias, embora tenha em mãos a grande oportunidade de se aproximar

em definitivo da mulher divina, corre para o Porto, onde ela vai-lhe encontrar e,

diante da recusa em ser recebida, chorar e se casar com Torres Nogueira, que a

assedia. Depois de então, José Matias volta à casa em que mora e continua a ser

vizinho de Elisa, a quem espreita como nos velhos tempos. Mas acontece que

também o seu segundo marido morre e, novamente, o seu admirador desaparece.

Elisa, então, torna-se amante de um moço já casado, apontador das Obras Públicas.

Por desejar a idéia pura, e não a mulher, a viuvez o amedronta, uma vez que

representa a realização do amor, que deseja manter vivo como é, irrealizável. A sua

relação é a de contemplação e por isso o mundo lhe é desinteressante, a tal ponto

de assustar-se quando constata que é agosto.

Assim, o padecer amoroso parece ser circular para José Matias, já que

está sempre a fugir da oportunidade de estar com aquela que idolatra; o amor vai

deteriorando a personagem em seu estado físico e emocional, até culminar na sua

morte. Porém, é interessante lembrar que esse sofrimento amoroso é de dupla mão,

afinal Elisa também se interessa por José Matias, contempla-o, e não tem seu amor

realizado fisicamente. Claro está que existem grandes diferenças entre um caso e

outro; ela se casa, sacia-se sexualmente com outros maridos e amantes, procura por

ele, mesmo que não seja recebida, mas, mesmo assim, ela não tem uma

aproximação mais efetiva; o alcance máximo é o olhar. Dessa maneira, ele se

constitui num amado adorado e inacessível diante dela, do contrário a procura por

ele mesmo na mendicância até descobri-lo por meio do lume do cigarro, “como um

farol, para guiar na escuridão os amados olhos dela”. (QUEIROZ, 2000, p.1615).

É verdade que a “investigação” sobre o não-querer de José Matias gera

questões de toda ordem, passando pelo homossexualismo até o estado psicológico

da personagem. O que interessa a este trabalho, porém, é compreender se a

questão amorosa se serve da estrutura e do efeito do melodrama ou não.

De fato, o caso de José Matias (“inexplicado”, como predica o narrador) é

um mistério: se admira tanto Elisa (ou Elvira, como alternadamente aparece nos

manuscritos) e por ela vive, sentimento que lhe é correspondido, por que não se

casa com ela quando esta enviúva por duas vezes? A ambigüidade é instaurada: se

a admira, por que não lhe quer? Tamanho contraponto se anuncia também nos

113

nomes e sobrenomes das personagens, significadas e individualizadas por eles.

Como aponta Berardinelli (1996), “Matias”, em linguagem popular, significa “pateta”,

como é o comportamento patológico da referida personagem frente ao amor. E

mesmo o fato de o nome de Elisa já ter sido Elvira, segundo o que consta na Revista

Moderna, onde o conto foi publicado pela primeira vez, é bastante significativo, já

que Elvira é o nome da musa de Lamartine, poeta francês das Meditações, e, por

analogia e coerência compositiva, é a do protagonista que tem por ela uma devoção

quase religiosa, no que se refere à contemplação, conforme sugere o fragmento da

cena seguinte:

Toda a sua atenção se concentrara diante do espelho, no alfinete de

coral e pérola, para prender a gravata, no colete branco que

abotoava e ajustava com a devoção com que um padre novo, na

exaltação cândida da primeira missa, se reveste da estola e do amito

para se acercar do altar. [...]E depois de enfiar a sobrecasaca, de lhe

espetar uma soberba rosa, foi com inefável emoção, sem reter um

delicioso suspiro, que abriu largamente, solenemente, as vidraças!”

(QUEIROZ, 2000, p.1604)

No seu processo orgânico, a narrativa se enreda interessantemente. Dada

a situação de abertura, a do convite para acompanhar o enterro de José Matias, cuja

circunstância da morte em muito se difere da história de vida que sempre teve, a

narrativa se desenvolve pela articulação dos motivos e seqüências melodramáticas:

a visão de Elisa ao luar, o enamoramento por ela, os passeios no jardim vistos pela

e da janela, a sua dupla viuvez, a desestabilidade emocional e física de José Matias,

empobrecimento, morte. O desenrolar da narrativa desemboca no futuro compatível

com seus viveres; José Matias morre com as faces voltadas para a varanda de Elisa,

enquanto essa, viúva pela segunda vez, tem um amante ao qual pede que leve

violetas no enterro de seu amado. Aliás, no comportamento da personagem

feminina, principalmente, vê-se a chegada do naturalismo. No primeiro casamento,

Elisa parece ser ainda uma mulher contida, mesmo que corresponda aos olhares de

seu admirador. Mais tarde, casa-se com um “pegador de touros” que, comenta o

narrador, enquanto Matos Miranda estava no jazigo dos Prazeres (referência ao

Cemitério dos Prazeres), aquele estava no leito excelente de Elisa. Bastante

sexualizada, exala sensualidade a ponto de José Matias observá-la detrás de

cortinas (Lisboa, 2001, p.67), o que não será anulado quando perde o marido e,

então, num procedimento naturalista invasor da postura romântica (Elisa é a mulher

114

admirada), para saciar seu desejo, torna-se amante de um homem casado e, sem

maiores pudores, uma mulher adúltera se vista aos olhos do romantismo.

Como se vê, o estado inicial de Elisa quanto de José Matias é alterado e

transformado, em seqüências de peripécias. Embora a narrativa já se inicie pela

degradação conforme prevê Bremond (1971) nos estudos da narrativa, esse

processo é acelerado e acentuado à medida que a possibilidade da realização

amorosa se torna mais real. É o caso do episódio da morte do primeiro marido de

Elisa que, viúva, procura pelo amado à distância que sente um “terremoto de

incomparável espanto” (QUEIROZ, 2000, p.1606) ao tomar conhecimento do fato.

Esse motivo marca a narrativa porque permite visualizar a ambigüidade da

personagem amar versus não desejar, que é a grande tensão da narrativa. Por isso,

esse acontecimento nuclear desencadeador de seus orbitais é o pivô narrativo,

momento no qual a narrativa é marcada por um “antes” e um “depois”. Transposto

para a diegese: antes, acredita-se que José Matias está impedido de aproximar-se

fisicamente de Elisa porque, virtuoso e de bons precedentes morais, não manterá

um relacionamento com uma mulher casada, por cujo marido mantém “consideração

quase carinhosa” (QUEIROZ, 2000, p.1606); depois, constata-se que esse fato não

é o obstáculo para essa realização, mas é razão para a degradação crescente da

narrativa: o retorno ao tabaco, jogatinas, bebidas. Atormentado, passa a apresentar

comportamento incomum:

E, para sacudir a pungência destes tormentos, findou, ele tão sereno,

de uma tão doce harmonia de modos, por se tornar um agitado. Ah!

Meu amigo, que redemoinho e estrépito de vida! Desesperadamente,

durante um ano, remexeu, aturdiu, escandalizou Lisboa! São desse

tempo algumas das suas extravagâncias lendárias...” (QUEIROZ,

2000, p.1611)

O lento suicídio que vai sendo operacionalizado em José Matias é a

fatalidade impiedosa de que fala Thomasseau (2005) no melodrama romântico

quando leva seus heróis, não mais convencionais, à morte. Nesse conto, o herói é

positivamente qualificado quanto aos seus bons precedentes: estudante em Coimbra

(ainda que o considerassem um sujeito banal), filho de bons pais, sobrinho de um

general de quem recebe significativa herança, José Matias é um homem dentro dos

padrões formais da boa conduta. Entretanto, ao se deparar com o amor, mesmo que

não realizado porque não quer, não consegue ou não pode, sua vida caminha para a

115

decadência, numa situação hiperbólica, como lembra Brooks (1974) no contexto

melodramático. Aliás, beira o absurdo a devoção desse herói pela sua amada,

constituindo-se também num excesso melodramático. Uma paixão compartilhada,

obstáculos sociais inexistentes; tudo tende a caminhar bem, afinal mesmo o fato de

ser casada é eliminado por duas vezes e mesmo que isso não acontecesse, Elisa

pode transpor o casamento, como faz no último relacionamento relatado. Ainda

assim, o amor não se realiza no decorrer do tempo. As emoções e a instigante

dúvida do leitor são crescentes. Sintagma a sintagma ele acompanha os passos do

casal protagonista, preparando-se para o desfecho.

O cuidado cênico vinculado ao espaço onde são desenvolvidas as ações

merecem atenção porque atraem o espectador e o impressiona, cadenciando a

emoção e criando a impressão do real, a começar pela primeira linha da narrativa,

quando o narrador inicia (e encerra, tendo em vista a permanência da idéia do real,

do verdadeiro) com a expressão “Linda tarde, meu amigo!...”. É durante a trajetória

do cortejo que a narrativa vem à tona, marcada, a narrativa, por referenciais da

cidade de Lisboa, como o Café Central, o teatro S. Carlos, estação Santa Polônia,

rua de S. Bento, entre outros.

Passeios de José Matias e seus amigos ao luar pelas pontes, a visão de

Elisa ao luar na varanda ou mesmo na janela a observá-lo quando o sol batia, são

passagens plásticas comunicativas, isto é, captam e traduzem exatamente o

momento, criando a imagem e encantando o leitor que a visualiza. Mesmo nas

descrições curtas, o narrador se serve da técnica impressionista, pela qual Eça tem

predileção. A objetividade realista em retratar a cena de forma a permitir a sua

visualização ganha novas significações à medida em que os advérbios de modo que

remetem à cor, à claridade, atribuem um sentido subjetivo. Assim, ao retratar a

fisionomia de José Matias quando passa a amar Elisa, o narrador aponta: “Sorria

iluminadamente quando me abraçou, com um sorriso que vinha das profundidades

da alma iluminada; sorria delicadamente enquanto eu he contei todos os meus

desgostos no Alentejo” (QUEIROZ, 2000, p.1604). Mais do que informar sobre o ato

do sorriso, o leitor conhece a felicidade instalada na alma da personagem.

Outro momento descritivo impressionista se relaciona ao espaço onde

estão os amantes espirituais, ainda na seqüência do primeiro casamento de Elisa.

Na verdade, o leitor tem seu olhar conduzido junto com o narrador para a figura

116

feminina idealizada, cuja descrição iluminada por “manchas de ouro” solares,

permite visualizar e sentir o modo de ser de Elisa.

De sorte que, acompanhando aquele raio ditoso, logo descobri, no

terraço da Casa da Parreira, a divina Elisa, vestida de claro, com um

chapéu branco, passeando preguiçosamente, calçando

pensativamente as luvas, e espreitando também as janelas do meu

amigo, que um lampejo de sol oblíquo de sol ofuscava de manchas

de ouro.” (QUEIROZ, 2000, p.1604)

A narrativa é altamente plástica, apresentando vários lugares por meio de

descrições e visualizações, como o passar de Elisa na carruagem, seus passeios

nos jardins, as descrições dos quartos e das vestimentas. Também vale notar o

trânsito e os significados dos espaços nas dimensões mais particulares e nas mais

amplas, de grande importância no conto. Antes de apaixonar-se, José Matias é um

homem que passeia, vai à ponte, vê o luar; não tem medo do mundo porque o amor

não lhe ronda, mas conforme este vai se intensificando, o herói começa a se refugiar

em seu quarto em Lisboa, no Porto, no restaurante, no vão do portal. O único local

de encontro efetivo do casal é na Quinta dos Cedros, onde José Matias janta com

uma tia-avó conhecida de Matos Miranda, razão pela qual o triângulo espiritual

amoroso se encontra. Não se pode desconsiderar os espaços por onde e para onde

olhares são dirigidos, por meio de um meio físico propício (janelas), permitindo a

livre circulação de olhares que favorecem a visualização divinal de Elisa. Das janelas

dos quartos, José Matias manifesta seu sentimento e pelo mesmo código amoroso é

correspondido. Quando Elisa desce para o seu jardim (vale dizer que Coelho (1969),

enfatiza a qualidade poética da narrativa ao se referir ao simbolismo das cores,

quando dos passeios de Elisa pelos jardins, numa metáfora da sua existência

plasmada nas flores: viva, alegre, disposta) expondo-se ao mundo e talvez criando a

oportunidade de aproximação, seu amado a contempla, numa adoração fiel, mas

sem ações objetivas. Observa-se, então, os espaços dotados de sentido: nos

espaços fechados, há um sujeito também fechado ao amor; nos espaços abertos, o

amor ronda figurativizado em Elisa, e por isso representa perigo. O ato de maior

insensatez de José Matias, indicador de seu desequilíbrio, acontece em espaço

aberto, no episódio da ceia, no qual ele reúne mulheres de bairros mundanos para

uma ceia e, em seguida, todas montadas em burros, são guiadas por José Matias

até o alto de um morro para saudar o Sol. Também é de um pátio abandonado,

117

aberto, quando está em completa miséria, que ele ainda olha para a nova morada de

Elisa. Localizado espacialmente em ambientes abertos, José Matias tem suas

maiores degradações. Nesse emaranhado de ações, não há preocupação com a

verossimilhança nem com o realismo; o herói se preocupa com sua lógica particular,

como é comum no melodrama romântico.

O tempo é categoria bem requisitada na composição dessa narrativa, pois

a narração da história do protagonista se dá durante a duração do enterro. É preciso

que haja uma coerente organização entre o tempo da narração e o tempo em que

ela transcorre. Essa dosagem é monitorada pelo narrador que vai pontuando o

tempo restante (“Agora é a nossa tipóia...), em alguns momentos de forma espacial

(“Já estamos em Santa Isabel!”). Há referencias temporais marcantes, como o último

ano em que José Matias ainda possui uma certa qualidade de vida, ou ainda os

anos que fica afastado de Lisboa. Outros, porém, são mais sutis num nível

superficial de leitura, porém significativos. As estações do ano são mencionadas em

harmonia com o estado de espírito do protagonista: quando vê Elisa pela primeira

vez, é outono, época de ventanias que varrem o bem-viver dele; retorna do “exílio

voluntário” do Porto no verão, quando o perigo de ceder fisicamente aos encantos

de Elisa já não é mais problema e morre em janeiro, em pleno inverno, vencido pelo

frio.

O desfecho não é aguardado com a expectativa positiva, pois em nenhum

momento há esperança para isso, já que a narrativa caminha na degradação

acentuada, sem sinais de melhoramento. José Matias morre de congestão pulmonar

como é típico aos poetas românticos da época e previsto pelos leitores, e dá fim à

narrativa, com a tensão narrativa zerada, mas não bem resolvida. O castigo recai

sobre aquele que ama, numa espécie de punição a quem conhece o amor.

Sistematicamente, as tríades de Bremond (1972), relacionadas entre si na

constituição da narrativa, podem ser assim apresentadas:

- Situação que abre a possibilidade de um comportamento: convite para acompanhar

o cortejo de um homem cuja história é singular; sua vida, na verdade, terminara seis

anos antes, relata o narrador.

- Passagem ao ato desta virtualidade; resposta à situação inicial: desenvolvimento

da história de José Matias, seguindo seus percalços de euforia (em menor

quantidade) e acentuada disforia (degradação), norteados pelo sentimento amoroso

intenso e idealizado.

118

- resultado da ação: decadência física, mental (patológica) e morte.

Numa sistematização mais breve:

- José Matias vive;

- José Matias ama;

- José Matias morre.

O conto se organiza em torno da questão amorosa encerrada, não

efetuada e nunca resolvida, afinal José Matias morre e leva consigo respostas que,

ao menos, poderiam levar a algumas especulações mais seguras. Lembre-se que a

narrativa possui um tempo circular, iniciando e terminando com a expressão do

narrador de “uma linda tarde” e, entre os pontos coincidentes, a narração da figura

cujo enterro é acompanhado. Para este trabalho, interessa discutir a recorrência a

determinados expedientes melodramáticos, o que não significa, necessariamente, a

caracterização de um melodrama típico clássico ou romântico, na terminologia

adotada por Thomasseau (2005). Se uma obra possibilita mais de uma leitura, a

realizada neste trabalho é a de constatar a admiração exacerbada por uma mulher,

os cuidados cênicos que objetivam envolver e impressionar a platéia, observar o

condutor narrativo que encaminha as emoções e se dirige a um público

representado por uma outra personagem que escuta uma história e, assim, concluir

a presença de elementos da estrutura do melodrama na narrativa breve queiroziana

que se serve, mais uma vez, da questão amorosa para levantar outras questões.

Uma delas é, como em “Um poeta lírico”, evidenciar o quanto o romantismo,

simbolizado por José Matias, o ultra-romântico agora enterrado, é ineficaz, fechado

na sua contemplação que não se realiza, porque distante do real, simbolizada por

Elisa. Por meio dessa história de amor não-realizada, que é evidentemente o núcleo

energético dessa narrativa breve, há um outro olhar submerso: o da busca da

perfeição, da unidade, alcançada no sacrifício carnal e vislumbrada na sua morte.

4.5 “Um dia de chuva”

Conto não incluído na edição de 1902, é publicado postumamente em

1929, no volume Cartas inéditas de Fradique Mendes e mais páginas esquecidas,

última edição de textos póstumos organizada pelo filho de Eça. O texto alcança mais

três publicações, em 1948, pela Lello e Irmãos, em 2000 com edição de Obra

119

completa sob os cuidados da professora Beatriz Berrini e a edição crítica (Contos II)

em junho de 2003. O número restrito de edições é que o faz pouco conhecido do

leitor queiroziano. Apesar disso, dois importantes estudiosos citam o conto em seus

trabalhos. Um deles é a própria professora Beatriz Berrini que, entre outras

questões, trata da maneira sóbria e competente como as refeições são descritas por

Eça. Outro é Antônio Cândido (2000) que afirma ter o texto graça e originalidade e,

mesmo que não tenha a redação um polimento finalizador, é uma obra acabada

enquanto composição.

A história é simples: José Ernesto (nos manuscritos é, às vezes, chamado

de Rodolfo, conforme a edição crítica informa), jovem morador de Lisboa,

acostumado com os passeios e a urbanização da capital, sonhava ter uma casa no

campo, ampla, resultado de suas leituras inglesas. Pelo jornal toma conhecimento

da venda do Paço de Loures, cujo proprietário, D. Gaspar, tem como procurador o

padre Ribeiro. José Ernesto vai conhecer a quinta do século XVI e fechar negócio

com ele, porém uma forte chuva o impede de andar por ela e mesmo de retornar a

Lisboa. Presos ao casarão sombrio e vazio, onde dorme numa cama dura e sem

nenhuma mobília, o comprador começa a ficar impaciente, porque a única distração

é a hora das refeições. Procura, então, o padre Ribeiro, com quem até mantém

longas conversas sobre a família de D. Gaspar. Por ele, sabe da história da sua

família e da beleza de sua esposa, D. Joana, e de suas filhas, especialmente a de

Maria Joana, com impressionantes cabelos loiros. A chuva é intermitente, forte, mas

torna-se mais aconchegante à medida em que José Ernesto se inteira da família de

D. Gaspar e de sua bela filha loira. Durante a chuva, fica a imaginar como seria a

moça e conclui que em Lisboa não conhecia ninguém com cabelos daquela cor.

Quando cessa a chuva, vai tratar da compra e, então, conhece a bela moça, com

quem se casa seis meses depois, num dia de chuva.

A história, como já se disse, é simples e romântica, e apresenta

composição interessante. Ela se inicia in medias res, ou seja, quando está em

andamento, mas, no entanto, esse primeiro momento mostra um recorte dentro da

diegese. Numa seqüência narrativa de certa forma extensa, José Ernesto,

protagonista da história, situa-se no quarto do Paço-de-Loures onde não consegue

adormecer porque estranha a cama, primeiramente, e sobretudo por causa de uma

intensa chuva: “E dum céu confuso, todo em flocos moles de nuvens pardas, descia

a chuva, lenta, direita, vagarosa, repousada e como estabelecida, assim para a toda

120

a eternidade.” (QUEIROZ, 2000, p.1836). Aborrecido, como informa o narrador não-

dramatizado, isto é, que não pertence à trama, mas que, oniscientemente, conhece

os pensamentos íntimos das personagens, José Ernesto reflete sobre a sua estada

nessa quinta, localizada na serra, e naquilo que o levara até ali: “pensava no

estranho impulso que o levara” (QUEIROZ, 2000, p.1834). Num processo analéptico,

a história anterior àquele momento narrativo conta a vida da personagem,

caracterizado como um moço que, quando mora com o pai, não tem melhores

condições financeiras, mas, ao herdar a fortuna de um tio, aproveita-se de tudo o

que ela lhe pode oferecer, sobretudo materialmente, com mobília cara, cadeira no

teatro e com mulheres. Para fugir da situação ingrata de ter o marido de sua amante

fazendo refeições com ele, viaja interessado na venda anunciada de Paço-de-

Loures, por ser, de certa forma, ambicioso e por influência dos amigos. Assim,

deseja muito ter uma quinta para receber amigos.

Essa seqüência recapitulativa se articula com o desenvolvimento

seguinte. Ao amanhecer, a chuva continua, colaborando efetivamente para a

configuração de uma atmosfera de tédio e até a de uma certa indignação, uma vez

que esta o impede de conhecer o exterior da quinta e mesmo de retornar a Lisboa.

Termos como “estremunhado”, “desesperado”, “furioso”, traduzem o sentimento que

invade José Ernesto. A sua fúria é comparada à uma “fera na jaula” (QUEIROZ,

2000, p.1840) no quarto, cuja descrição construída em ritmo narrativo acelerado

remete a um estado de agitação: “Mas o quarto enorme, e sem móveis, o grande

silêncio, a luz tristonha, aquele cair lento e contínuo da chuva, davam-lhe a tristeza

em que lhe era impossível a imobilidade.” (QUEIROZ, 2000, p.1840). Num casarão

com séculos de existência, sem mobília e em estado físico deteriorado, José Ernesto

convive com o estado de alma nada positivo, que piora ao ser informado sobre a

missa a qual deve comparecer. O espaço fechado, limitado pela chuva, leva o

protagonista a andar pelo terraço, da onde visualiza o cemitério que lhe parece

possuir dimensão maior do que a real, causando a impressão de estar em volto por

ele e a casa ser um dos jazigos, guardando seus mortos. Tomado por essa

sensação macabra, corre ao quarto do falante padre Ribeiro com o pretexto de pedir

um cigarro. O diálogo entre eles – o maior em toda a narrativa, o que demonstra a

importância para sua estrutura orgânica -, se refere ao dono da quinta, D. Gaspar, e

sua família,composta pela esposa e três filhas.

121

Importa notar que até esse momento, não há motivos que enredam a

narrativa de maneira significativa; ao contrário, há uma história de poucas ações que

não chegam a alterar percursos, mas apenas conhecer a aflição e o perfil de José

Ernesto. No entanto, a partir do momento em que Padre Ribeiro relata a beleza das

filhas de D. Gaspar, especialmente a de Maria Joana, moça alta e loura, descrição

confirmada pelo caseiro, a narrativa ganha um outro impulso e as ações passam ser

importantes porque movem a história, estabelecendo um “antes” e um “depois”,

constituindo, dentro da estrutura narrativa, o pivô. Agora, José Ernesto não tem mais

interesse em retornar a Lisboa como anteriormente, como pode ser observado nos

fragmentos seguintes:

[...] – e ante outras portas que abriu, noutros quartos que atravessou,

era a mesma solidão. Teve então uma saudade pungente da sua

casa de Lisboa, do ruído das tipóias, dos vizinhos, das ruas que o

levavam, seguras e secas, ao club, aos amigos, à Avenida.

(QUEIROZ, 2000, p.1840).

E depois, meio reticente:

Mas também, partir para Lisboa, depois daquela imensa jornada, que

assim lhe ficava inútil, sem sequer ter dado uma volta, feito uma idéia

da quinta, talvez excelente, e realizando bem o seu sonho de

campo? Era absurdo. E ao mesmo tempo, a volta tão rápida a

Lisboa, já o enfastiava, antevendo a Avenida cheia de pó, o club à

noite [...]” (QUEIROZ, 2000, p.1844).

Por fim: “E ao mesmo tempo sentia um desejo vago de ficar ali, muito

tempo, naquela aldeia, onde todavia a solidão lhe seria mais profunda e real.”

(QUEIROZ, 2000, p.1849).

A conversa que tem por núcleo a figura singular de Maria Joana se

intensifica e se detalha, a ponto de ser exposto o perfil político e intelectual da bela

moça, descrita como um raio de sol celestial:

É uma cor notável! Porque, quer V.Exa. creia ou não, o cabelo da

sra. D. Maria Joana, ao sol, reluz como ouro! Às vezes, no jardim...O

cartório tem janela para o jardim, e a minha banca fica justamente ao

pé da janela. Pois, meu caro senhor, às vezes, ela anda no jardim, lá

a tratar das suas flores, e passa assim entre duas árvores, toca-lhe

uma réstia de sol, e é ainda que se não deva misturar, o sagrado ao

profano – eu lembro-me sempre, é uma auréola santa.... Ouro! Ouro

puro! (QUEIROZ, 2000, p. 1842)

122

O impressionismo visual é construído a partir da claridade dos cabelos da

personagem acentuada pelo sol, remetendo à idéia de santificação e transcendência

vislumbrada na imaginação da “auréola santa”. Entretanto, o fenótipo julgado

interessante contrasta com as “idéias singulares”, que chegam a ser republicanas e

fazem de Maria Joana uma moça diferenciada: cabelos claros, leitora, esclarecida,

interessada em questões políticas, boa cavaleira, generosa e simples; é a mulher

iluminada como metaforiza a descrição impressionista. José Ernesto pensa nela,

mesmo sem conhecê-la, de maneira entusiasmada porque trata-se de uma moça

sem igual em Lisboa:

E já se não sentia só, agora, com aquelas figuras que tinham

surgido, no meio do seu tédio, e que tinham tomado relevo e

realidade – o sr. D. Gaspar com suas barbas brancas, a sra. D.

Joana com os seus cabelos de ouro. Não conhecia ninguém em

Lisboa que tivesse cabelos de ouro. (QUEIROZ, 2000, p.1843)

Em meio à chuva contínua, inicialmente irritante, vai surgindo aos poucos

a figura da moça, vencendo a atmosfera de tédio e se instalando, mesmo sem ter

fala na narrativa. Os efeitos transformadores de sua presença são sentidas por José

Ernesto, que agora tem muito apetite, sente-se bem instalado no quarto do casarão

antigo e sem conforto, “rindo”. A sua alegria se intensifica à medida em que se

aproxima a visita ao proprietário do Paço, D. Gaspar, pai de Maria Joana, com quer

conversar pessoalmente, e não por meio de cartas. Assim, José Ernesto volta ao

quarto “cantarolando, a arrumar a maleta”, está “alegre e ligeiro”. Ao chegar o dia

seguinte, marcado para a negociação, a chuva pára com um “bocado de céu azul”, o

que os permite ir até à casa de D. Gaspar. À saída, com um ramo de rosas dentro de

um cesto, José Ernesto coloca uma delas no peito, simbolizando a alma pronta para

amar. O que conecta um estado e outro é a questão amorosa que, sutilmente, vai

sendo instalada: o cabelo loiro como não se vê em Lisboa, o quarto em que nasceu

a filha mais bela, a chuva que acompanhou esse dia até chegar à imagem das rosas

no peito de cada um dos personagens que acabarão por se casar.

A duração da viagem até Vila-Fria, residência de D. Gaspar, é marcada

graficamente por um espaço em branco na página, como um recurso visual para

acentuar a expectativa. Logo ao chegarem, o padre avista a família, e José Ernesto

123

reconhece a bela Maria Joana “alta, dum branco saudável e doce, com belos olhos

verdes, finos e meigos”. (QUEIROZ, 2000, p.1851), que representam física e

psicologicamente o seu perfil. A junção amorosa se dá quando ambos apresentam a

mesma condição anunciada na imagem das rosas no peito, “rosas da mesma

roseira”, e é efetivada seis meses depois, quando se casam. Para José Ernesto, a

relação já é amadurecida desde o momento em que, no interior de seu quarto,

pensa na moça ensolarada; para ela, o enlace se desenvolve e se completa no

espaço gráfico em branco entre o penúltimo parágrafo e o último que anuncia o

casamento, num dia de chuva. Note-se que não há surpresa no desfecho, mas

apenas a conclusão.

Ao comparar a narrativa acima com o modelo melodramático são notadas

algumas diferenças importantes, justamente porque o conto é composto pela

atmosfera criada em torno da reclusão pela chuva, como observa Cândido (2000) ao

pronunciar-se sobre a produção de Eça. Para ele, trata-se, de fato, de uma

“narrativa de atmosfera, cujo princípio estrutural é a surda competição entre a chuva

que fecha o mundo e a imagem da moça que rompe as brumas”. A chuva contrasta

com a figura feminina: fora, a tempestade; dentro, a imagem ensolarada crescente

de Maria Joana. A disposição de José Ernesto para o amor é anunciada ao ser

descrito como um homem experiente com mulheres, e operacionalizada ao ficar

ilhado no Paço. O público parece estar com suas emoções zeradas, porque, como

afirma Camarani e Marchezan (2006), a narrativa de atmosfera não apresenta

descontinuidade e por isso não há fortes emoções entre as seqüências narrativas.

Compartilha-se o espaço tedioso num domingo (um casarão vazio e velho); não há

nenhum indício de que algo está para acontecer, tanto é que tudo parece triste para

José Ernesto, sobretudo porque no dia seguinte a chuva continua.

O espaço fechado do casarão vai se tornando insuportável para ele, a

ponto de procurar padre Ribeiro para se distrair, embora considerasse a sua

conversa interminável e cansativa. Seria pertinente imaginá-lo como um índice do

sobrenatural (ambiente vazio, antigo, local escuro, avizinhado de um cemitério) ou

digno de acontecimentos fortes, marcantes, que paralisariam a narrativa, mas, no

entanto, reserva momentos agradáveis para o comprador, como os das refeições

rica e apetitosamente descritas (como observa Beatriz Berrini, conforme referência

inicial), as quais José Ernesto imagina servir a seus amigos da capital. Pelos

124

diálogos mantidos com padre Ribeiro é que o público entra em contato com a boa

procedência de D. Gaspar, respaldada na sua genealogia nobre.

Apesar das fortes impressões plásticas da narrativa e das características

do espaço acima discutidas, o cenário não assiste a um melodrama, que poderia

abrigar. Há um grupo de personagens, executantes das ações do casarão, que

vivem em completa harmonia uns com os outros, com os visitantes e com o próprio

campo: cozinham o que é próprio do campo e vivem sem exaustões os dias de

chuva. Portanto, há um grupo virtuoso que trabalha para uma família igualmente

virtuosa; a quem caberia, de forma muito indireta, o papel de vilão, seria a chuva,

mas que, afinal de contas, é generosa, porque é pela monotonia causada por ela

que José Ernesto estabelece o diálogo – dessa vez produtivo e interessante –, com

padre Ribeiro, procurador da Quinta e “apresentador” da família. A chuva passa a

ser elemento importante na narrativa; dá título ao conto criando expectativa no

público: o que esperar de um dia assim? Sua ocorrência em dias importantes é

salientada: no dia do nascimento da filha mais bela e no casamento dela com José

Ernesto.

O elemento chuva é, então, carregado de significados para a narrativa, o

que é compatível com aquele apresentado por Chevalier e Gheerbrant (1982, p.235-

6), no qual a chuva está ligada à idéia de fecundidade do solo, fonte de toda a

prosperidade. Para José Ernesto, a capital Lisboa e suas mulheres tornam-se

distantes, cansativas e sem encantos diante da então (suposta) beleza pura da

moça loira do campo. Após conhecê-la, acompanhando o prenúncio da rosas, em

seis meses o casamento entre eles se realiza; a idéia de fecundidade se completa e

a da prosperidade se inicia, afinal duas famílias, uma de ascendência nobre e outra

de considerável estabilidade financeira se unem.

Segundo Guerra da Cal (1975, p.405), o conto se relaciona com “No

moinho”, opinião da qual discorda Piwnick (2003, p.39). Para ela, o paralelo que se

pode estabelecer é o episódio em que José Ernesto fica pensando que na capital

não existem mulheres tão puramente bonitas como a filha loira de D. Gaspar. Em

“No moinho”, quando Adrião volta do passeio com Maria da Piedade no qual ele lhe

beija, o primo fica pensando que aquela mulher é singular dentre aquelas que

conheceu. O fato de as personagens masculinas estarem no campo diverge de um

conto ao outro, se atentar-se ao detalhe de que Adrião vai vender uma propriedade

e, depois, logo parte; José Ernesto vai adquirir uma propriedade antes de se casar.

125

Piwnick (2003, p.39) assinala, ainda, haver semelhanças mais palpáveis com “A

ilustre casa de Ramires”.

Como se observa, não há um maniqueísmo moral e, nesse sentido, não

há peripécias, nem perseguições, nem punições ou recompensas; apenas um

enredo mínimo indispensável. O amor se realiza sem obstáculos, condução não

prevista para um melodrama, opinião dotada por Huppes (2000, p.39):

“Contrariamente ao entendimento comum, o final feliz não é a regra do melodrama”.

Trata-se de uma história de amor simples, naturalmente desenvolvido, ao contrário

das elaborações de Luísa e sua mãe em “Singularidades de uma rapariga loira”.

Também por não haver a monitoração de emoções e ilusões teatrais para conduzi-

las, o melodrama não se configura, porque não há a catarse do espectador,

justamente por não excitar os dramas humanos e, sim, os dramas singulares da

alma.

126

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Conforme apresentado no início deste trabalho, a tese sobre qual a

pesquisa se fundamenta é clara: examinar a tendência melodramática nos contos

produzidos por Eça de Queiroz cujo enredo se organize em torno das relações

amorosas, bem ou mal resolvidas. Essa idéia norteadora nasce do questionamento

sobre a forma de como é tratado o amor nas narrativas breves queirozianas, tendo

por base o princípio de que o autor, como representante máximo do realismo em

Portugal e militante incisivo dessa estética na década de setenta do século em que

viveu, vê tal sentimento de maneira desprezível, sobretudo no período anteriormente

referido. Na carta a Teófilo Braga, datada de 1878, referindo-se ao Primo Basílio,

Eça escreve:

É necessário acutilar o mundo oficial, o mundo sentimental, o mundo

literário, o mundo agrícola, o mundo supersticioso – e com todo o

respeito pelas instituições que são de origem eterna, destruir as

falsas interpretações e falsas realizações que lhes dá uma sociedade

podre.” (QUEIROZ, 2000, p.324).

O autor, dentro dos ares revolucionários da época na qual está inserido,

não poupa nenhum segmento da sociedade, tendo em vista a sua necessária

transformação, segundo o olhar da Geração de 70, da qual participa ativamente. Ou

a sociedade em sua totalidade é revista, inclusive nos sua natureza particular

sentimental ou não há melhoria. Luís de Oliveira Guimarães, num texto de 1943,

destaca o fato de que a “interpretação literária do Amor varia naturalmente de

escritor para escritor” (1943, p.30) e, elencando outros autores da época e suas

diferentes maneiras de tratar o amor, conclui que Eça o trata

sem hesitação, como um sentimento puro, belo, nobre e delicado.

Não é o Amor-idílio dos livros de Júlio Dinis, nem o Amor-paixão dos

livros de Camilo: é o Amor perverso, impuro, inquietante,

essencialmente voluptuoso, [...] pura exaltação dos sentidos que, em

regra, não conduz se não a encantos efêmeros – e perduráveis

desilusões.(GUIMARÃES, 1943, p.31).

Se essa observação é válida para as composições narrativas em geral,

também é válida para as breves, para as quais a crítica literária eciana pouco se

127

volta. A leitura dos títulos possibilita selecionar e convocar aquelas narrativas

centralizadas no tema amoroso para examinar como a questão é articulada e

desenvolvida. Trabalhos anteriores (JARDIM, 2003) concluem que o autor português

se serve da estrutura melodramática para enfatizar a ironia e, numa condição

didática, propor um ensinamento moralizador, no sentido de correção de costumes

(entenda-se comportamentos). Assim, os elementos constitutivos da narrativa são

operacionalizados para produzir os efeitos pretendidos. A fim de verificar se essa

estratégia de composição é constante nos contos ou observar como ela se modifica

ao longo da produção nessa modalidade, é preciso conhecer a teoria apropriada

para perceber os elementos plasmados nas narrativas selecionadas e o histórico

delas, para que o exame da tese proposta seja balizado em discussão adequada.

Vale dizer que o estudo acerca dessa modalidade teatral nascida no

século XVIII esclarece a questão da sua qualidade, muitas vezes tomada como

depreciativa ao longo do seu exercício sempre renovado. Apesar da estrutura

simples do melodrama, isso não quer dizer que ele seja fácil ou ingênuo, como

afirma Hauser (1995). Ao contrário, há um esforço de seus elementos

composicionais para surtir o efeito da mobilização das emoções e a sua expurgação

no desfecho do espetáculo. A diversidade de estudiosos e estudos acerca do

melodrama ao longo do tema demonstram a atualidade e a fecundidade da forma,

veiculada em universos ficcionais, como é o caso do cinema e dos textos literários

pertencentes aos diferentes gêneros, quanto da mídia, música, etc. Tal assimilação

revela a “maleabilidade” do melodrama, o que atesta a condição de atemporalidade

que possui.

A partir da compreensão da estrutura melodramática torna-se possível

analisar a proximidade ou não da configuração que a temática amorosa toma nos

contos. Ao estabelecer o corpus da pesquisa, é importante tomar conhecimento da

sua gênese textual (ano e local de publicação), uma vez que o estabelecimento e a

fixação dos textos queirozianos vêm recebendo atenção de uma equipe significativa

de pesquisadores mergulhados no espólio do autor depositado na Biblioteca

Nacional de Lisboa. É de domínio público, principalmente dos queirozianos, que

muitos textos póstumos sofreram alterações, e foram assim publicados. Pelas

edições críticas financiadas pela Imprensa Nacional – Casa da Moeda é que eles

vêm recebendo atenção criteriosa e devida. É o caso de artigos, crônicas, romances,

correspondências e dos contos.

128

Para melhor compreender o contexto cultural no qual se insere e ver

como se relaciona com ele, observa-se o teatro desenvolvido em Portugal e

recebido, via de regra, dos palcos franceses. Quando possível, as impressões do

escritor são verificadas nas suas correspondências ou artigos publicados em

periódicos.

Analisando os cinco títulos eleitos “Singularidades de uma rapariga loira”,

“No moinho”, “Um poeta lírico”, “José Matias” e “Um dia de chuva”, nota-se que o

tema do amor entre os sujeitos é a motor das narrativas. Deles, apenas no último ele

não se torna razão de frustração, desencadeada em sofrimento, embora pudesse

abrigar uma história melodramática (tal como No moinho, os elementos da narrativa

são semelhantes: o campo que guarda a ingenuidade, o homem jovem experiente

da capital, uma moça bela, mas, aqui, com formação interessante), se o princípio de

sua composição fosse o de articular ações, observando suas causas e

conseqüências. No entanto, a sua constituição narrativa pende para a situação

vivenciada pelo protagonista e pela atmosfera criada pela circunstância do quase

isolamento no campo.

O percurso do melodrama ensina que ele evolui ao longo do tempo;

Pixérécourt divulga e estabelece o gênero que nasce na Revolução e Nodier (1841)

defende a nobreza das intenções moralizantes contidas nos espetáculos

envolventes que alcançam e falam a qualquer tipo de espectador: é o melodrama

clássico, cujas heranças não se perdem nos dias atuais. No entanto, esse caráter

honroso vai perdendo a intensidade ainda no século XVIII, quando o clássico sofre

modificações, enfatizando aspectos mais duros antes ignorados, como a morte do

herói e não a do vilão, ou então o heroísmo pertencente aos bandidos,

marginalizados, adultérios, mães solteiras, paixões doentias, procedimentos

desaprovados por Pixérécourt (apud THOMASSEAU, 2005)

Pelos textos não ficcionais de Eça é possível depreender que o escritor

não aprecia o teatro melodramático tanto o praticado na França como em Portugal,

mas reconhece o seu alcance. Talvez por isso mesmo ele se sirva de sua estrutura,

para intensificar sua ironia: por meio de uma articulação típica romântica, prova-se

uma falha ou um erro desse comportamento. Os estudos literários discutiram e

discutem a questão da ironia na composição eciana, fato inegável a qualquer leitor,

mas não é intenção deste trabalho fazê-lo mais uma vez.

129

Ao utilizar um modelo apreciado e criado pela burguesia nos contos de

núcleo temático amoroso e neles sublinhar, pela evidência – e como quer um

militante realista -, o quanto o comportamento romântico, ficcional, real e estético, é

problemático, Eça conjuga dois planos aparentemente antagônicos da qual resulta a

ironia. Vale lembrar que esse termo remete, nos seus primórdios, ao processo

maiêutico de Sócrates que o utiliza como artifício para despertar consciências a

caminho da verdade. Quando o interlocutor percebe a contradição entre as

afirmações tidas como verdadeiras, ocorre o “espanto”, desencadeador do

pensamento. Eça parece compartilhar do mesmo princípio: por esse “despertar” não

ocorreria a correção daqueles comportamentos que julga problemáticos?

As análises das narrativas breves focalizadas mostram que a estrutura é

absorvida pela narrativa (e não a narrativa que se apóia em seus pilares), criando

ilusões, ambientando emoções por meio das cenas impressionistas, num esforço

narrativo a fim de colocar em cena, quase literalmente, questões que julga

fundamentais para a formação e ajuste da sociedade. Para isso, o texto é

encaminhado para a ilusão do real, buscando alinhar realidade, público e emoção, o

que é próprio do espetáculo melodramático.

Com efeito, sobressai na narrativa, quase como um requinte, o

impressionismo, que confere a sensação por meio da descrição plástica,

sublinhando cores e tons proporcionados pela intensidade, pouca ou muita, da luz.

O movimento impressionista na pintura é conhecido pessoalmente por Eça quando

visita a Exposição Universal de Paris e, numa carta de 1878 endereçada a Ramalho

Ortigão, revela não ter se interessado pela nova corrente. Em 1885, o autor

português presencia a abertura do Salon e assim se manifesta na carta ao amigo D.

José da Câmara:

Assisti à abertura do Salon onde havia muito talento, muito ‘savoir-

peindre’, mas nenhuma página original e forte – a não ser um quadro

do grande Roll, o pintor naturalista,que apresenta um ‘chantier de

travail’ poderoso e grandemente feito” (QUEIROZ, 1961, p. 84)

Como se vê, Eça não aprecia o impressionismo e, apesar disso, observa-

se nos contos o procedimento próprio dessa corrente. Isso já ocorrera anteriormente,

quando, numa carta de 1873 a Ramalho Ortigão na qual retrata Montreal e, por lhe

parecer agradável, descreve-o com um certo impressionismo. Assim, há um gosto

130

pela pintura, manifestado, além da descrição plástica, como acima já se disse, pela

busca da percepção imediata e que consiste na atribuição de uma característica a

um objeto que, na realidade, pertence a outro com o qual está relacionado. Essa

transposição ocorre por um processo denominado hipálage, longamente exercitada

na prosa de Eça, o que leva Almeida Faria (2000) atribuir-lhe o nome de “o homem

das hipálages”, pela maestria em descrever depressa e bem, maneira adequada à

modalidade conto, em que tudo é breve e condensado.

Outras situações características dessa modalidade que sai dos palcos e

invade a narrativa são os excessos. Assim, em “Singularidades de uma rapariga

loira” o amor de Macário não permite que ele veja o interesse de sua amada pela

sua condição social, do mesmo modo como a paixão despertada de Maria da

Piedade de “No moinho” a leva a um estado histérico. As mesmas condições podem

ser constatadas em “Um poeta lírico”, no qual o poeta clássico Korriscosso confessa

e reelabora sua condição sentimental em relação a Fanny nas suas odes e elegias

produzidas em grego. Essa impossibilidade da compreensão, o que impede

qualquer tipo de correspondência por parte dela, leva Korriscosso a continuar a

trabalhar, frustrado, apenas para venerá-la. Em “José Matias” tal veneração é

completa, a ponto da personagem que dá título ao conto morrer em função do tipo

de vida desregrada levada por causa da distância voluntária em relação a Elisa,

embora esta queira a aproximação e ambos se correspondam por meio de janelas e

olhares. A frustração amorosa e seus desencadeamentos pertence ao modelo

melodramático romântico e não ao clássico, na sua origem. Thomasseau (2005)

lembra que o motivo do casamento entra em cena no modelo romântico, não mais

no seu desfecho, como forma de reunir a família, fortalecendo-a para enfrentar as

dificuldades da vida, e sim para dar lugar a situações mais passionais, sublinhando,

grandemente, o adultério, o que leva a uma geração de “adulterolatria”, como

conclui. O amor, então, nasce duma fatalidade ou de uma causalidade, ao qual se

submetem a candura, a beleza, a mocidade, a dedicação ao lar, mas não supera o

sentimento de honra.

A arquitetura dos contos de enredo de temática amorosa é realizada a

partir de uma situação de abertura de que fala Bremond (1972) propiciadora para o

desenvolvimento da narrativa e interessante ao leitor. Enredando por um percurso

construído nos modelos melodramáticos, a diegese prepara o acontecimento divisor

de águas, o pivô narrativo, momento de maior tensão melodramática, cuja seqüência

131

pode ser eufórica ou disfórica. Depois da sua instauração, a narrativa se desenlaça

por meio de peripécias até chegar ao desfecho, sublinhando a moralidade

construída e oferecendo emoção ao leitor.

O autor adere ao melodrama, apesar de não apreciá-lo, como atesta em

seus textos, assim como é o procedimento em relação ao movimento impressionista,

tal como se observa anteriormente. Eça assimila que o melodrama é um modelo

aceito e compreendido pela sociedade da época. Sendo assim, seria mais fácil

"plasmar" a sua crítica (quando ataca os românticos) e despertar consciências (ele

acha Portugal uma nação sem desenvolvimento), já que a leitura seria prazerosa e

absorvida, em tese, por essa mesma sociedade, além de, ironicamente, tomar um

modelo romântico de sucesso e fazer dele um ataque aos próprios românticos. Por

outro lado, no seu processo orgânico interno, o texto melodramático ganha forças,

tensões, construídas aqui e ali, num modelo de narrativa que deve ter o máximo no

mínimo. E, como Eça provou, o melodrama é compatível a esse tipo de narrativa.

Mas se o amor não leva à felicidade, como é de praxe no melodrama – e

nos contos queirozianos é um fato –, em “Um dia de chuva” assiste-se a uma

tranqüila e natural história de amor, da qual se conhece apenas o dia do casamento.

Em todos essas narrativas, assiste-se a uma preparação para a história dramática a

ser contada – e sempre o leitor se depara com um narrador que relata um caso

(lembre-se que Eça afirma ser o ato de contar e ouvir histórias uma das atividades

mais prazerosas), exceto em “Um dia de chuva” –, colocando em evidência perfis,

comportamentos, históricos familiares que configuram, em algumas delas

(principalmente em “Singularidades de uma rapariga loira” e “No moinho”) as

personagens virtuosas e os vilões; pequenos detalhes como o fato de serem órfãos,

representados por Macário e José Matias, remetem à idéia de fragilidade e

desamparo que tentam suprir por meio de outra figura feminina. Pela sua densidade,

a narrativa do conto deve se organizar coerentemente, de maneira condensada, sem

expansões; por isso, o que pode parecer insignificante, no conto não é. O próprio

Eça declara no prefácio de Azulejos do Conde de Arnoso que

[...] no conto tudo precisa de ser apontado num risco leve e sóbrio:

das figuras deve-se ver apenas a linha flagrante e definidora que

revela e fixa uma personalidade; dos sentimentos apenas o que

caiba num olhar ou numa dessas palavras que escapa dos lábios e

traz todo o ser; da paisagem somente os longes, numa cor unida.

(QUEIROZ, 2000, p.70)

132

Ao contar histórias que tomam o amor e fazem dele um elemento

deletério, sobretudo nos contos cuja data de produção mais se aproxima do período

das famosas Conferências Democráticas do Casino Lisbonense, Eça pretende

demonstrar que o amor impuro, devasso, apoiado em instintos, incompreensível, não

leva à felicidade, mas ao amor fatal, traduzido em infelicidade, como operacionaliza

nas personagens dos contos selecionados. Isso leva a crer, por outro lado, que o

amor, quando bem realizado, é saudável, sinônimo de força, como afirma a carta de

Fradique Mendes ao seu sobrinho, Manoel:

O amor (como ensinava o meu amigo) é certamente uma força – e

mesmo a maior força deste universo que dele vive e por ele se

equilibra – e a notação, em boa rima, de qualquer das suas

manifestações que seja intensamente genuína e nova, constitui sem

dúvida uma aquisição excelente para o nosso conhecimento do

homem, entidade de sete palmos de altura, que, quanto mais

profundamente a si próprio se sonda, mais insondável se reconhece.

Por outro lado, os versos de amor são preciosos para aqueles que,

possuindo o sentimento, não possuem o verbo que lho vivifique, lhes

dê a consoladora certeza da sua realidade – e que precisam portanto

ver expressas, formuladas, sonoras, quase palpáveis, as coisas

indefinidas que lhes tumultuavam no peito e a que não sabiam dar

nome. (QUEIROZ, 2000, p.119)

Assim, a narrativa breve realista, ao servir-se de elementos do mundo real

(representados pelas descrições, referências de família, etc), cria a ilusão da

verdade; o narrador leva o público leitor a pensar que os acontecimentos “exibidos” e

contados bem podem acontecer com ele, deslocando o sujeito do seu mundo e

convidando-o a refletir sobre a possibilidade daquilo ser, também, a sua realidade.

Histórias de amor são universais e sensibilizam; por meio delas, Eça coloca em cena

discussões de diversas naturezas -estéticas, sociais, biológicas -, mais ou menos

aguerridas, que o mostram como um homem sensível às mudanças de seu tempo.

E, como numa tese, demonstra o que pretende, legando sempre uma contribuição

para os leitores de todos os tempos e para os leitores encantados de Eça de

Queiroz.

133

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